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| Anita Ekberg en "La dolce vita" (1960) de Federico Fellini "Escándalo" -según la prensa italiana- "espanto por esta obra depravada, licenciosa, desenfadada, blasfema" Federico Fellini recibió insultos, incluso le retaron a duelo: con su espléndida obra "La dolce vita" se había zambullido en el mundo esplendoroso de las estrellas de Roma, de los intelectuales y los artistas, y ofrecía -según decían- "decadencia y superficialidad en lugar de valores y contenidos" "El placer" -según su dictamen- "ha vencido a la razón, el silencio a las explicaciones, el vicio a la pureza" Según los críticos: "En estos mundos galantes y oníricos alejados de las obligaciones cotidianas, la mujer parecía querer encontrar su propia esencia, una auténtica celebración de la feminidad, de descubrirse por fin como un ser humano libre y buscar su propia esencia y su verdad" |
"La dolce vita" (Italia, 1959/60) Federico Fellini
Desfile ininterrumpido de situaciones metafóricas para una de las películas más célebres no ya de su realizador, sino de todo el cine europeo, causante de un enorme escándalo en su día, hasta el punto de que sólo en 1981 se aprobó su exhibición en España.
Satiriza la vida frívola de la alta burguesía romana a través de unos personajes que son en sí mismos completas autoparodias, alguna tan mítica como la exuberante actriz encarnada por Anita Ekberg.
Director: Federico Fellini (1920-1993) Italia
Película:"La Dolce Vita" (1960)
Reparto: Marcello Mastroianni, Anita Ekberg, Anouk Aimée.
Oscar al Mejor Vestuario (Piero Gherardi)
Festival de Cine de Cannes: Palma de Oro a la Mejor Dirección (Federico Fellini)
_Un icono del cine: Anita Ekberg toma un baño nocturno en la "Fontana di Trevi" de Roma.
_El fotógrafo de caza: Fellini estaba orgulloso de que la palabra que él había inventado "paparazzi" se convirtiera en un término fijo para designar a los reporteros gráficos insistentes.
_Con "La dolce vita" se inició la colaboración de dos genios, Fellini y Mastroianni, que apareció en seis películas del director como su álter ego.
_Ambiente de final de los tiempos al amanecer: la decadencia y despreocupación de la alta sociedad provoca una comparación con los últimos días de la Roma clásica.
_Fellini formula una crítica acerada a los medios de comunicación, que aún sigue siendo válida.
Aquí, una mujer se entera por los reporteros de la prensa amarilla de que su marido ha matado a sus hijos y después se ha suicidado.
_También ella sucumbió al encanto de la Ciudad Eterna: Anita Ekberg, Miss Suecia 1950, se trasladó a vivir a Roma después del rodaje de "La dolce vita"
_Una de las escenas que conmocionaron al Vaticano: una mujer con sotana, al fondo la plaza de San Pedro. Y para rematarlo, ¡menuda mujer!
_Fellini dijo que "La doce vita" era la película de alguien que se estaba ahogando, un grito de auxulio desde el mundo de la superficialidad
"De esta representación sensacional de ciertos aspectos de la vida de la Roma contemporánea, revelados a partir de las ruidosas vivencias de un hombre de la prensa irresponsable, surge un juicio gráfico brillante a todo un muestrario social en plena decadencia triste y, por último, una crítica mordaz a la tragedia de la gente excesivamente civilizada"
The New York Times
"La dolce vita" resulta tan pretenciosa como sensacional y contradictoria"
Time Magazine
"L´Avventura" (Italia, 1960) Michelangelo Antonioni
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| Gabriele Ferzetti y Monica Vitti en "L´Avventura" de Michelangelo Antonioni |
La hija de una familia rica y un arquitecto son los protagonistas de una situación en la que ella es mucho más lúcida que él.
Ella está en una situación de compadecerlo, como si fuese una especie de hermana-madre-amante, mientras que él es incapaz de renunciar a un comportamiento que ha devenido en mero juego. Un clásico del cine italiano.
Película:"L´Avventura" (1960)
Reparto: Gabriele Ferzetti, Monica Vitti, Léa Massari
_La ocasión hace el amor: Claudia y Sandro de viaje por el sur de Italia. Si realmente se aman es algo que ni ellos mismos saben con exactitud.
_Antonioni dijo en una entrevista que las películas no podían "entenderse" simplemente escudriñando su contenido. Según el director, más bien había que extraer preguntas de ellas.
_Junto con Giulia, Claudia busca a la desaparecida Anna, en cuyo papel se irá metiendo. Ya lleva puesta su camisa.
_Ni rastro de Anna en ninguna parte. El último lugar donde estuvo: la isla rocosa, yerma y vacía de Lisca Bianca, en el archipiélago de la Lípari.
Los paisajes en las obras de Antonioni son siempre escenarios anímicos.
_De forma caprichosa y brusca, tal vez simplemente desorganizada: Antonioni dibujaba a los personajes masculinos blandos y pálidos...
_...a los personajes femeninos, en cambio, autosuficientes e independientes. Tienen sus propias ideas, son "la curiosidad, el conocimiento del mundo", como escribió un crítico en el periódico alemán "Süddeutsche Zeitung"
Los paisajes en las obras de Antonioni son siempre escenarios anímicos.
"L´Avventura" trata sobre la grieta social que se habría entre la vieja y la nueva época, entre los romanos mundanos y los sicilianos sedentarios.
Es, quizá, la mejor película de Antonioni. Ningún otro largometraje ha mirado su presente a la cara de forma tan inteligente, tan distanciada y, aún así, tan emocional.
"Mónica Vitti está realmente fascinante, soberbia en sus cambios de registro, en la expresión de los sentimientos interiores que le imponen las circunstancias"
Le Monde
"Su fotografía es exquisita: nítida e inmensamente pintoresca. Gran parte de ella se rodó en exteriores, en las ciudades y el campo de Sicilia, y posee una gran dosis de belleza y entusiasmo en la simple composición del movimiento frente a las formas arquitectónicas"
The New York Times
"Psycho" (EE.UU. 1960) Alfred Hitchcock
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| Anthony Perkins in Alfred Hitchcock´s "Psycho" (1960) |
Basada en una novela de Robert Bloch y menospreciada en su momento, hoy en día brilla como una de las obras maestras no ya de su llorado autor sino de toda la historia del cine, un film-mito casi en la misma medida que "Lo que el viento se llevó" o "Casablanca"
Todavía imitada en nuestros días y motor de la filmografía de John Carpenter, Curtis Harrington o Brian De Palma, supuso la irrupción del cine de terror despojado de elementos fanta-científicos o sobrenaturales y el encasillamiento a perpetuidad de su protagonista, emergiendo el famoso asesinato de Janet Leigh en la ducha como uno de los momentos cruciales del género.
