el Prerrenacimiento

 

Hieronymus Bosch -El Bosco- (c. 1450-1516) "El Jardín de las Delicias" (1490-1500)

Entre los trípticos de El Bosco, es el mayor, el más detallista y presumiblemente el más tardío, pudiendo considerarse como su obra maestra.
La tabla central presenta a la humanidad entregándose a los placeres de los sentidos, representando en inagotables variaciones, cuya comprensión se revela en su
 contemplación. La obra, de carácter moralista, resume la concepción que se tenía sobre la vida en aquella época. En el centro aparece un estanque:
¿Se trataría quizá de una "fuente de la juventud" -motivo muy extendido en aquel tiempo- o de las aguas donde el ser humano bañaría sus pecados?
El Bosco, con su peculiar estilo, se desmarca de otros pintores de su época: vemos como en la 3ª parte del relato -"El Infierno"-, la sátira está continuamente presente.

El Bosco "El Jardín de las Delicias" -"El Infierno"- (detalle)

En el ala de la derecha, El Bosco pintó los tormentos del infierno, a los que se ve expuesta toda la humanidad: aquí no hay justos ni
 pecadores, sino sólo condenados sin esperanza de salvación: ¿Quería expresar el artista un profundo pesimismo influenciado
por los trastornos que conmovían a la Iglesia, presagiando así el tambalearse de la esperanza en la salvación, idea firme durante siglos?
En cualquier caso, describió un mundo onírico, demoníaco, opresivo, de innumerables tormentos.
Sin embargo, la interpretación del contenido no debe perder de vista las cualidades artísticas, es una composición muy reflexionada:
el paraíso y la tierra están unidos por la misma claridad y un mismo horizonte.
Por el contrario, "El Infierno" no mantiene ninguna relación con las otras tablas: es una representación nocturna sin esperanza del menor rayo de luz.
El Bosco fue un personaje enigmático y fascinante que creó tendencia en el momento.
Contemplando "El Infierno" podemos percibir cómo el autor pretendía invitarnos a un viaje onírico y surrealista por un infierno tenebroso.

La Pintura Europea del Siglo XV

Durante el Prerrenacimiento la pintura adquiere, por primera vez en la historia del arte occidental, una nueva relación entre obra de arte y espectador: el cuadro ya no sólo se encuentra al servicio del observador, sino que también exige que se confronte con él. Entre las grandes innovaciones de este período:

_la investigación en los campos de la perspectiva y las proporciones;

_el nuevo concepto del retrato como reproducción fiel del individuo; y

_el comienzo de la pintura paisajista.

Desde el punto de vista artístico, se recorre el camino desde la representación "natural" hasta una profunda "aprehensión" de la naturaleza.

Quattrocento y Gótico Tardío

Los nombres de grandes épocas estilísticas hasta la época, sólo pueden servir como una primera orientación: ayudan a aproximarse a un período caracterizado por innovaciones artísticas.

Sin embargo, nunca debe olvidarse que una obra de las artes plásticas sólo puede transmitir sus informaciones a través de la vista.

Lo que no pueda explicarse plásticamente, permanecerá en el campo de las conjeturas. 

Aunque, ¿es posible encontrar otras categorías que definan con más acierto lo específico y lo común del arte, y en particular de la pintura, entre 1400 y 1500?

Florencia y el Nacimiento del Quattrocento

Mientras que, en el siglo XIV, el tratamiento del espacio y del cuerpo se basaba en la experiencia, hacia 1420 se comenzaba a investigar sus leyes. 

Sobre todo la perspectiva y las proporciones se debatían y estudiaban científicamente. Esto implicaba una nueva conciencia del ser humano dentro de la creación.

Esta importancia del individuo -que la Edad Media ignoraba- se reflejaba en el arte en un género nuevo: surgía el retrato en el sentido moderno del término, es decir como representación de una personalidad individual, única e inconfundible.

Pero, ¿es posible hablar de un Prerrenacimiento común a toda Italia hacia 1400?

