Poetas del 27

 

Auguste Rodin (1840-1917) "Un homme avec le nez cassé" (1864) 

1. Componentes Sociales y Estéticos del Grupo del 27

En la década de los años 20, en plena dictadura de Miguel Primo de Rivera (1870-1930), se desarrolló una de las generaciones poéticas más fecundas y relevantes de toda la historia literaria española. La formada por: 

Pedro Salinas (1891-1951); Jorge Guillén (1893-1984); Gerardo Diego (1896-1987); Federico García Lorca (1898-1936); Vicente Aleixandre (1898-1984); Dámaso Alonso (1898-1990); Emilio Prados (1899-1962); Luis Cernuda (1902-1963); Rafael Alberti (1902-1999); y Manuel Altolaguirre (1905-1959). 

A los que, en algunas ediciones antológicas, se suelen añadir los nombres de Fernando Villalón (1881-1930); y José María Hinojosa (1904-1936).

Pedro Salinas
Madrid, 27.11.1891-Boston, 04.12.1951

Con su primer libro: "Presagios" (1923) que inscrito
en la denominada poesía pura, parecía alcanzar 
ya una asombrosa madurez artística. Para Salinas:
"La poesía es una aventura hacia lo absoluto".
"La voz a ti debida" (1933): es un diálogo interior
con la amada, real pero soñada, ya que busca el
 amor más allá de la amada, más allá de sí mismo.
El vacío que se crea alrededor de los dos amantes
permitirá encontrar una especie de caos primitivo.

¿Un grupo poético?

¿Una generación, en el sentido académico de la palabra?

¿O bien, de manera más ecléctica y conciliadora, un grupo de poetas que, con los rasgos de una generación, vivió y escribió en España entre 1920 y 1936?

Se le ha atribuido a la lírica del 27 un carácter puramente intelectual o cerebral, lo cual para José Ortega y Gasset (1883-1955) constituía un elogio. 

Sin embargo, para Antonio Machado (1875-1939) era un reproche que formulaba con estas palabras: 

"Son más ricos en conceptos que en intuiciones"

Este intelectualismo radicaría, según algunos, en la eliminación de la emoción humana, al buscar el poeta medios cerebrales para sus poemas, y no sentimentales.

Se ha dicho que los poetas del 27 eran difíciles, herméticos, pero combinaron lo culto y lo popular, o sea el hermetismo y la transparencia, por eso se ha dicho que sus versos oscilarían entre lo minoritario y la inmensa compañía.

Jorge Guillén (Valladolid, 18.01.1893-Málaga, 06.02.1984)

"Cántico" (1919/50) -su obra más conocida y de mayor trascendencia-
nos revela al poeta tal vez en su etapa más jubilosa y esperanzadora:
es el triunfo del amor que todo lo invade, la certeza que se extiende
sin límites, la fe en la realidad cotidiana, la convicción entusiasta del 
ser humano, la exaltación del ser y del vivir.

2. Los Presupuestos Estéticos de la Nueva Poesía:

Vanguardia y Tradición

Sería el surrealismo el que influiría en ellos de forma decisiva.

En los años de la "poesía pura", su orientación hacia la realidad exterior tendría como finalidad la creación de una realidad al margen de la vida:

condensación expresiva, proceso de ahondamiento, búsqueda y depuración de la palabra, un trabajo obsesivo, constante, riguroso.

Es decir, la búsqueda de un nuevo concepto de belleza, de una nueva libertad.

Gerardo Diego
Santander, 03.10.1896-Madrid, 08.07.1987

Autor de una obra muy extensa, representa una de las
principales características de la generación del 27:
la mezcla de tradición y de renovación formal.
Fue también una de las figuras más destacadas del
Creacionismo, partiendo de una concepción que
él mismo definió en estos términos:
"Creer lo que no vimos, dicen que es Fe;
crear lo que nunca veremos, esto es la Poesía" 

3. Evolución y Etapas

Se han señalado diversas etapas en la trayectoria conjunta del grupo. 