La música de Hermann también ha pasado a la inmortalidad.
Director: Alfred Hitchcock (1889-1980) EE.UU.
Película:"Psycho" ("Psicosis") 1960
Reparto: Anthony Perkins, Janeth Leigh, Vera Miles
_"Probablemente me vigilan" Norman Bates es un desequilibrado que no sabe a quién debe temer más: a las seductoras desconocidas, a su misteriosa madre o a sí mismo.
_La casa de los Bates, una de las más célebres de la historia del cine, se construyó expresamente para la película. El motel es auténtico, aunque en realidad se encuentre en otro lugar.
_Para casarse con su amante Sam Loomis, Marion Crane comete un error mortal. Estamos ante un ejemplo de doble moral al estilo de Hitchcock: el comportamiento inmoral se castiga, aunque sea por motivos totalmente distintos.
_La famosa escena de la ducha sigue conmocionando al espectador actual. Existe una leyenda según la cual el responsable de esta secuencia no fue Hitchcock, sino Saul Bass, un genial realizador de títulos de crédito y mano derecha del director.
_El cerco se estrecha en torno a Norman: al motel, por lo general vacío, acuden distintas personas en busca de la desaparecida Marion.
"Psicosis" es, sin lugar a dudas, la película más osada de Hitchcock.
La trama sólo sirve para despistar al espectador con todos los medios de la sugestión visual.
La subversiva fuerza de las imágenes casi hacen de "Psicosis" una película experimental.
La famosa escena de la ducha en la siniestra casa de los horrores es una escena impresionante: durante 45 segundos pueden verse 70 planos distintos.
Los brutales cortes entre las imágenes, sumados a la estridente música, hacen que el espectador prácticamente sienta en carne propia las brutales cuchilladas que sufre la víctima.
Sin embargo, aunque "Psicosis" parezca brutal y terrorífica, en realidad es el manifiesto artístico de un maestro genial en el punto culminante de su carrera.
"Tras sus películas de suspense e historias románticas, ¿podía Hitchcock proponer algo que chocara al público medio norteamericano, que todavía recordaba con un escalofrío películas extranjeras como "Las Diabólicas"? La respuesta es un entusiasmado sí. En esta cinta mezcló la realidad con la fantasía en unas fascinantes proporciones y la remató con varias sorpresas ágiles, espeluznantes y desconcertantes"
San Francisco Chronicle
"Mientras que olvidamos otras películas en cuanto salimos del cine, "Psicosis" es inmortal, porque conecta directamente con nuestros temores: el temor de cometer un crimen impulsivamente, el temor a la policía, el temor de ser víctima de un maníaco y, por supuesto, el temor de decepcionar a nuestra madre"
Chicago Sun-Times
"Breakfast at Tiffany´s" (EE.UU. 1961) Blake Edwards
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| Audrey Hepburn in Blake Edwards "Breakfast at Tiffany´s" (1961) |
Un clásico, a la vez sofisticado, melancólico y romántico
Director: Blake Edwards (1922-2010) EE.UU.
Película:"Breakfast at Tiffany´s" ("Desayuno con Diamantes") 1961
Reparto: Audrey Hepburn, George Peppard, Patricia Neal.
2 Oscar:
_ a la Mejor Banda Sonora (Henry Mancini);
_a la Mejor Canción ("Moon River") Música: Henry Mancini. Letra: Johnny Mercer.
_A veces basta con ver un rostro para poder explicar la historia de una película: Holly Golightly busca hombres ricos.
_En vez de un millonario, en su vida entra Paul; no tiene nada que ofrecer... excepto amor.
_La chica de compañía analiza si estaría bien de novia (aunque se le compara a una especie de pantalla de mesilla de noche).
_Holly descubre que ella y Paul tienen algo de común: ambos son unos mantenidos, Paul de una mujer de la alta sociedad.
_Los dos tienen la puerta del corazón abierta de par en par.
-En las fiestas de la gente chic de Manhattan, las duchas están también llenas de parejitas: tan pronto como se encuentran, vuelven a perderse de vista.
La jungla urbana de la Quinta Avenida neoyorquina está a oscuras, pero al final de la calle ya puede verse el sol. Es como si el tiempo quisiera detenerse por un instante, como si el mundo dejara de girar por un momento antes de que comience el día.
La película resulta emblemática de la década en la que apareció, unos años de transición llenos de contradicciones:
por una parte, homenaje al sofisticado estilo de vida de la nueva jet-set; por otra, señales de la decadencia de un mundo que pronto sería rechazado por una nueva forma de entender la existencia.
Este film se anticipa a los estudios sobre la búsqueda urbana del sentido de la vida y la búsqueda de la felicidad, del vacío existencial, del andar a ciegas, de la huida y la vida a la deriva.
Apuesta por momentos: instantes cinematográficos intensos en el sentido más genuino de la palabra, cerrados en sí mismos y que van más allá de la narración.
"Lawrence of Arabia" (Gran Bretaña, 1962) David Lean
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| Peter O´Toole in David Lean´s "Lawrence of Arabia" (1962) |
La vida del enigmático T. E. Lawrence, constituyó uno de los grandes éxitos del siempre creativo David Lean, amén de convertir a O´Toole en una estrella de renombre internacional.
Se insinúan la homosexualidad y el masoquismo del protagonista, pero la verdad es que el aspecto espectacular y el análisis psicológico nunca acaban de casar convenientemente.
Completan el espléndido reparto Anthony Quayle, Alec Ginnes, Claude Rains, Arthur Kennedy y José Ferrer, con una fugaz aparición de nuestro Fernando Sancho como sádico sargento turco.
