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| Clark Gable and Vivien Leigh in Victor Fleming´s Masterpiece "Gone with the Wind" (USA, 1939) A principios de los años treinta nada hacía sospechar que se avecinaba una época tan radiante para Hollywood: el triunfo de la fábrica de sueños. Mientras el mundo estaba sumido en la crisis económica y el caos político, los grandes estudios vivieron una auténtica época de esplendor. Con una perfección y eficiencia inusitadas, la industria cinematográfica norteamericana ofreció a las masas, que sufrían los efectos de una prolongada depresión económica, todo aquello que la triste realidad les negaba. Nunca antes la pantalla había logrado reflejar los anhelos colectivos con tanta precisión como en los años dorados del sistema de estudios, en los que sus poderosos ejecutivos controlaban toda actividad. Durante esos años, el cine alcanzó un nivel técnico y artístico que no pudo superarse durante décadas. Éxitos espectaculares eliminaron la expresión imposible de rodar del vocabulario de los ejecutivos de los estudios: en pantalla todo era posible. La principal prioridad era satisfacer al público, el cual, según los directores de los estudios, deseaba que se mantuviera una ilusión perfecta hasta llegar al final feliz. Si la misión era confirmar una y otra vez la vigencia del sueño americano, los actores simbolizaban esa promesa de felicidad. En aquella sombría realidad, aún brillaban con más fuerza: la miseria se generalizó de tal modo que ir al cine fue convirtiéndose paulatinamente en un lujo. Hollywood, la fábrica de sueños: esta afirmación nunca fue tan cierta como en la década de 1930, los años de la Gran Depresión. |
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| Marlene Dietrich en "Der blaue Engel" (1930) Su postura reclinada con una pierna levantada fue elegida tras haberse probado y descartado otras doce posturas |
Reparto: Emil Jannings (1884-1950), Marlene Dietrich (1901-1992)
El profesor Emmanuel Rath dirige un instituto masculino de una pequeña ciudad, y martiriza a sus estudiantes con su extrema pedantería.
Por si esto fuera poco, el caballero chapado a la antigua pone un celo especial en recabar pruebas de la conducta inmoral de los jóvenes.
Cuando se entera de que algunos de sus alumnos frecuentan "El Ángel Azul", un cabaret del puerto, para ver a la cantante Lola Lola, visita el establecimiento.
Pero en vez de atrapar in fraganti a los alumnos y así probar su inmoralidad, el profesor pierde la cabeza por la atractiva y frívola mujer.
Una pasión que acabará siendo su ruina.
El papel de la lasciva Lola Lola cimentó la fama de M. Dietrich y selló su imagen de diosa erótica del cine.
Antro de vicio: selección de decorados con gran ambiente y perfecta elección de actores secundarios...
así como por canciones, fuertes e insinuantes, que ella presenta con un encanto insolente inconfundible.
M. Dietrich le robó protagonismo a E. Jennings, destinado a ser la estrella del film, y que ya había sido coronado con un Oscar.
La famosa novela de Heinrich Mann (1871-1950) "Professor Unrat" (1905) dibujaba al profesor como un típico burgués de provincias en la Alemania de la época imperial. Parece como si hubiera un juego de palabras entre los términos alemanes: "Rat" (consejo, recomendación y sugerencia) y "Unrat" (inmundicias, basura).
Y J. von Sternberg convirtió el argumento en un drama sobre la degradación y la propia humillación.
Según el periódico alemán Licht-Bühn:
"Lo que debe señalarse como valor principal e imperecedero de la magistral puesta en escena de Josef von Sternberg es la libertad absoluta del arte dramático...Creemos haber topado por primera vez con un uso del lenguaje y del sonido sometido a reglas nuevas y originales en una obra maestra. ¡Todo un modelo!"
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| Romanian born actress and singer Paola Iliescu, professionally known as Pola Illéry (before 1940) |
Reparto: Albert Préjean (1894-1979), Pola Illéry (1908-1993)
El argumento tiene en cierto modo el valor
de un libreto de opereta y encaja perfectamente en una ciudad como París.
La felicidad de Albert con Pola durará poco.