Masaccio (1401-1428) "Tributo al César" (1426/27)

A pesar del formato alargado y de la distribución tripartita, Masaccio consigue la unidad.
La escena central se encuentra enmarcada por la pesca milagrosa -a la izquierda- y la entrega del tributo al publicano -a la derecha.
 Las escenas aparecen libremente dispuestas, sin la distribución simétrica que pone en peligro el carácter vivo de la escena.
También el paisaje y la arquitectura contribuyen a dar unidad al cuadro:
las referencias a los montes forman un "paréntesis" para toda la escena; la líneas de fuga de la arquitectura convergen en la cabeza de Cristo.
 Masaccio es el verdadero heredero de Giotto: con él comparte, además de la idea de la figura tridimensional:
la reducción del detalle al mínimo necesario para ilustrar el acontecimiento, y el uso de la arquitectura y el paisaje como partes integrantes de la escena.

Benozzo Gozzoli (1420-1497) "Cabalgata de los Reyes Magos" (1459/61)
"Autorretrato de Benozzo Gozzoli" (detalle)

El pintor se apoya en los grandes logros de las generaciones anteriores,
añadiendo personalmente su fascinante don narrativo.
En la obra, Benozzo da riensa suelta a su tendencia al detalle precioso, formado
en su aprendizaje de orfebrería y apoyado por un intenso y bello colorido. 

En el Prerrenacimiento italiano, destacan:

_Masaccio -Tommaso di Ser Giovanni di Simone- (1401-1428);

_Paolo Uccello ((1397-1475);

_Fra Filippo Lippi (1406-1469);

_Domenico Veneziano (1410-1461);

_Piero della Francesca (1420-1492);

_Benozzo Gozzoli (1420-1497); 

_Andrea del Castagno (1421/23-1457);

_Gentile Bellini (1429-1507);

_Antonello da Messina (1430-14799;

_Cosme Tura (1430-1495);

_Giovanni Bellini (1430-1516);

_Carlo Crivelli (1430/35-1500);

_Andrea Mantegna (1431-1496);

_Antonio del Pollaiuolo (1432-1498);

_Andrea del Verrocchio (1435-1488);

_Francesco del Cossa (1436-1477778);

_Melozzo da Forli (1438-1494);

_Sandro Botticelli (1445-1510);

_Pietro Vanucci -Il Perugino- 1448-1523);

_Domenico Ghirlandaio (1449-1494);

_Luca Signorelli (1450-1523);

_Vittore Carpaccio (1455/1526);

_Flippino Lippi (1457-1504);

_Piero di Cosimo (1462-1521).

Andrea Mantegna (1431-1496) "Estudio para la Figura de Cristo"" (1490)

El maestro de Mantegna fue el escultor Donatello; con él se adiestró el joven pintor
en la representación armónica de la anatomía humana, la precisión en el acabado de
los detalles y en la técnica de la perspectiva. Hacia 1490, Mantegna llevó la técnica
del grabado en cobre a su apogeo, convirtiéndose en uno de los protagonistas de la
difusión del Prerrenacimiento al norte de los Alpes.. En su obra destaca la precisión,
la perfección del dibujo, como en este bellísimo estudio para la figura de Cristo.

Las Regiones Artísticas del norte de Italia

Una comparación entre Florencia y las regiones del norte de Italia revela fenómenos prácticamente contrarios. Esto puede decirse especialmente de Lombardía y Venecia, los centros más importantes del arte junto con la Toscana, pues Roma había perdido toda importancia tras la vuelta de los Papas de Avignon (1376) y el cisma de Occidente que se produjo como consecuencia de ello.

Si bien Venecia era nominalmente una república, de hecho era el señorío feudal más importante al sur de los Alpes.

Por el contrario, Florencia estaba gobernada desde el siglo XII por los burgueses.

Por lo tanto, a diferencia de las regiones artísticas del norte de Italia, en Florencia nos encontramos con una cultura de claro corte burgués.

No obstante, en las postrimerías de la Edad Media, la burguesía no tenía una tradición consolidada, mientras que la Iglesia y la nobleza se legitimaban desde siempre por una tradición muy antigua, la cual pretendía continuar en el futuro:

la conservación y la perpetuación de las formas de vida tradicionales era algo natural para ellos.