Director: David Lean (1908-1991) Gran Bretaña
Película:"Lawrence of Arabia" (1962)
Reparto: Peter O´Toole, Alec Guinness, Anthony Queen.
7 Oscar:
_a la Mejor película (Sam Spiegel)
_al Mejor Director (David Lean)
_a la Mejor Fotografía (Freddie Young)
_al Mejor Montaje (Anne V. Coates)
_a la Mejor Banda Sonora (Maurice Jarre)
_a los Mejores Decorados (John Box, John Stoll y Darío Simoni)
_al Mejor Sonido (John Cox)
_El desierto tiene vida: el director David Lean y el director de fotografía Freddie Young ganaron sendos Oscar por sus espectaculares imágenes.
_El amigo más fiel de Lawrence: el papel de Sherif Ali Ibn El Kharish le reportó a Omar Sharif el éxito internacional como actor.
_Una travesía por el desierto como viaje de introspección: el comandante Lawrence es un personaje indescifrable, que no siempre se lo pone fácil a sus semejantes.
_Un orgulloso jefe de tribu: la relación de Sherf Alí con el egocéntrico Lawrence no siempre carece de turbulencias.
_ ¿Visionario político o soñador ingenuo? Lawrence reúne a los árabes para atacar a los turcos.
_El trabajo administrativo no es uno de sus fuertes: las querellas entre las distintas tribus árabes le destrozan los nervios a Lawrence.
_Un aliado de poco fiar: Auda Abu Tayi considera las campañas militares de Lawrence sobre todo como correrías.
"Lawrence de Arabia" no es una película sobre la guerra, la política y la historia colonial británica.
Se trata más bien del viaje de una persona para descubrirse a sí misma, plasmado con imágenes poderosas, la epopeya de un ser al borde de la locura, al que solamente le atraen los desafíos imposibles:
Lawrence cruza desiertos que nadie había cruzado antes y planea ataques por sorpresa a guardias turcos en apariencia invencibles.
Forja alianzas frágiles entre tribus árabes enemistadas y acaba por tomar Damasco con su ejército árabe.
Sin embargo, las expediciones mortificantes no van acompañadas de una purificación del alma, sino de la pérdida de la inocencia:
alentado al principio por el ideal de ayudar a los árabes a conseguir la independencia, Lawrence acaba dándose cuenta de que sus patrones, los ingleses, nunca lo permitirán.
El hecho de que la puesta en escena no se base en valores visuales por sí mismos y de que, a pesar de las imponentes imágenes de paisajes y escenas dinámicas de pantallas, siempre permanezca en un primer plano el drama de un personaje fascinante, interpretado por un elenco de primera clase, convierte a "Lawrence de Arabia" en uno de los mejores films monumentales de todos los tiempos.
"Pero, como ya se ha comentado antes, el desierto sirve también para reflejar el estado anímico del protagonista: si al principio de la película aún seduce romántico en tonos vivos amarillos, naranjas y rojos, con la creciente desilusión palidece en un blanco grisáceo calizo y acaba en un gris amarillento sucio"
Neue Zürcher Zeitung
"David Lean y el cámara Freddie Young han conseguido sacar a la luz el tormento cruel y solitario del desierto con una artística utilización del color y un montaje magnífico en prácticamente todos los fotogramas"
Variety
"To Kill a Mockingbird" (EE.UU. 1962) Robert Mulligan
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| Gregory Peck in Robert Mulligan´s "To Kill a Mockingbird" (1962) |
Adaptada de la novela de Harper Lee, una de las mejores películas de Robert Mulligan, tensa y dura, gracias a la cual Gregory Peck ganó el Oscar al mejor actor.
Un clásico del cine americano de los años 60.
Director: Robert Mulligan (1925-2008) EE:UU.
Película:"To kill a Mockingbird"
("Matar un Ruiseñor") 1962
Reparto: Gregory Peck, Mary Badham, Philip Alford
3 Oscar´
_al Mejor Actor (Gregory Peck)
_al Mejor Guion Adaptado 8Horton Foote)
_a los Mejores Decorados (Alexander Golitzer, Henry Bunstead y Oliver Emert)
_Curiosidad infantil: Scout y Jem con su amigo Dill Harris.
_Impotencia infantil ante el mal en el mundo de los adultos: los niños siguen en la tribuna el proceso contra un inocente. La mirada escéptica de Scout vale más que mil palabras. Su padre apenas tiene posibilidades de éxito.
_Bob Ewell está lleno de odio. El abogado Atticus Finch no le cree ni una palabra.
_Una simple argucia prueba la mentira de la supuesta víctima. El acusado Tom Robison es zurdo.
_Atticus y Tom luchan en nombre de la verdad contra el racismo de una población que le condena.
_El veredicto es deprimente. A pesar de todas las pruebas inequívocas, Atticus no puede salvar a su cliente.
Si se considera la historia de EE.UU., sus mitos, miedos y esperanzas, y se escucha atentamente el gran relato de la convivencia de generaciones y razas en un país de contradicciones peligrosas y optimismo ilimitado, entonces no se pasará por alto "Matar un Ruiseñor", grabado en la memoria colectiva.
Es la época de la Gran Depresión. Los estados del sur se ven especialmente afectados por la crisis:
la vida cotidiana de las pequeñas ciudades se ve amenazada por la miseria, el racismo y la ignorancia.
La película es extraordinaria desde cualquier punto de vista.
Hasta su muerte, el gran actor Gregory Peck calificó el film como su película preferida.
En el año 2003, el "American Film institute" eligió a Atticus Finch como el mayor héroe de la pantalla de todos los tiempos. Por delante de Indiana Jones, James Bond y... Lawrence de Arabia.
"Matar un Ruiseñor" es, ante todo, la recreación de un mundo infantil, un mundo bastante horrible y macabro, donde el principal foco de interés del lugar es un loco con fama de peligroso, donde los perros se vuelven rabiosos cada cierto tiempo y los dramas adultos latentes sólo roban protagonismo de vez en cuando de una manera violenta y aterradora, a la vez que impredecible"
Sight and Sound
"Si consigues aprender una sola cosa, Scout, te llevarás mucho mejor con todos tus semejantes. Nunca llegarás a comprender a una persona hasta que no veas las cosas desde su punto de vista... Hasta que no logres meterte en su piel y sentirte cómodamente"
Cita de la película: Atticus
"Dr. Strangelove" (Gran Bretaña, 1963) Stanley Kubrick
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| Stanley Kubrick´s "Dr. Strangelove" (1963) |
Según la crítica: presuntuosa sátira de la obsesión nuclear, en uno de los films obviamente más fallidos del sobrevalorado Kubrick, desbordante de un humor chocarrero y ramplón que, afortunadamente, no volvería a aflorar en su filmografía.