El joven va a parar a la cárcel por culpa de las maquinaciones del canalla Fred, al que
le ha quitado la chica.
Cuando sale, Pola está viviendo con Louis, su mejor amigo.
La suerte, una ilusión gratuita -dicen-, pero también la propia vida, deciden en un final agridulce que Albert vuelva a ser un cantante solitario.
Se trata de una historia romántica, pero llena de ironía y una especie de chispa, como las que invariablemente se han relacionado con París: el amor, las canciones, el vino...
La rumana Pola Illéry interpreta a la joven bohemia rumana Pola.
En la magnífica escena inicial, la cámara desciende desde los tejados de París hasta el pequeño coro de Albert.
La simbiosis de imagen y música es perfecta.
La música tapa los diálogos realmente importantes, en escenas casi mudas o detrás de ventanas.
Tímido acercamiento: Albert acompaña a Pola a casa. El granuja de Fred también tiene sus posibilidades. Expectativas frustradas: el generoso Albert pasa una mala noche durmiendo en el suelo de su propia casa.
La canción de "La Bohème": con la venta de su canción, el cantante triste se gana el sustento.
Un amigo, un buen amigo: mientras Albert está en la cárcel, Louis cuida de Pola.
Pola y Fred: en los bailes de París se producen escenas de celos entre todos los personajes.
René Clair fue uno de los grandes directores de cine para los que la vida real y la ficticia no se excluían, sino que se necesitaban.
"Bajo los techos de París" es la mejor expresión de esa creencia.
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| Wandmalerei imTanzcafe LiBella (1994) Representación en una sala de baile de Baviera (Alemania) del personaje encarnado por Peter Lorre en "El vampiro de Düsseldorf" |
Reparto: Perer Lorre (1904-1954), Ellen Widman, Inge Landgut
Se narra la horrible historia real de un asesino de niños que aterrorizó a la población alemana de la época.
En el film, el asesino Hans Beckert ya se ha cobrado ocho víctimas y la novena ha desaparecido.
Se desencadenan la incertidumbre y la histeria.
Una y otra vez, vemos niños solos, y nos sentimos aliviados cuando aparece un policía o un familiar y se resuelve una situación potencialmente peligrosa. Sin embargo, la tensión y la angustia sólo se interrumpen brevemente.
Hans Beckert atrae a sus víctimas fuera de la ciudad con dulces o juguetes.
Una especialidad del director Fritz Lang: la fusión de masas de gente y arquitectura para formar grandes cuadros vivientes.
Beckert queda atrapado en la buhardilla de un edificio de oficinas.
Schränker y sus hombres hacen avanzar a empellones a Beckert, que parece una pieza de caza asustada.
Últimas resonancias del expresionismo en el nuevo realismo: la pequeña Elsie Beckmann y la sombra amenazadora del asesino.
El vendedor de globos ciego identifica a Beckert.
Con su conmovedora interpretación, Lorre pasó a ser un actor de carácter; la locura que emana de su rostro se convirtió en su seña de identidad.
Según el periódico "Die Weltbühne":
"En esta película aparece todo lo que la censura, aun en su variante más inofensiva, acostumbra a cortar: el asesino se mete la mano en el bolsillo y afila el cuchillo; una escena no puede ser más sádica. Se hace burla del Estado y se trata de heroicas a las organizaciones criminales"
Según el "Filmwelt":
"Sólo era cuestión de tiempo que alguien llevara a la gran pantalla la problemática surgida de los grandes procesos contra asesinos en serie. Es, si se quiere, una suerte que fuera precisamente Fritz Lang quien se atreviera a tocar el tema, puesto que así quedó garantizado que un asunto tan difícil se trataría con la delicadeza necesaria y el tacto indispensable"
"Duck Soup": Leo Mc Carey (1898-1969)
Reparto: Groucho Marx (1890-1977) y sus hermanos
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| Marx Brothers (1931) Chico (1887-1961), Harpo (1888-1964) Groucho (1890-1977), Zeppo (1901-1979) La renuncia a cualquier tipo de comunicación coherente y la tenaz negativa a tomarse nada ni nadie en serio es su respuesta al mutismo de los obcecados poderosos y al alto concepto que éstos tienen de sí mismos. Desde su punto de vista, la guerra real es únicamente la continuación de la locura reinante con otros medios diferentes. |
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"Sopa de ganso" es un golpe mortal a la ingenua ilusión de que existen el orden público y de que los ciudadanos son responsables de sus actos. Todos los habitantes de este pequeño Estado son iguales, libres pero completamente arruinados. Diálogos incoherentes y absurdos que pretendían provocar la risa del espectador: "Si le encuentran está perdido" "¡Qué tontería!" ¿Cómo voy a estar perdido si me encuentran?" Frases que en 1933, momento culminante de la grave crisis económica mundial, podían lograr que el público se entretuviera y olvidara por el momento su situación real. |
"King Kong": Merian C. Cooper (1893-1973) USA (1933)
Reparto Fay Wray (1907-2004), Robert Armstrong (1890-1973), Bruce Cabot (1904-1972)
En King Kong se mezclan
elementos del cine de
expediciones científicas
y del cine del terror.