Cernuda distingue cuatro fases: 

_predilección por la metáfora; 

_actitud clasicista; 

_influencia gongorina; y 

_contacto con el surrealismo.

Dámaso Alonso resume estas fases en dos: 

_la primera, hasta 1927, en la que predomina la preocupación por la perfección técnica; y 

_la segunda, hasta 1936, que se desbordaría en el surrealismo.

Teniendo en cuenta que no todos los miembros cumplían estos requisitos en igual medida, hemos distinguido dos etapas:

1º) Hasta 1927: "Deshumanización"

Preocupación por el lenguaje, necesidad de distorsionar la sintaxis y cargar de significado la distribución tipográfica de los signos y de los espacios en blanco, confianza en el valor poético de la imagen. 

Extrajeron de las vanguardias: ausencia total de sentimiento, y el sentido lúdico y la gratuidad del arte.

Vehículo principal -como instrumento de la poesía pura-: la metáfora.

Este procedimiento asocia dos o más elementos por lo general alejados, con la intención de crear un objeto nuevo, limpio de significados, de connotaciones emocionales. 

García Lorca dice:

"La metáfora une dos mundos antagónicos por medio de un asalto ecuestre que da la imaginación"

2º) Hasta 1936: "Rehumanización"

El cambio de estética del grupo se produce, primero, por el cansancio que les produce el formalismo, la técnica y la limitación de los temas, y segundo, por las actitudes políticas que conlleva el advenimiento de la República. 

Dámaso Alonso anuncia esta segunda etapa con estas palabras:

"Ha comenzado una nueva etapa de poesía española: época de gritos, de vaticinio, o de alucinación, o de lúgubre ironía. Una época trascendente, humana y apasionada" 

Vicente Aleixandre
Sevilla, 26.04.1898-Madrid, 14.12.1984

Para Aleixandre, la poesía era ante todo: 
"comunicación"
"una clarividente fusión del hombre con lo creado"
"una conciencia puesta en pie hasta el fin"

Federico García Lorca
Granada, Fuente Vaqueros, 05.06.1898-Víznar, 19.08.1936

Poeta excepcional, fue igualmente un gran dramaturgo que supo expresar
al mismo tiempo sus intensas emociones y la alienación social de su época.
Proclamó una existencia basada en el riesgo y en el amor, en la apertura al
mundo exterior, en el desarrollo conjunto de cuerpo y espíritu, de lo material
 y lo espiritual, en contra de todo tipo de esclavitud: una lucha por la libertad.  

4. Los Autores

4.1. Gerardo Diego

Ha logrado una extensa y multiforme obra poética, la cual demuestra un gran arraigo tanto en las formas tradicionales como en las innovaciones vanguardistas, y del creacionismo en particular.

Él mismo dice:

"Yo no soy responsable de que me atraigan simultáneamente el campo y la ciudad, la tradición y el futuro; de que me encante el arte nuevo y me extasíe el antiguo; de que me vuelva loco la retórica hecha, y me torne más loco el capricho de volver a hacérmela -nueva- para mi uso personal e intransferible"

En "Imagen" (1922) y "Manual de espumas" (1924) se hallan estos rasgos distintivos del movimiento:

_el poema se desliga del mundo real;

_pierde los referentes y se erige en realidad sustantiva;

_se mitiga la función representativa de la palabra;

_se acentúan sus posibilidades connotativas;

_la disposición tipográfica de los versos se carga de significado.

Rasgos constantes de su quehacer poético:

a) destreza y flexibilidad con que maneja el lenguaje;

b) síntesis ejemplar entre tradición y renovación;

c) precisión y dominio de la palabra.