Excelente, eso sí, la triple composición del finado Peter Sellers.
Director: Stanley Kubrick (1928-1999) Gran Bretaña
Película:"Dr. Strangelove" ("Teléfono Rojo. ¿Volamos hacia Moscú?") 1963
Reparto: Peter Sellers, George C. Scott, Sterling Hayden
_La mano ortopédica del doctor Strangelove no es lo único que parece tener voluntad propia. Él mismo se enfurece a veces.
_La culpa de todo la tiene la libido. El general Jack D. Ripper suelta insensateces acerca de valiosos fluidos corporales y manifiesta abiertamente su predilección por los símbolos fálicos.
_El presidente Merkin Muffley provoca la cólera de sus generales cuando el embajador soviético De Sadesky solicita ser recibido en la secretísima sala de guerra.
_Según sus órdenes, los hombres de Ripper defienden la base de sus propios camaradas, pues creen que se trata de un ejército enemigo invasor.
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| Guy Hamilton´s "Goldfinger" (1964) Canción que Shirley Bassey interpreta: "His heart is cold, he loves only gold." La mirada del mal: James Bond (Sean Connery) ha caído en la trampa. Una ventana al patio. Incluso mientras vigila a Goldfinger, Bond tiene tiempo para flirtear un poco. Jill Masterson, recubierta de una mortal capa de oro y convertida en icono del capitalismo. El nacimiento de la elegancia. Vestido de etiqueta, Bond no se pierde ni una fiesta. Estereotipos nacionales: Goldfinger y su sirviente asiático, el mudo Oddjop. Dominio técnico al servicio de Su Majestad: Bond siempre tiene preparada la herramienta más apropiada. |
_Cuando recibe la llamada del Pentágono, el general Buck Turgidson se encuentra en pleno tête-à-tête con su secretaria, la señorita Scott.
_El mayor King Kong inspecciona sus bombas atómicas decoradas con saludos.
_Para su inminente misión, King cambia su casco de piloto por un apropiado sombrero vaquero y acompaña en persona a la bomba hasta su objetivo.
La trama propiamente dicha comienza en la base aérea de Burpleson, cuyo comandante, el general Jack D. Ripper (Sterling Hayden) envía un escuadrón de bombarderos hacia la Unión Soviética en un ataque de paranoia.
Tras dar la orden, hace sellar herméticamente las instalaciones e imposibilita la comunicación con los pilotos mediante un código especial.
"La comedia negra de Stanley Kubrick: la extraordinaria historia de un general americano psicótico que lanza un ataque nuclear masivo sobre Moscú"
Film Review
"Tras la triste realidad se presenta siempre el humor macabro como telón de fondo. Todos estamos demasiado familiarizados con el vocabulario utilizado por ambos bandos durante la Guerra Fría. Por su parte, los personajes se representan conscientemente como clichés que vemos a diario en las fotografías de los periódicos"
Filmblätter
"El humor del Dr. Strangelove nace de un principio cómico básico: las personas que intentan ser graciosas nunca lo son tanto como las que intentan ser serias sin conseguirlo"
Chicago Sun-Times
"Goldfinger" (Gran Bretaña, 1964) Guy Hamilton
La tercera aparición cinematográfica de James Bond y un éxito sin precedentes, fruto del cual empezaron a proliferar los sesudos análisis sociológicos del fenómeno, hoy un tanto irrisorios.
La irrealidad y auto-ironía del ciclo se agudizaron con respecto a los anteriores, y Sean Connery lo emoezó a ver muy negro para competir dignamente con los gadgets progresivamente ingeniosos y las cada vez más insinuantes y sofisticadas chicas, entre las que es obligado destacar a la espléndida Jill Masterson (Shirley Eaton): "la muchaha de oro"
Sobre el fondo, de intenso color negro, vemos la consecuencia de la pasión: un cuerpo de mujer totalmente cubierto de oro, en cuya superficie se vislumbran centelleantes retazos de imágenes.
Director: Guy Hamilton (1922-2016) Gran Bretaña
Película:"Goldfinger" ("James Bond contra Goldfinger")1964
Reparto: Sean Connery, Honor Blackman, Gert Fröbe.
Oscar a los Mejores Efectos Sonoros (Norman Wanstall)
_La mirada del mal: James Bond ha caído en una trampa.
_Una ventana al patio: incluso mientras vigila a Goldfinger, Bond tiene tiempo para flirtear un poco.
_Jill Masterson, recubierta de una mortal capa de oro, convertida en icono del capitalismo.
_El nacimiento de la elegancia: vestido de etiqueta, Bond no se pierde ni una fiesta.
_Estereotipos nacionales: Goldfinger y su sirviente asiático, el mudo Oddjob.
_Dominio técnico al servicio de Su Majestad: Bond siempre tiene preparada la herramienta más apropiada.
"Se da por supuesto -lo cual sucede, justo en el lado contrario, en las películas de Godard- que todos conocemos los clichés y nos podemos divertir con ellos"
Sight and Sound
"Doctor Zhivago" (EE.UU. 1965) David Lean
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| Julie Christie and Omar Sharif in David Lean´s "Doctor Zhivago" (1965) |
Los avances amorosos del Doctor Zhivago durante la Revolución Rusa, enfocados de manera quizá un poco aparatosa -dicen- y algo superficial, donde sin embargo brilla el talento de Julie Christie, a partir del film una estrella internacional.
Completan el lujoso reparto: Rod Steiger, Ralph Richardson, Tom Courtenay, Rita Tushingham y Klaus Kinski.
Director: David Lean (1908-1991) EE.UU.
Película:"Doctor Zhivago" (1965)
Reparto: Geraldine Chaplin, Julie Christie, Tom Courtenay, Omar Sharif.