Carl Denham, célebre cineasta de documentales de animales, está buscando a una actriz para un viaje a las Indias Orientales y en el Nueva York de la Gran Depresión enseguida encuentra a una desesperada, Ann Darrow.
Al cabo de seis semanas llegan por fin al misterioso destino; entre una niebla espesa se perfila una isla tropical con arrecifes de roca escarpados y una montaña con forma de calavera.
Un muro alto separa la tierra en dos mitades: a un lado viven los humanos; al otro, un ser que, según la superstición, no es hombre ni animal.
Se trata de King Kong, un gorila enorme que raptará a Ann, de la que se ha enamorado perdidamente.
A menudo se ha interpretado el mito de King Kong como la encarnación de una sexualidad animal: el insólito animal salva a Ann Darrow de muchos peligros.
Sacrificios humanos: la mujer blanca como pantalla de proyección de fantasías colonialistas.
Según The New York Times:
"Imagínese una bestia de 15 metros de altura, con una chica en su garra, escalando el Empire State Building...tratando de agarrar unos aviones, cuyos pilotos disparan ráfagas de ametralladora al cuerpo del monstruo"
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| Poster for the 1933 film "King Kong" |
"Modern Times": Charles Chaplin (1889-1977) USA (1936)
Reparto: Charles Chaplin, Paulette Godard (1911-1990)
A diferencia de lo que hiciera en filmes anteriores, Chaplin muestra la miseria sin matices pintorescos.
A veces, la cámara capta los escenarios pobres con una sobriedad casi documental, y en otras ocasiones el cineasta plasma también las tensiones políticas de la época.
Algunas escenas reforzaron en su tiempo la fama de Chaplin de hombre de izquierdas y, con ello, la enemistad de los círculos conservadores estadounidenses, que desde entonces consideraron sospechoso al actor británico.
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| Original poster for Charlie Chaplin´s 1936 film "Modern Times" |
Un film que no era mudo, pero aún menos hablado.
Hizo que sus actores actuaran sin palabras y utilizó el sonido únicamente para la música y los ruidos agresivos.
Una indirecta al cine hablado que Chaplin equiparaba de este modo al absurdo de la época.
Esa concepción poco convencional del sonoro contribuye a que "Tiempos Modernos" se cuente entre las obras maestras intemporales del cine.
Un cómico trabajando en serio.
La vida como lucha por la supervivencia:
las condiciones en la cárcel se diferencian, a lo sumo en grado, de las de la fábrica.
Tanto en un sitio como en otro se despoja al sujeto de su individualidad.
Personas en el engranaje: en otra secuencia fantástica, Charlot es tragado por la máquina.
Perseguidos por el sistema: a Charlot y a la chica la vida sólo les depara algunos momentos de respiro.
Película sonora sin diálogos, sólo al final cantará su vagabundo: una canción en esperanto inventado y sin sentido.
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| Original poster for the 1937 film "La Grande Illusion" |
"La Grande Illusion": Jean Renoir (1894-1979) France (1937)
Reparto: Jean Gabin (1904-1976), Pierre Fresnay (1897-1975), Dita Pardo (1908-1971)
En 1937, se intuía que una nueva guerra mundial era una posibilidad muy real.
