El Greco

 

Autorretrato de El Greco (-detalle- "El Entierro del Conde de Orgaz", 1586-1588)

Se hace visible la belleza y el patetismo de la obra del gran pintor El Greco.
Su genialidad resulta imposible de definir.
Su obra es inquietante y profundamente conmovedora, y es emocionante su patética belleza.

Doménikos Theotokópoulos -Il Greco-:

(Creta, c. 01/10/1541-Toledo, 07/04/1614)

El Greco, una de las figuras más originales de la pintura europea del siglo XVI, fusiona el severo estilo bizantino de su tierra natal con las influencias básicas recibidas en sus años de formación en Venecia y las tradiciones medievales de España, país que eligió como residencia definitiva.

En sus primeros años de formación, El Greco se dedicó a pintar iconos en los monasterios cercanos.

Siendo todavía joven, se trasladó a Venecia, donde Tiziano (1518-1594) sería su maestro.

En el taller de Tiziano descubriría la luminosidad del color, que sería un componente fundamental a lo largo de toda su obra.

Aunque también Tintoretto (1518-1594), y sobre todo los elementos manieristas de su pintura, contribuirían a formar las características de su estilo, los atrevidos escorzos, los complicados movimientos de las figuras, el alargamiento exagerado de las proporciones, el marcado claroscuro.

El Greco "Dibujo de El Día" (1574)

Obra excepcional, considerada el único dibujo de temática no
 religiosa y la única muestra gráfica conservada de su etapa
italiana. Es una variación libre de la famosa escultura "Il Giorno"
de Michelangelo, y representa una figura masculina desnuda. 

En 1570 El Greco viajó a Roma, donde descubrió la obra del gran Michelangelo (1475-1564), una experiencia que resultaría ciertamente ambivalente.

El Greco criticó ferozmente el "Juicio final" y se ofreció a pintar en su lugar una obra mejor.

Según los críticos, esta anécdota es un claro ejemplo de las vueltas que da la Historia:

el único pintor de primera línea que llegaba de la tierra donde se originó el arte clásico, era incapaz de comprender esta obra del Alto Renacimiento inspirada en los modelos de belleza de la Antigüedad clásica.

Sin embargo, su corta permanencia en Roma le proporcionó el conocimiento profundo de la obra de Michelangelo.

Su contacto con humanistas españoles en Roma y los rumores sobre los posibles encargos relacionados con la construcción de El Escorial, pudieron ser la razón de su traslado a España en 1577.

Al principio estuvo al servicio de Felipe II de España (1527-1598), donde pintó la obra "El sueño de Felipe II" (1580), y más adelante, en ese mismo año, se trasladó a Toledo, donde se dedicó a pintar retratos y a realizar encargos para la Iglesia.

El Greco "La Dama del Armiño" (c. 1489)

La obra es especial por varias razones históricas y artísticas:
_innovación en el retrato;
_el uso del "esfumato";
_la identidad de la modelo Cecilia Gallerani, de 16 o 17 años,
amante del duque de Milán Ludovico Sforza (1452-1508);
_el simbolismo del armiño: por un lado, la pureza y la virtud;
por otro, a Sforza se le conocía como "el armiño blanco";
y "gallé" en griego significa también "armiño"

Es en Toledo donde permaneció la mayor parte de su vida.

Y es en Toledo donde el Greco manifestó su genialidad por primera vez. 

Ésta se reveló de forma brusca, arrolladoramente.

De esta época destacan los dos grandes encargos que iniciarían su obra toledana:

"Santa Domingo el Antiguo" y 

"El Expolio" Después:

"Martirio de San Mauricio"

Se tiene noticia de los numerosos conflictos que El Greco tuvo con sus clientes, quienes rechazaban sus obras debido a la interpretación inadecuada de temas religiosos, a su extraño colorido, al alargamiento de las figuras o a la anticuada estructuración. El Greco se apartaba cada vez más de la representación realista:

deformación de la figura humana; violentos cambios de escala; abandono de la coloración descriptiva.

Críticas de esa época:

_el Greco no sigue las convenciones, posibles de definir matemáticamente, puestas en vigor en el Quattrocento;

_el espacio es representado de manera arbitraria;

_en sus pinturas deja de existir la representación tridimensional, para quedar fijado un espacio indeterminable.