5 Oscar:
_al Mejor Guion Adaptado (Robert Bolt)
_a la Mejor Fotografía 8Freddie Young)
_a la Mejor Banda Sonora (Maurice Jarre)
_a los Mejores Decorados (John Box, Terence Marsh y Darío Simoni)
_al Mejor Vestuario (Phyllis Dalton)
_Se puede acabar con el individualismo romántico, pero no con el amor: Yuri se enamora de Lara.
_Un cínico simpático y oportunista: Komarovsky se preocupa por el bienestar de Lara.
_Un invierno duro y desórdenes de una guerra civil: los protagonistas tienen que soportar ciertas situaciones en la Rusia de la revolución.
_Moscú en España: la revolución rusa se empieza a rodar en un estudio cerca de Madrid.
_Una esposa comprensiva: Tonya se muestra indulgente con Yuri.
_No pueden determinar su propio destino: unos revolucionarios secuestran a Yuri.
_Intentando acabar la historia de su hermano: el general Yevgraf Zhivago se encuentra con una niña que posiblemente es hija de Yuri.
_El refugio de Yuri: el escritor quiere recuperar la creatividad lejos del barullo revolucionario.
_Médico, poeta y soñador ingenuo: Yuri Zhivago se deja llevar por la vida sin voluntad.
La historia de Boris Pasternak en la que está basada la película, sobre un inconformista que intenta reafirmarse en el trasfondo de un nuevo gran orden, parece hecha a medida del estilo de "espectáculo íntimo" de Lean -así lo definió él mismo en una ocasión-, que una vez más permite esperar un retrato de caracteres preciso ante un fondo histórico lo más espectacular posible.
Al contrario que su personaje de "Lawrence de Arabia", en esta ocasión el protagonista no hace nada heroico. Mientras el mundo cae en ruinas a su alrededor, Yuri Zhivago (Omar Sharif) lo interpreta como un soñador que, falto de voluntad y reacio a tomar decisiones, se ve arrastrado por unos acontecimientos sobre los que nunca puede decidir.
Sin embargo, la bella historia de amor con final trágico entre Lara (Julie Christie) y Yuri Zhivago, se convirtió en uno de los mayores éxitos de la década de 1960.
"Las despedidas de Yuri y Lara pertenecen al arsenal clásico del cine romántico. Donde muchos habrían patinado hacia lo cursi, Lean sostuvo, con voluntad de estilo y una puesta en escena refinada, una autonomía artística que respetó la grandeza literaria de la novela"
Rheinischer Merku/Christ und Welt
"Pierrot le Fou" (Francia, 1965) Jean-Luc Godard
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| "Pierrot le Fou" (1965) de Jean-Luc Godard "Durante dos o tres años, tuve la impresión de que todo estaba hecho, de que no quedaba nada por hacer que no se hubiera hecho ya. Resumiendo, era pesimista. Después de Pierrot dejé de tener esa impresión de todo. Sí, queda todo por filmar, queda hablar de todo. Todo está por hacer" Jean-Luc Godard en: Cahiers du cinéma |
Uno de los films más polémicos de Godard, en el que una pareja huye por el sur de Francia.
Ella se esconde de unos criminales; él está casado con una millonaria.
Las opiniones sobre Godard ya se empezaron a dividir, y en su posible reposición el film no obtuvo demasiado éxito.
Colaboración especial del realizador Samuel Fuller.
Director: Jean-Luc Godard (1930-2022) Francia
Película:"Pierrot le Fou" ("Pierrot el Loco") 1965
Reparto: Jean-Paul Belmondo, Anna Karina, Graziella Galvani.
_Jean-Paul Belmondo era la máxima estrella masculina del cine francés en los años 60. En el film interpreta a Ferdinand Griffon Pierrot, el héroe romántico: un personaje que supo encarnar de forma tan convincente como tipo con agallas y comediante.
_La pareja ilegítima huyendo: Ferdinand deja tras de sí su vida burguesa por Marianne.
_Dos iconos de la nouvelle vague: Anna Karina y Jean-Paul Belmondo viven un amour fou (amor loco).
_La danesa rodó ocho películas dirigidas por Jean-Luc Godard, su marido en aquella época.
_El homme faible (hombre débil) se enamora de una aventurera: un papel que Belmondo repetiría en "La sirena del Mississippi" (1969) de Truffaut.
"Pierrot el Loco" es como un intento fascinante de acercarse a la realidad en toda su complejidad.
Godard muestra las influencias de las que se alimenta su película, ya sean de naturaleza privada, económica, cultural o incluso política. Y, con ello, se presenta como cronista de su tiempo, mucho más que otros cineastas de la nouvelle vague.
La película es ante todo un bello film, seductor y romántico, con dos héroes que saben agotar por completo su enorme potencial interpretativo: Jean-Paul Belmondo y Anna Karina.
"Andrei Rubliov" (U.R.S.S. 1966) Andrei Tarkovsky
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| "Andrei Rublev" (1966) de Andrei Tarkovsky |
Pronto, fuera del aislamiento de su celda, comenzará a percatarse de las torturas, crímenes y matanzas que tienen aterrorizado al pueblo ruso.
Director: Andrei Tarkovsky (1932-1986) U.R.S.S.
Película:"Andrei Rubliov" (1966)
Reparto: Anatoli Solonitsyn, Ivan Lapikov, Nikolai Grinko.
Aparentemente, el film trata de la vida de un pintor de iconos ruso de principios del siglo XV.
Sin embargo, los ocho episodios de esta obra en blanco y negro de tres horas de duración reflejan en realidad la esencia del arte y ofrecen un panorama de la historia de la nación rusa bajo el yugo de los tártaros.
Con ampulosidad épica, pero libre de todo énfasis nacionalista, el director despliega la imagen de un universo en el que es imposible trazar los límites entre el bien y el mal.
A pesar del horror del mundo, Rublev, el monje pintor, está convencido de la bondad inherente al ser humano. Así, también ve el arte como algo que ofrece consuelo y fuerza para el cambio.
Pero su imagen altamente idealizada se desmorona cuando, en el ataque de los tártaros, rusos luchan contra rusos hasta masacrarse; él mismo tiene que matar en defensa propia.
Sacudidas sus convicciones más básicas, deja de creer en el sentido del arte, abandona los pinceles y, en adelante, guarda silencio.