Dámaso Alonso (Madrid, 22.10.1898-25.01.1990)

Poesía existencial con una obra de enorme trascendencia en el
panorama de la literatura española de posguerra, "Hijos de la ira"
(1944) es un perfecto ejemplo de lo que él mismo solía denominar
"poesía desarraigada". Aunque la obra no es sólo un desgarrado
grito de protesta contra la injusticia social, la guerra, el odio o la
crueldad humana sino también una angustiosa interrogación sobre
los problemas más universales: el dolor, la libertad y la muerte...

4.2. Vicente Aleixandre

La crítica ha marcado dos épocas en su obra:

1) la que suele considerarse cósmica; y

2) la que observa más concretamente el vivir humano.

El Surrealismo, cauce de rehumanización, marcaría toda su primera etapa.

Hay en esta fase dos grandes obras:

1ª "La destrucción o el amor (1932/33)

Equivalencia entre dos nociones por lo general opuestas o contrarias.

Donde alcanza mayor lirismo:

_en la profusión de temas naturales;

_en la representación del exterior terrenal;

 _en la naturaleza en todas sus formas; en contraste con:

_el sentimiento de destrucción;

_de desesperación;

_de aniquilación del ser humano.

El amor y el dolor se entremezclan con el enigma del mundo, su grandeza, su misterio.

Se trata de un panteísmo pesimista, porque el cosmos actúa como fuerza devastadora del hombre y de su amor.

2º "Sombra del paraíso" (1939/43)

Él mismo lo definió como: "Un canto de luz desde la conciencia de la oscuridad"

Desde el tiempo adverso, desde el destino trágico que sufre el hombre, exalta la naturaleza, la visión de un mundo paradisíaco libre de sufrimiento y de muerte.

En 1977 le fue concedido el Premio Nobel de Literatura.

4.3. Federico García Lorca

Emilio Prados
 Málaga, 04.03.1899-Ciudad de México, 24.04.1962

En sus comienzos poéticos, cultivó las formas populares,
y en su segunda etapa con sus obras como: 
"La voz cautiva, Andando, andando por el mundo" (1932/35) 
se inscribe en la corriente surrealista. Ya en el exilio, aborda
los más graves problemas existenciales: los temas reiterados
de la vida y la muerte, impregnados por la dolorosa nostalgia
de la tierra perdida, como en su obra "Jardín cerrado" (1940)

El universo poético de García Lorca tiene como tema nuclear la frustración, la imposibilidad de realización que se proyecta en el campo ontológico, en el histórico, en el social y en el metafísico.

Este elemento da unidad tanto a su poesía como a su teatro.

Otros temas son la infancia, la esterilidad, la muerte, el tiempo y la solidaridad con los humillados.

El rigor constructivo de su poesía le llevó a crear una lengua poética.

El "Romancero gitano" (1928) alcanzaría tal celebridad que llegaría a abrumar al poeta. Señalaba que su gitanismo era sólo un tema literario, pero conocemos su inclinación a la comprensión y empatía con las clases marginales. 

El "gitano" tiene en su obra un claro significado antisocial, junto con el contrabandista o el "negro" en su obra "Poeta en Nueva York" (1929-1939), en donde no es sólo el hombre que vive fuera de la sociedad, sino también el hombre primitivo, la fuerza elemental de la naturaleza al margen de la ley.

Es tal el poder del personaje, que se convierte en un mito de significado claro: 

el mundo de los "gitanos" y de los "negros" simboliza el destino trágico, fatal.

La naturaleza ha perdido la batalla frente a la civilización que avanza:

_la absoluta falta de sentimientos;

_la pérdida de identidad;

_la esclavitud del ser humano frente a la máquina;

_el desprecio al pobre, al humillado;

_el valor del dinero.

Luis Cernuda
Sevilla, 21.09.1902-Ciudad de México, 05.11.1963

La figura de Cernuda destaca por su solitaria e introvertida
personalidad. Su producción lírica, en conjunto, es una de
las más sugerentes de la literatura española del siglo XX.
Los temas dominantes de su poesía son: la añoranza de
la patria perdida, el ansia de libertad, la dolorosa lucha
 entre la realidad y el deseo, el amor exultante o trágico. 