El Prerrenacimiento fue por tanto en sus raíces un movimiento impulsado fundamentalmente por la burguesía, pero al mismo tiempo, en las nuevas formas de expresión artística se exteriorizaban ya "fenómenos de delimitación", comenzaba así una lucha del arte contra la tradición.

Gentile Bellini (1429-1507) "Procesión en la Plaza de San Marcos" (Venecia) 1496

La Pintura de Comienzos del Siglo XV al Norte de los Alpes

Los críticos en pintura del Prerrenacimiento se plantean las siguientes preguntas:

¿Qué posiciones ocupan a comienzos del siglo XV las artes plásticas, y en particular la pintura, al norte de los Alpes?

¿Se puede mantener la polarización entre Prerrenacimiento y Gótico tardío?

¿Hasta qué punto llegan las diferencias fundamentales?

¿Es posible establecer también paralelismos?

Desde el tercer decenio del siglo, en los Países Bajos y en el sureste del ámbito lingüístico alemán aparecieron una serie de maestros de primera categoría, que se esforzaron por reproducir el espacio, el cuerpo y el paisaje con la misma pasión que sus contemporáneos italianos.

En las obras de estos maestros surgen como temas.

_la representación del espacio reducido por la perspectiva;

_la figura al parecer modelada tridimensionalmente, como "escultura";

_el paisaje natural, si bien en cada caso se acentúan diferentes problemas formales.

Es obvia la tendencia hacia un paralelismo de los fines artísticos, llegando incluso a ser prácticamente idéntico en algunos casos.

Hans Memling (1430/40-1494) "Retrato de un hombre joven" (1480/85)

Digno de atención es el diferenciado modelado de los ojos, el dibujo sensible
 -ligeramente asimétrico- de los labios y sobre todo la fiel reproducción diríase
que casi "fotográfica" de los dedos. La vista del paisaje sigue el esquema del
retrato del Prerrenacimiento, que continuaría vigente hasta el siglo XVI.
 Memling mantiene la franja de paisaje tan estrecha que no distrae de la figura
ni acentúa el ambiente, realzando al máximo lo principal: el retrato del joven. 

Entre los pintores del norte de los Alpes destacan:

_Robert Campin (1380-1444);

_Lukas Moser (1390-1434);

_Jan van Eyck (1390-1441);

_Hans Multscher (1390-1467);

_Konrad Witz (1400-1445);

_Rogier van der Weyden (1400-1464);

_Petrus Christus (1410/20-1472/739;

_Dierick Bouts (1410/20-1475);

_Hans Memling (1430/40-1494);

_Michael Pacher (1435-1498);

_Hugo van der Goes (1440/45-1482);

_Martin Schongauer (1450-1491);

_Hieronymus Bosch -El Bosco- (1450-1516);

_Geertgen tot Sint Jans (1460/65-1495).

Sandro Botticelli "Llanto por la muerte de Cristo" -detalle- (1490/95)

Esta obra, de una gran belleza, ilustra la última fase de Sandro Botticelli.

Entre los pintores del Prerrenacimiento en España y Francia:

_Enguerrand Quarton (1410-1461);

_Jaume Huguet (1414-1492)

_Jean Fouquet (1415/20-1480);

_Nicolas Froment (1430-1485);

_Pedro Berruguete (1450/55-1504);

_Maestro de Moulins (1480-1500).

Sandro Botticelli (1445-1510) "Llanto por la muerte de Cristo" (1490-1495)

El acontecimiento es reflejado por numerosas figuras acompañantes y la pintura de Botticelli obtiene un acento escénico más
profundo por la representación de gran parte del sepulcro.
 La imagen piadosa del llanto de María se transforma en un lugar detenido en el tiempo: el descendimiento de la cruz y el entierro.
 Los contornos de las figuras y de las rocas están vigorosamente diseñados, el dolor queda plasmado directamente en los
 contrastes de colores, en ocasiones deslumbrantes, pero sobre todo en el contraste de los gestos y movimientos, que parecen oponerse violentamente.