El Greco "Piedad" (1578-1585)

El Greco "El Caballero de la Mano en el Pecho" (c. 1580)

Es una de las obras maestras más célebres de El Greco.
La identidad del caballero ha sido un misterio histórico. Se especuló que podría ser
Miguel de Cervantes, pero la hipótesis más respaldada por los expertos señala a
Juan de Silva y Ribera, marqués de Montemayor (1461-1538) notario mayor de Toledo.
La obra destaca por su sobriedad y el característico uso de la luz y el color del artista:
_el gesto: la mano derecha sobre el pecho representa un voto o juramento solemne;
_el contraste: el vestuario oscuro se funde con el fondo, ello dirige toda la atención
hacia el rostro alargado, la mirada penetrante, la expresiva anatómica de los dedos;
_los elementos de estatus: el caballero porta una espada con empuñadura dorada
y una medalla o colgante dorado, símbolos indiscutibles de su estatus de nobleza.

El conjunto de su obra es inmenso.

El Greco emplea colores puros, estallantes, junto a manchas sombrías y profundas sombras.

A medida que El Greco avanza en su evolución artística, mayor focos de luz aparecen iluminando desigualmente la composición, y más alucinante resulta el conjunto, precisamente por su desigual y arbitraria iluminación.

El arte de El Greco surgió en el momento artístico conocido como manierismo.

En él, los artistas se expresaban con formas extremas y atormentadas.

El Greco puede ser considerado como el más genial de todos los pintores del manierismo.

En el campo de las ideas, las que inspiraron a los artistas del manierismo son de raíz neoplatónica.

Plotino (c. 205-270) es quizá la mayor influencia que puede rastrearse en el pensamiento de El Greco, la que mejor expresa la condición de su arte. 

¿Por qué razón?

Porque Plotino rechazaba el principio de que belleza fuese armonía. 

Afirmaba que el arte no es sólo imitación de la naturaleza, resaltando la participación del artista en su obra.

Mantenía igualmente que la belleza del color es también forma -deriva de ella-:

"De la conquista de la oscuridad inherente de la materia por el derramarse de la luz, lo incorporal, que es un principio racional y una forma ideal"

Por ello consideraba al fuego como algo más espléndido, por encima de cuantos cuerpos materiales hubiera, y muy cercano a lo incorporal.

En el manierismo, arte de toda la Europa occidental, las formas establecidas desde el Renacimiento se desintegran, haciendo con ello visualmente patente la crisis profundísima del individuo de la época.

Características del manierismo:

_empleo de un colorido alto y contrastado;

_la iluminación pasa a ser brusca, y las sombras densas;

_el canon de las figuras se exalta alargándose.

Todo ello se enlaza con la creación y empleo de simbolismos en las formas y los colores, con un extremado gusto por la expresión, que algunos definen como algo rebuscada.

El arte de El Greco tiene, sin embargo, características propias debidas a su formación bizantina. 

Así resulta que, si bien puede ser considerado un artista del manierismo, en él destaca algo que es para algunos críticos innegable:

el Greco es el más genial de todos.

El Greco "El Entierro del Conde de Orgaz" (1586-1588)

Es considerada la obra maestra del pintor cretense El Greco.
A nivel técnico y compositivo, destaca por su estilo manierista y su genial división en dos planos teológicos bien diferenciados:

1) El Plano Terrenal (parte inferior): 
Representa el funeral rodeado por la sociedad toledana del siglo XVI, eliminando las fronteras del tiempo entre el milagro medieval y
 la época del pintor:
_el milagro: según la tradición, San Agustín y San Esteban bajaron milagrosamente del cielo para depositar con sus propias manos
 el cuerpo inerte de Gonzalo Ruíz de Toledo (c. 1256-1323) señor de Orgaz, como premio a su vida virtuosa y su filantropía;
_el cortejo fúnebre: una hilera de caballeros y clérigos vestidos de riguroso luto negro contemplan la escena con semblante grave.
El Greco incluyó su propio autorretrato (el caballero que mira de frente por encima de San Esteban);
_el niño testigo: en primer término, un niño señala el cuerpo del noble hacia el espectador.
De su bolsillo sobresale un pañuelo con la firma del pintor y el año del nacimiento de su hijo (1578).