Rasgos atribuidos al Surrealismo:

1) las metáforas violentas;

2) la enumeración caótica;

3) el indudable hermetismo;

4) la sensación continua de alucinación. 

Rafael Alberti
Puerto de Santa María -Cádiz- 16.12.1902-28.10.1999

  Primeras obras: "Marinero en tierra" (1924), humildes figuras
humanas, ligeramente idealizadas; y en "La amante" (1926):
especie de itinerario lírico en donde transcribe la emociones
que le suscita la visión de las gentes en la soledad de las
altiplanicies castellanas. Después, un conjunto de extraños
poemas fuera del tiempo, sumergidos en la nada, como en
su obra "Cal y canto" (1927): se trataría del comienzo de
una experiencia surrealista, y de su lucha revolucionaria. 

 La cumbre de su obra dramática se encuentra en tres tragedias:

1ª) "Bodas de Sangre" (1933): la acción se desarrolla en un doble plano: el social y el telúrico.

Los impulsos que determinan el plano social son la violencia, la procreación y el culto a la tierra, y desembocan en la muerte; en el telúrico, las alegorías de la Muerte y la Luna, que conducen al sacrificio.

2ª) "Yerma" (1934): es el drama de la esterilidad, de la maternidad frustrada

 3ª) "La casa de Bernarda Alba" (1936) -inspirada en un suceso real- lleva como subtítulo "Drama de mujeres en los pueblos de España": el encierro impuesto, el luto, la prohibición de salir a la calle, alimentan la fuerza de la fatalidad y el erotismo trágico.

Bernarda, que encarna las fuerzas represivas y arbitrarias del egoísmo humano, tiene frente a ella a sus hijas en actitudes que van desde la sumisión y el fingimiento, a la rebeldía.

Sin embargo, en la eterna lucha:

_de la libertad contra la tiranía;

_del instinto natural contra la razón arbitraria;

_de la vida fecunda contra la muerte estéril...

se imponen una vez más:

_la tiranía;

_la razón arbitraria;

_la muerte estéril.

Manuel Altolaguirre
Málaga, 29.06.1905-Burgos, 26.07.1959

Considerando la poesía como una fuente permanente de conocimiento, ciñéndose a los temas eternos como
el amor, la soledad o la muerte, dotando a sus versos de una íntima espiritualidad y de una cálida significación
humana, destacan sus obras "Las islas invitadas" (1926), "Soledades juntas" (1931), "La lenta libertad" (1936)

La Generación del 27

"Desde una perspectiva de más de medio siglo" 

-escribía el crítico José Luis Cano (1911-1999)- 

"podemos contemplar a aquel grupo de poetas

 acusados, cuando eran jóvenes, de vanguardistas

y esteticistas, y ver que no sólo han enriquecido

con libros inmortales nuestra poesía, sino que 

han dado un vivo ejemplo moral frente a una  

sociedad que los rechazó primero, y ha acabado 

admitiendo su legado a nuestra cultura, un legado 

que con razón ha podido comparar Dámaso Alonso

con el de nuestros grandes poetas del Siglo de Oro"

Mente Neuromorfa

 

Chip Neuronal

Los modelos conexionistas entienden que la unidad o elemento básico de procesamiento es la neurona, pero considerada ahora como un elemento computacional
 abstracto organizado en redes neuronales artificiales (RNAs). Se afirma que estos modelos están neuronalmente inspirados o que proponen una concepción neuromorfa de la mente.

La Mente Neuromorfa:

Arquitectura y Computación Básica

1. Planteamientos previos:

del Alumno escéptico y de la Respuesta del Profesor

La mente desde una perspectiva que irrumpió con fuerza a mediados de los 80 y, desde entonces, ha estado compartiendo lugar en la ciencia cognitiva con los modelos clásicos inspirados en el ordenador serial: el conexionismo.