Como consecuencia, Renoir no sólo tocó la fibra sensible del público, sino que también llamó la atención de la clase política.
El mensaje pacifista de la película hizo que fuera prohibida en los países dominados por regímenes fascistas.
Además de renunciar al espectáculo de la guerra, Renoir tampoco estuvo muy interesado en el potencial de la historia para poner al público en tensión.
El material le llamaría la atención más bien por otro motivo:
le ofrecía la oportunidad de mostrar su visión del mundo.
En esta visión, las barreras entre clases se difuminaban y las fronteras entre los países y los conflictos derivados de esas barreras parecían totalmente arbitrarios:
es decir, la gran ilusión.
Juntos en la huida: el obrero Maréchal y Rosenthal, hijo de un banquero judío.
Un estudio sociológico: no importa si uno es proletario, noble, negro o acaudalado burgués de origen judío.
En prisión todos se sientan a la misma mesa como hermanos.
Un amor que no entiende de bandos: el soldado francés Maréchal y Elsa, la campesina alemana.
De Bodelieu distrae la atención de los guardias para que sus camaradas puedan huir.
Renoir puso en escena la amistad entre Rauffenstein y De Bodelieu como una trágica historia de amor.
Según Cinémonde:
"Desde la primera hasta la última imagen, el interés no sólo recae, sino que va in crescendo. El film está orquestado, bien dirigido. De él se extrae una desacostumbrada impresión de realismo potente, conmovedor, libre de todo clasicismo y de toda ortodoxia"
"Gone with the Wind": Victor Fleming (1883-1949) USA (1939)
Reparto: Clark Gable (1901-1960), Vivien Leigh (1913-1967)
Olivia de Havilland (1916-2020), Leslie Howard (1893-1943)
Hoy en día, la trama romántica podría antojarse algo trivial y su enfoque condescendiente con la esclavitud.
Sin embargo, de la guerra civil estadounidense, no parece presentarse precisamente una visión edulcorada.
Son impresionantes sobre todo las imágenes del cromatismo rojo intenso de la ciudad de Atlanta en llamas.
Así como esa secuencia rodada desde una grúa, en la que se nos muestra un enorme hospital de campaña.
Se nos permite observar, un cuadro viviente repleto de cuerpos heridos, debilitados, y horribles mutilaciones.
Estas imágenes ponían el dedo en la llaga de un trauma doloroso en la memoria del pueblo estadounidense.
Y éste era el motivo por el cual las epopeyas sobre la guerra civil se consideraban un veneno para la taquilla.
Aunque no fue así: el film costó 4 millones de dólares, obtuvo 8 Oscar y ha generado unos beneficios de unos
200 millones de dólares, lo cual le convierte en uno de los filmes de más éxito en el cine de todos los tiempos.
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| Vivien Leigh as Scarlett O´Hara in "Gone with the Wind" (1939) Era indiscutible que el papel de Rhett Butler iba a recaer en Clark Gable, el gran ídolo sexual de los años treinta. Su imagen de galán duro -pero, tierno en el amor- fue todo un símbolo para sucesivas generaciones de galanes. El aventurero Rhett quien cultiva su independencia masculina más allá de las normas sociales conoce a Scarlett. Pretendientes: los hombres hacen cola ante una bella Scarlett O´Hara, desde que ésta era casi una adolescente. La actriz inglesa Vivien Leigh fue escogida para interpretar el papel, desbancando a otras mucho más conocidas. A pesar de sus múltiples desacuerdos, Rhett y Scarlett parecen atraerse en sus escasos momentos de felicidad. Amor auténtico por el hombre equivocado, Ashley: él sabe que nunca podrá satisfacer las exigencias de Scarlett. Melania (Olivia de Havilland) y Ashley (Leslie Howard), un atractivo soñador, viven en una dulce armonía serena. Nada volverá a ser lo que era: el mito sureño del sueño de señores y esclavos ha sido definitivamente destruido. La guerra civil se describe como una lucha épica por la supervivencia, en la que solamente algunos sobrevivirán: un nostálgico, melancólico y bello canto sobre la vida del Sur y sus valores destruidos por la guerra de secesión. |