"Es una película de una poesía brutal, de delirio al estilo de Dostoievski, con una precisión calculada de forma conmovedora y a ratos desconcertante"
Die Welt
"Bonnie and Clyde" (EE.UU. 1967) Arthur Penn
Película de encargo que anteriormente se le encomendó a Truffaut y Godard.
En un tono neorromántico, se vuelve al modelo del bandido violento de "El Zurdo".
En plena depresión de los Estados Unidos, una pareja vive asaltando bancos y enfrentándose a la policía. Realización efectiva y puntillosa.
Un clásico del cine de los años 60, con una sabia utilización de la violencia como elemento dramático.
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| Fay Dunaway in Arthur Penn´s "Bonnie and Clyde" (1967) |
Película:"Bonnie and Clyde" (1967)
Reparto: Warren Beaty, Faye Dunaway, Michael J. Pollard, Estelle Parsons
2 Oscar:
_a la Mejor Actriz Secundaria (Estelle Parsons)
_a la Mejor Fotografía ((Burnett Guffey)
_No sólo es una mujer independiente, También resulta muy sexy. El estilo de Bonnie Parker creó moda y Faye Dunaway se convirtió en el icono de una generación de mujeres emancipadas.
_Bajo una lluvia de balas de la policía, Clyde Barrow se abre paso a tiros. Esta escena resulta trepidante, gracias a la puesta en escena y el montaje.
_La impotencia de Clyde no es lo único que preocupa a Bonnie. Esta fugitiva de la justicia ya intuye que ella y su amante tendrán un final violento.
_De momento, la vida de estafador es sólo un juego. Sin embargo, la rebelión de los protagonistas contra la ley tendrá consecuencias brutales.
La representación sin tapujos de la violencia y el sexo que se hacía en "Bonnie and Clyde" demostró que incluso los grandes estudios podían dejar definitivamente a un lado el "production code", un código que durante décadas había velado por la "inocuidad moral" de las producciones hollywoodienses. El drástico lenguaje visual del film encendió, no obstante, los ánimos de muchos, incluidos ciertos críticos de renombre.
"Aunque el uso que hace Penn de la violencia es mucho más complejo, sofisticado y profundo que en la mayoría de los filmes que siguieron, Bonnie and Clyde es todavía el inquieto progenitor del cine de la brutalidad que caracteriza a gran parte de la cinematografía norteamericana contemporánea"
Lester D. Friedman
"The Graduate" (EE.UU. 1967) Mike Nichols
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| "The Graduate" (1967) de Mike Nichols "Señora Robinson, está intentando seducirme, ¿verdad?" "En la escena más célebre de su carrera, la actriz Anne Bancroft, en la piel de la señora Robinson, únicamente muestra una pierna: una pierna estirada provocativamente en primer plano, mientras que, al fondo y muy pequeña, aparece la figura de un tímido joven." Stuttgarter Zeitung |
Comedia más o menos agridulce, famosa donde las haya, no ya entre el género sino incluso dentro del cine americano de los 60.
Dustin Hoffman saltó a la fama internacional por este su célebre papel de tímido y apocado estudiante, que acaba de recibir su graduación y es seducido por la mismísima madre de su novia. La canción de Simon & Garfunkel contribuyó en buena parte al carácter mítico de la realización.
Director: Mike Nichols (1931-2014) EE.UU.
película:"The Graduate" ("El Graduado") 1967
Reparto: Anne Bancroft, Dustin Hoffman, Katharine Ross.
Oscar al Mejor Director (Mike Nichols)
_Anne Bancroft en el papel de la seductora señora Robinson. Cada una de sus bocanadas de humo equivale a una peligrosa insinuación sexual.
_Al principio, Benjamin Braddock es sólo un juguete para la señora Robinson. Sin embargo, el chico también tiene su amor propio.
_Benjamin no quiere estar supeditado al futuro que sus padres han decidido para él. Todo parece cobrar sentido cuando conoce a la hija de la señora Robinson.
_La señora Robinson sabe exactamente lo que quiere: Benjamin, que no se libra de los consejos paternos sobre su futuro, no sabe exactamente por dónde empezar.
Al ritmo de las canciones del álbum "Sounds of Silence" de Simon & Garfunkel, presenciamos una especie de pasaje cinematográfico que nos permite asistir al proceso de maduración de Benjamin como si nos percatáramos gradualmente de nuestros propios sentimientos y anhelos. No es casualidad que se recurra una y otra vez a las imágenes acuáticas:
acuarios, piscinas e incluso una perspectiva subjetiva que parece haberse filmado a través de gafas de bucear.
Muchos de estos enfoques subrayan la metamorfosis, la necesidad de encontrar un camino nuevo.
Sin embargo, el film es sobre todo una colección de imágenes impresionantemente precisas de la superficie amable y abigarrada de un entorno decadente.
"2001: A Space Odyssey" (Gran Bretaña, 1968) Stanley Kubrick
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| Stanley Kubrick´s "2001, a Space Odyssey" (1968) |
Fascinante y arrebatador para unos, insoportable y pedante para el resto, continúa siendo valorado por el momento como el film de ciencia-ficción más importante jamás realizado.
Director: Stanley Kubrick (1928-1999) Gran Bretaña
"2001: a Space Odyssey" ("2001: una Odisea en el Espacio) 1968
Reparto: Keir Dullea, Gary Lockwood, William Silvester.
Oscar a los Mejores Efectos Especiales (Stanley Kubrick)
_El viaje a otra dimensión en el espejo del casco de un astronauta. Douglas Trimbull fue uno de los responsables de los efectos especiales. Su película "Las naves misteriosas" (1972) rodada pocos años después, se convirtió en un clásico de la historia del cine.
_Un ojo de "HAL 9000", el superordenador que controla todas las funciones de la nave. Si se cambia cada letra por la siguiente del abecedario, se llamaría IBM. Pero el coguionista Arthur C. Clarke remarcó que "HAL respondía por:
"Heuristic Algorithmic Computer" ("Ordenador heurístico de algoritmos").
_Una cápsula espacial corta el tubo de oxígeno del astronauta Poole: al mando, el ordenador de a bordo HAL. Su justificación fría es que se trata de una misión demasiado importante como para ponerla en juego por errores humanos.