2. La Arquitectura de la Mente Conexionista

2.1. La Metáfora Cerebral de la Mente

Metáfora cerebral: "Analogía utilizada para explicar el funcionamiento de la mente. Los modelos y teorías elaborados desde esta perspectiva entienden que la mente funciona de forma análoga al cerebro y como tal, elaboran propuestas teóricas en las que multitud de unidades de procesamiento (neuronas artificiales) con posibilidades simples de computación, funcionan al unísono y se conectan entre sí constituyendo redes neuronales artificiales (RNAs) de complejidad variable"

La distinción entre un hardware y un software, propuesta desde el cognitivismo clásico, ha dado paso al wetware (la sustancia húmeda), al cerebro como modelo.

El conexionismo pretende diseñar sistemas artificiales inteligentes inspirados en el cerebro, pero no una teoría fisiológica del funcionamiento cerebral.

Los conexionistas entienden que la mente procesa información -en este supuesto coinciden con los cognitivistas clásicos-.

Sin embargo, el procesamiento que defienden no es serial, inspirado en la máquina de Turing o en un ordenador Von Neumann.

2.2. Estructura de los Modelos Conexionistas

Un sistema de redes neuronales artificiales (RNAs) fundamenta su arquitectura en principios análogos a los que rigen el sistema nervioso. 

Para comprender lo que supone una mente conexionista es necesario conocer su arquitectura, es decir, los elementos básicos que la constituyen. 

Dichos elementos son las unidades de procesamiento.

Unidad de procesamiento: "En una RNA cada una de las unidades básicas de computación. Su funcionamiento se rige mediante una función de transferencia"

Una posibilidad en el funcionamiento de las unidades de procesamiento es la propuesta que lanzaron McCulloch y Pitts: la neurona McCulloch-Pitts o unidad de decisión binaria.

Este sistema de computación es utilizado todavía por los conexionistas. 

En esencia, la computación conexionista supone contemplar dos parámetros generales e las unidades de procesamiento: nivel de activación y función de transferencia:

Nivel de activación: "Grado de activación que en un momento temporal presenta una unidad de procesamiento de una ARN"

Función de transferencia: "En una RNA, aquella que determina tanto el valor de activación que adoptará la unidad a partir de los ingresos que recibe, como la salida que emitirá la unidad. Es el resultado de combinar dos tipos de funciones diferentes que actúan secuencialmente: la de activación y la de salida"

En un sistema conexionista, un tipo de organización posible consiste en disponer las unidades en forma jerárquica, en capas. 

En este caso, las unidades de procesamiento pueden entenderse de tres maneras:

1) como unidades de entrada (input units): formalmente son las que envían señales a otras unidades del sistema;

2) como unidades ocultas (hidden units): se organizan en una o varias capas intermedias; reciben señales de las unidades de entrada y envían señales a las unidades de salida. 

(no todos los sistemas conexionistas precisan de unidades ocultas);

3) como unidades de salida (output units): formalmente reciben señal de otras unidades del sistema;

(bien directamente de las unidades de entrada y, además si existen, de las unidades ocultas).

Se suelen distinguir entre las denominadas:

Redes de capa única: "Aquellas que sólo tienen unidades de entrada y salida vinculadas entre sí por una única capa de pesos"

Redes multicapa: "Aquellas que disponen de una o más capas de unidades ocultas y que, por tanto, incorporan varias capas de pesos"

Peso: "Parámetro que determina la fuerza y naturaleza de la conexión entre dos unidades de procesamiento en una RNA"

El peso desempeña un papel fundamental en los modelos conexionistas:

a) Indica la naturaleza de la conexión que puede ser excitatoria si el peso es positivo o inhibitoria si el peso es negativo.

b) Indica la fuerza de conexión que está determinada por el valor absoluto del peso, y que establece el grado con que las unidades se relacionan entre sí.

c) A través de su modificación, la red va a ser capaz de aprender la tarea encomendada. 