2) El Plano Celestial (parte superior): 
Muestra la dimensión espiritual de la vida eterna, caracterizada por las figuras alargadas y los colores ácidos propios del misticismo
 del autor:
_el ascenso del alma: justo en el centro, un ángel sube hacia las nubes transportando el alma del fallecido, representada con la
 forma de un feto o un niño translúcido;
_la corte celestial: en la cúspide se encuentra Jesucristo entronizado como juez supremo. Justo debajo están la Virgen María y
San Juan Bautista, configurando una clásica escena de "deesis" (plegaria, súplica) intercediendo por la salvación del alma;
  _presencias notables: entre los personajes destaca la figura del rey Felipe II en el cielo, a pesar de que el monarca aún vivía cuando se pintó la obra.
Se menciona asimismo los mensajes ocultos y la simbología de la obra.

"El Entierro del Conde de Orgaz" es una de las más excelentes obras que hay en España...Viénenla a ver con particular admiración
 los forasteros, y los de la ciudad nunca se cansan, sino que siempre hallan cosas nuevas que contemplar en ella..."

F. de Pisa, "Descripción de la Imperial Ciudad de Toledo (1612) 

El Greco "La Magdalena Penitente" (c. 1590)

A pesar de las sutiles diferencias estilísticas y de distribución en el lienzo de las
diferentes versiones, la estructura de las escena suele repetirse bajo unos códigos fijos:
_la mirada al cielo: con los ojos llorosos y alzados hacia el infinito, El Greco capta el
instante exacto de la revelación mística y el desapego del mundo terrenal;
_el frasco de ungüentos: su atributo icónico, aludiendo al pasaje evangélico donde unge
los pies de Jesús; 
_la calavera: símbolo tradicional de la vanitas y la fugacidad de la vida terrenal; 
_la hiedra en la roca: trepa por el fondo rocoso y árido, simbolizando la inmortalidad
 y la persistencia en la fe;
_la luz irreal: un rayo de luz sobrenatural ilumina su cuerpo, purificándole, mientras
el paisaje del amanecer se funde con los colores fríos y cromatismos.

La genialidad -dicen- es un concepto muy difícil, o quizá imposible, de definir.

Aunque hay algunos, a lo largo del tiempo, que han intentado describir de alguna manera el arte del genial pintor.

"...grandeza de pintor...y locura de genio... ya que aún sus peores cuadros tienen siempre algo de inesperado, que va más allá de lo posible, y al mismo tiempo suscita sorpresa e induce al sueño"

Th. Gautier, "Voyage en Espagne" (1843)

"La mano de El Greco era segura y extendía el color sin vacilación. La facultad de dar vida era como una fuerza de la naturaleza. El arte se ha desenvuelto en él como fruto del temperamento y de la habilidad en el disponer del color. No ha creado él su estilo: su estilo ha llegado a ser lo que fue sin que él lo supiera, en la mezcla del estilo europeo y el oriental"

J. F. Willumsen, "La Jeunesse du Greco" (1927)

"En El Greco, las masas más pesantes son arrebatadas por un movimiento ascensional, las líneas angulosas se doblegan al viento de la inspiración. Las formas obedecen a una evolución interna y se liberan poco a poco del residuo de estructuras barrocas a las que a veces parecían adaptarse. Sus alteraciones son de otra naturaleza y responden a un proceso de fuerte purificación y desnudez. En algunas obras bastantes tardías la abstracción es total; el tema se anula tras sus interpretaciones; ya no es más que una alusión fulgurante que penetra el misterio sin desvelar lo inexplicable. Los colores se convierten en fusiones y transparencias; la materia se ha consumido"

J. Lassaigne, "La Peinture Espagnole dès Fresques Romanes au Greco" (1952)

"Una fría, calculada pasión, el ir hasta el fondo del color para desentrañar lo que tiene de desentrañable, cierta sensación de haber sido sorprendidos por un aire de tormenta, le hacen original y único.

El color ya no es una fiesta. Dice su palabra despejada, honda, cortante a veces como un cuchillo, el cuchillo del alma que va descarnando las figuras, limpiándolas de pinturas innecesarias. El color es una preparación, una escala hacia los colores del juicio final"

Ramón Gómez de la Serna, "El Greco, Visionario Iluminado" (1955)

"...el arte de El Greco parece... sustraerse a las solicitaciones y arraiga todo él. en cambio, en un ámbito rigurosamente figurativo, para el que no tiene sentido en nuestra opinión hablar de manierismo o de barroco; y en esto consiste precisamente su auténtica grandeza...