_Keir Dullea, como el astronauta David Bowman, es el último superviviente de la misión a Júpiter.
_El descubrimiento de un hueso como arma. Tras el disfraz de mono se esconde Dan Richter, que coreografió la mayoría de las escenas de la época primitiva. Sus monos parecen tan reales que algunos miembros del jurado los tomaron por auténticos.
_En la Luna se descubrió un misterioso monolito: "Su origen y su propósito sigue siendo un misterio total" -dice el doctor Heywood- un científico estadounidense.
_Poole y Bowman hablan de desconectar a HAL después de que haya cometido un error. Par que no pueda oírles, hablan en una cápsula espacial. ¡Qué mala que HAL también pueda leer los labios!
_Un módulo lunar se acopla a una estación espacial al son del vals de Strauss "El Danubio Azul". Kubrick encargó primero la banda sonora a Alex North, pero se decidió por obras clásicas de dominio público
Kubrick describe en tres episodios la creación de nuevas formas de existencia de la existencia misma:
_la evolución del mono al hombre;
_el salto de la inteligencia artificial al ser capaz de sentir; y
_el paso de la tercera dimensión a otras.
La última parte del film es una de las grandes maravillas de la historia del cine: un paso enigmático y visualmente imponente a otra dimensión, en la que el tiempo y el espacio no significan nada.
Los célebres efectos especiales a través del corredor de luz que aumentan aún más su efecto psicodélico, coronan la obra maestra de Kubrick.
Nunca, ni antes ni después, una película ha conseguido transmitir una idea semejante del Universo, del infinito.
"Intenté crear una experiencia visual que evitara el encasillamiento en las palabras y penetrara directamente en el subconsciente con un contenido emocional y filosófico"
Stanley Kubrick
"C´era una volta il West" (Italia, 1968) Sergio Leone
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| Henry Fonda en "Hasta que llegó su hora" (1968) de Sergio Leone |
La obra maestra de Sergio Leone, seguida de cerca por "El bueno, el feo y el malo"
Arranque, en principio impremeditado, de la segunda y última de las trilogías que conforman el cine de su inolvidable autor, se trata de una fantasía cinéfila, al tiempo fascinante y fascinada, que sublima el género western desde un punto de vista propio, y aglutina con singular fortuna los rasgos más característicos del estilo de Leone.
Un clásico beneficiado por el paso del tiempo y del que destacan particularmente la extraordinaria banda sonora de Ennio Morricone y la interpretación de Jason Robards (Cheyenne).
Director: Sergio Leone (1929-1989) Italia
Película:"C´era una volta il West" ("Hasta que llegó su hora") 1968
Reparto: Claudia Cardinale, Henry Fonda, Charles Bronson, Jason Robards
_La película se comparó con una ópera, porque Ennio Morricone compuso un tema musical para cada uno de los protagonistas.
_Típico de un western de Sergio Leone: primeros planos en los que se aprecia cada gota de sudor.
_En las películas de Leone, hasta las escenas más brutales parecen una obra de arte. Escribió el guion del film con Bernardo Bertolucci y con Darío Argento.
_Cuando Jill (Claudia Cardinale) llega a su nuevo hogar, su familia ha sido asesinada.
_A Jill se le ha metido en la cabeza fundar la ciudad de Sweetwater. El hecho de que la cultura del Oeste estadounidense pudiera tener su origen en la idea de una mujer de costumbres un tanto displicentes sería, según algún crítico, una sugerencia cínica sobre la historia de la colonización del país.
Refiriéndose al film, Sergio Leone dijo que había querido barrer todas las mentiras que existían sobre la historia de la colonización de EE.UU.
El publico estadounidense debió de gritar horrorizado cuando vio por primera vez el rostro del asesino Frank: hasta entonces, Henry Fonda siempre había interpretado en los western el papel del bueno: ahora encarnaba el papel del malo insondable.
"Hasta que llegó su hora" se parece más a una ópera que a un western. Puede que éste sea el motivo por el que la película nunca tuvo el éxito que merecía en Estados Unidos. Revitaliza mitos arcaicos, el amor y la muerte, la violencia y la traición. Lo hace en forma de western, pero va mucho más allá"
Die Zeit
"No tiene sentido explicar qué ocurre en "Hasta que llegó su hora". Es, digámoslo así, una película llena de sucesos, pero toda esta descomunal historia realmente se reduce a dos acciones: protagonizar y disparar"
Newsweek
"Easy Rider" (EE.UU. 1969) Dennis Hopper
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| Dennis Hopper´s "Easy Rider" (1969) |
Un título mítico dentro del cine norteamericano de los 60, responsable (junto con "Cowboy de medianoche") de cierta renovación en el proceso de producción hollywoodiense, tal fue su éxito comercial.
El viaje en moto de dos jóvenes inconformistas se presta a todo tipo de interpretaciones, desde la iniciática a la meramente "neo-western", pero el paso del tiempo ha reducido este film a sus justas y modestas proporciones.
Peter Fonda y Jack Nicholson se convirtieron en estrellas.
Director: Dennis Hopper (1936-2010) EE.UU.
Película:"Easy Rider" ("Easy Rider. Buscando mi destino") 1969
Reparto: Peter Fonda, Dennis Hopper, Jack Nicholson
_Buscadores de libertad en el país de la falta de libertad: Peter Fonda en el papel del tranquilo y reflexivo Wyatt...
_...y Dennis Hopper en el del fogoso y explosivo Billy. Ambos nombres aluden a dos héroes del Oeste: Wyatt Earp y Billy el Niño.
_El abogado George Hanson (Jack Nicholson) viaja hacia Nueva Orleans.
_El cobarde asesino al final: Billy, una víctima de la sociedad.
_Hanson prueba por primera vez ls marihuana.
Y luego explica su teoría de los extraterrestres que hace mucho tuvieron la Tierra en su poder.
_Nacido para ser salvaje: Peter Fonda ya era un experto motorista antes del rodaje, por eso su Chopper era más extremada que la de Dennis Hopper.
"Easy Rider" es una de las películas de culto de los años sesenta, como un estado de ánimo vital que fascina al celuloide.