El valor de los pesos en un momento temporal dado es lo que va a especificar el:

Patrón de conectividad: "Matriz de pesos propia de una RNA que determinará los posibles estados de activación de la red"

3. Redes de Capa Única: el Perceptrón

Red unicapa (single layer network): "Aquella RNA que sólo dispone de una capa de pesos"

Sistema de reconocimiento de patrones, en el que subyace la idea de procesamiento perceptivo:

si el valor ingresado que determina la activación es mayor que el umbral (0), la unidad de salida se activará (1); en caso contrario permanecerá inactivada (0).

Primer caso: X1 y X2  se activan: 

el valor de activación de cada unidad de entrada es multiplicada por el peso y el ingreso total determinará la activación/desactivación de la unidad de salida si supera el umbral de 0 (1+1 = 2). El perceptrón reconoce cuando las dos unidades de entrada están activadas, y la unidad de salida así lo indica.

Segundo caso: X1 está activada y X2 desactivada: 

la unidad de salida ingresa por el lado de X1 un valor de 1 y por el lado de X2 un valor de 0 (1+0 = 0). 

El perceptrón reconoce también cuando está activa una.

Tercer caso: X1 está desactivada y X2 activada: 

cálculo inverso al anterior (0+1 = 1). El perceptrón lo reconoce.

Cuarto caso: X1 y X2 permanecen desactivadas: 

(0+0 = 0). Valor que no supera el umbral de 0 que tiene la unidad de salida. 

El perceptrón reconoce cuando están desactivadas las dos unidades de entrada, indicándolo la unidad de salida al permanecer desactivada.

3.1. El Problema de la Separabilidad Lineal

Se trata de discutir los límites de estos sistemas de computación. 

Si bien las posibilidades de resolución de tareas lógicas resultaba sorprendente, estos sistemas de computación unicapa, constituidos por unidades de entrada y de salida, eran a veces incapaces de realizar una simple tarea como la disyunción exclusiva XOR (Por eje. "voy al cine o con Juan, o con Pedro, pero no con ambos").

Una red tipo perceptrón es incapaz de solucionar esta tarea debido a un problema geométrico denominado linealidad: existe en el espacio una región para el cero y otra diferente para los unos.

En estos casos se dice que el problema a computar es linealmente separable: la red es capaz de solucionar los emparejamientos de entrada con la salida correspondiente mediante la localización de pesos adecuados.

En el caso de la disyunción exclusiva XOR, no se puede trazar una única recta que separe los dos unos de los dos ceros. 

En estos casos se dice que el problema es linealmente no separable, y una red unicapa tipo perceptrón es incapaz de solucionarlo.

4. Redes Multicapa

Red multicapa (multi layer network): "Aquella RNA que dispone de dos o más capas de pesos"

¿Quién dijo que una red con unidades ocultas no puede solucionar la disyunción exclusiva XOR?

La unidades ocultas en una red neuronal amplían las posibilidades de computación, pues lo que hacen es generar una nueva representación interna de la entrada.

Primer caso: ambas unidades de entrada están activadas:

1+1 = 2, valor que supera el umbral de +1,5, por lo que la unidad oculta también se activará y responderá con 1 (activada). 

La unidad de salida recibe dos conexiones excitatorias (X y X) y una inhibitoria de doble magnitud, imposibilitando así su activación.

Segundo caso (y tercer caso): una y sólo una de las unidades de entrada está activada:

1 + 0 = 1, valor que se encuentra por debajo del umbral (+1,5), por lo que la unidad oculta no se activará y por tanto responderá con 0 (desactivada), y por tanto la unidad de salida se activará (responderá con valor 1).

Cuarto caso: las dos unidades de entrada están desactivadas:

0 + 0 = 0, por lo que el valor no supera el umbral de +1,5: la unidad oculta permanecerá desactivada. La unidad de salida permanecerá en estado de off.