Ninguna concesión a una estética más grata o, digámoslo así, sugerida por los tiempos, las circunstancias o la clientela; ningún engaño naturalista, ni obediencia ciega a convenciones doctrinales, religiosas, sociales; ninguna complacencia retórica, sino sólo una pintura que dice, lo más intensamente posible, cuanto se propone decir; y por ello, se aleja de avatares estilísticos, ni crea una escuela. Decididamente escoge el camino de una absoluta independencia..."

                                                E. Arslan, "El Greco" (1958)

El Greco "El expolio" (1590-1595)

En este lienzo, la composición rigurosamente centrada, las figuras de
 modelado relativamente plástico, y sobre todo el cromatismo, son un
eco de las impresiones de sus años venecianos, y en particular de las
obras de Tiziano. Las figuras cortadas en la parte inferior izquierda, y
especialmente la perspectiva de la figura de Cristo, que se reduce
 ligeramente hacia el interior del cuadro, hacen pensar en un
emplazamiento elevado. Si se considera bajo este aspecto, el rojo
luminoso de la túnica -que hace resaltar la figura de Cristo de su
entorno- y las líneas verticales de figuras y lanzas, se puede reconocer
una alusión a la Ascensión, más allá del tema directamente plasmado.

"La Sagrada Familia con Santa Ana y San Juan Bautista" (c.1600)

 El grupo de cinco figuras está muy cerrado, y también fuertemente intrincado
 en el espacio. Al evitar las figuras todo contacto visual entre sí, surge un
ambiente irreal, onírico. En la representación, El Greco renuncia a toda
descripción detallada de los objetos. Los vestidos presentan amplias
superficies, los contornos se difuminan; esto se pone especialmente de
manifiesto en el modelado de los cuerpos infantiles. Es éste ya un inicio
de la obra tardía de El Greco, que abandonaría cada vez más la
representación de la naturaleza idealizada. Llama la atención el paulatino
abandono del color que dejaría paso a efectos más sombríos, que sugieren
en algunas obras una extraña iluminación propia del color de las tormentas.

                                                                  

El Greco "Cristo en el Monte de los Olivos" (1590-1595)

La obra denota una extraordinaria evolución artística. Las experiencias de su estancia italiana retroceden
 proporcionalmente al alargamiento del modelo natural. Las figuras pierden corporeidad e intensifican su
 expresividad, gracias a las irreales formas del paisaje (elevación de la figura de Cristo por la roca; la gruta
que alberga a los discípulos simboliza su sueño). La escala de las figuras se desprende de sus relaciones
lógicas. La diagonal que va desde el ángel hasta los esbirros, pasando por Cristo, ilustra lo inevitable del
destino. Las "distanciaciones" con respecto al modelo natural, que se manifiestan también en la aparición
 visionaria de la Luna, contribuyeron decisivamente al redescubrimiento de El Greco hacia 1900.

El Greco "Vista de Toledo" (c. 1596-1600)

El pintor plasmó su patria adoptiva, Toledo, hacia el final de su vida: es la única obra de El Greco que reproduce
 una pura representación paisajística.
Desde el punto de vista bajo, la mirada va a través de una colina ascendente hacia el centro de la ciudad, con el
 Alcázar y la Catedral.
A las líneas dinámicas, de abajo a arriba y desde la parte delantera hasta la profundidad del cuadro, corresponde
 una diagonal que lleva desde el borde izquierdo, a través del valle del Tajo y la muralla hasta la torre de la iglesia.
 El Greco no busca plasmar detalles representativos, sino que resume árboles, prados y las lejanas montañas en
 contornos casi difuminados.
Por el contrario, los monumentos iluminados por una luz fantasmagórica se destacan netamente.
El amplio cielo, que entreteje superficies azules y nubes, corresponde a la pintura de amplias superficies, con una
 gran abstracción del modelo natural, propia de su obra tardía.
Al mismo tiempo, este lienzo es un "retrato de paisaje" y un estudio de expresión cargada de lúgubres fuerzas
 naturales. Sobre la Catedral y la fortaleza, es decir los edificios religiosos y seculares, se alzan las nubes de
 tormenta que ennegrecen el cielo.
La tradición histórica no nos proporciona información alguna sobre su posible sentido para el gran pintor.
Este bello y fascinante paisaje supondría en el futuro una auténtica revelación para los pintores expresionistas y surrealistas del siglo XIX.