Un road movie sobre la juventud, las drogas, el huir y evadirse, con una banda sonora que se convirtió en un enorme éxito.
Libertad. Y la imposibilidad de ser libre en un país donde la gente tiene miedo de romper sus ataduras.
"Easy Rider es una película muy seductora. En sí es magistral: las imágenes son fantásticas, los diálogos encajan como nunca antes en un film "joven", la dramaturgia es tan sencilla como convincente"
Die Welt
"Midnight Cowboy" (EE.UU. 1969) John Schlesinger
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| John Schlesinger´s "Midnight Cowboy" (1969) |
recorren todos los aspectos de una gran ciudad como Nueva York:
sus costumbres, sus usos, sus pensamientos, descubriendo la miseria, el egoísmo, la corrupción...
Gigantesco éxito crítico-comercial en su día, aunque como muy bien se observó
-dice un crítico- no pasa de ser una variante cruda y naturalista de "Las dos huerfanitas"
Director: John Schlesinger (1926-2003) EE.UU.
Película:"Midnight Cowboy" ("Cowboy de Medianoche") 1969
Reparto: Dustin Hoffman, Jon Voight, Sylvia Miles.
3 Oscar:
_a la Mejor Película (Jerome Hellman)
_al Mejor Director (John Schlesinger)
_al Mejor Guion Adaptado (Waldo Satt)
_Ante nosotros, don Quijote y Sancho Panza: Joe Buck (Jon Voight) y Rico Salvatore Ratso Rizzo (Dustin Hoffman).
_Dustin Hoffman sufre en un papel que le permitió lucirse como actor y por el que fue candidato al Oscar.
_Rico tiene mucho tiempo libre. Sus altruistas servicios no siempre resultan de ayuda a Joe.
_El ingenuo Joe descubre la auténtica vida en la gran ciudad y sus ilusiones empiezan a desvanecerse.
_El cínico Rico, enfermo de gravedad, es un hombre desconfiado
_En un mundo implacable sólo ayudan los bolsillos llenos. El timador Rico estudia la situación.
_Un vaquero pueril como encarnación del ideal de la inocencia norteamericana: Jon Voight en el papel que le dio a conocer. Su aspecto juvenil refuerza la impresión de que estamos ante un ser sexualmente ingenuo.
La concesión del Oscar a la mejor película simbolizó una apuesta por una innovadora y emocionante forma de hacer cine, que influiría en el nuevo Hollywood y el cine independiente.
El hecho de que, en su momento, "Cowboy de Medianoche" recibiera la clasificación X, reservada al cine pornográfico, debido a algunas escenas que fueron consideradas de gran crudeza, difícilmente puede entenderse en la actualidad.
Su ingenua sexualidad, que se expresa en la fantasía pueril del vaquero -dicen-, se erige como el enigma más ambiguo de la película.
Es un mundo implacable, en donde sólo importa el dinero.
"Cowboy de Medianoche" pone de manifiesto el atrevimiento experimental con el que Schlesinger consigue transmitirnos la sensación de estar realmente en la gran ciudad.
El británico retrata con minuciosidad casi documental la ciudad de Nueva York de 1969 con imágenes de pesadilla, aunque sin pasar por alto las grandes esperanzas y sueños de la época.
"Cuando Loe Buck se dirige en autobús a Manhattan, con el transistor pegado a la oreja e imaginándose a esas mujeres maduras y ricas del Upper West Side desesperadas por sus servicios, no tiene ni idea de lo que le espera. Al conocer a Rico y se timado por él -un pobre delincuente de tres al cuarto- se embarca en un camino sin retorno que le adentra en el bullicio del infierno moderno"
The Waschington Post
"The Wild Bunch" (EE.UU. 1969) Sam Peckinpah
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| Sam Peckinpah´s "The Wild Bunch" (1969) |
La revelación internacional de Peckinpah y uno de los títulos míticos del cine de los años 60, continuamente repuesto en los cines del mundo entero.
En su momento se habló de desmitificación, ahora parece más bien un enfoque parcialmente original de un género entonces en plena crisis, que no tardaría en ser objeto de innumerables imitaciones.
En cualquier caso y pese a sus irregularidades, una gran película, con varias de las secuencias de violencia más impresionantes que se recuerdan y una excelente interpretación, en especial de Ryan y esos característicos tan increíbles de Peckinpah: Warren Oates, Edmond O´Brian, Ben Johnson, Emilio Fernández, Strother Martin, L. Q. Jones
Director: Sam Peckinpah (1925-1984) EE.UU.
Película:"The Wild Bunch" ("Grupo Salvaje") 1969
Reparto: William Holden, Robert Ryan, Ernest Borgnine.
_Pike Bishop (William Holden) no quiere dejar correr el engaño del general guerrillero Mapache.
_Dutch (Ernest Borgnine) se muestra ajeno a los nobles motivos de Bishop, pero le sigue hasta la muerte.
_A Pike Bishop y a Deke Thornton, un día les sorprendieron en un burdel. Después de que Pike tuviera que abandonar allí a su amigo herido, éste cambió de bando.
_Para exigir la liberación de Ángel, los miembros de la banda que quedan regresan al campamento de Mapache, en contra de sus propias convicciones.
_Bishop y su gente atacan por sorpresa el cuartel de Mapache, donde éste -después del trabajo hecho- se deja mimar por algunas chicas ligeras de cascos.
_A pesar de estar gravemente herido, Bishop no hace ningún preparativo para abandonar la lucha contra un enemigo demasiado fuerte. Para él y Dutch no hay escapatoria.
En su western no hay héroes venerables, ni tampoco reflexiones morales sobre la ley: Peckinpah desbarata con rigurosidad el viejo cliché del western de que ese tipo de conflictos se arreglan limpiamente, en un duelo heroico hombre contra hombre. "Grupo Salvaje" no se puede desligar de su contexto histórico: por primera vez, unas imágenes sin censurar de los escenarios de la guerra divulgadas en los medios de comunicación de masas, hacían consciente a la opinión pública de hasta qué punto se veían afectadas las víctimas civiles.
"Violenta, reflexiva y autoritaria, esta película aísla a Peckinpah del resto de directores de westerns de su generación"
Sight and Sound
"Un paseo por el lado salvaje de la existencia"
H. K