5. Redes Recurrentes (Feedback Networks)

Red recurrente (feedback network): "Tipo de RNA en el que la unidad de salida envía una señal hacia las unidades de entrada"

La existencia de una señal recurrente entre determinadas unidades supone un cambio sustancial frente a la RNAs de propagación hacia adelante. 

En estas últimas, la señal se detiene al llegar a las unidades de salida, pues constituyen el final de la cadena. Se dice que son: redes estables.

Sin embargo, cuando se introducen unidades recurrentes, se generan bucles que permiten la recirculación de la señal. La redes recurrentes son: redes dinámicas.

Dos posibles resultados:

_una red recurrente alcanza estabilidad cuando, tras diversas interacciones, las unidades de salida generan un output constante;

_pero puede suceder que las unidades de salida siempre estén cambiando de señal de feedback, por lo que se dice que la red está en un estado permanente de inestabilidad, debido a que siempre está cambiando sus patrones de activación.

5.1. Recurrencia e Interacción: Redes Hopfield

Red Hopfield: "RNA auto-asociada en la que las unidades se conectan plenamente entre sí, excepto consigo mismas"

Una nueva posibilidad que ofrece la recurrencia es la interactividad:

Red interactiva: "RNA en la que al menos dos unidades se conectan entre sí de forma directa y bidireccional"

Redes plenamente recurrentes o auto-asociadas: "Redes en las que las unidades de procesamiento son totalmente interactivas y, como tal, se interconectan entre sí, incluso consigo mismas"

5.2. Reconocimiento Visual en una Red Auto-asociada:

Identificando Rostros

Una ejemplificación de lo que sería una red auto-asociada:

se representan 10 rostros diferentes que pueden ser identificados a partir de 4 unidades de procesamiento totalmente interactivas, las cuales detectan otros tantos atributos o características diferentes:

_la unidad A detecta el tipo de pelo; _la unidad B el tipo de ojos; la unidad C el tipo de nariz; _ y la D el tipo de boca.

5.3. Memorias Direccionales por Contenidos

Memoria direccional por contenido: "Con este concepto se alude a una RNA que es capaz de recuperar la información cuando ésta se presenta de forma parcial, incompleta o ambigua"

6. Redes Competitivas (WTA Networks)

Red competitiva: "RNA en la que dos o más unidades de procesamiento compiten entre sí por alcanzar el máximo nivel de activación. También se denomina "Winner-take-all (WTA) Network" 

6.1. IAC: Reconociendo Palabras

Red IAC: "RNA que combina las propiedades de interactividad y competitividad"

Esta red IAC es interactiva, porque se establecen conexiones mutuas entre el nivel de letras y el nivel de palabras y, porque dentro de cada elipse, todas las unidades están conectadas entre sí inhibitoriamente.

Esta última característica hace, además, que la red sea competitiva, porque dentro de un mismo nivel, y para cada una de las cuatro posiciones, las unidades que se incluyen dentro de cada una de las elipses compiten entre sí por alcanzar mayor grado de activación que sus compañeras siguiendo la lógica WTA.

Supongamos que el modelo debe reconocer la palabra TAKE. Formalizar el modelo implica utilizar 1395 unidades de procesamiento que se distribuyen de la siguiente manera:

1) Nivel de rasgos: (unidades de entrada):

en un primer nivel se detectan los rasgos individuales de las letras individuales.

2) Nivel de letras (unidades ocultas):

las señales, tanto excitatorias como inhibitorias de las unidades de rasgos se ingresan en un siguiente nivel o nivel de letras del abecedario inglés que se conectan inhibitoriamente entre sí, compitiendo para alcanzar la máxima activación.

3) Nivel de palabras (unidades de salida):

finalmente, el reconocimiento de la palabra se produce por la activación de una de las 1179 unidades de procesamiento del tercer nivel: las conexiones excitatorias e inhibitorias entre el segundo y el tercer nivel decidirán qué palabra se reconoce.

7. Resonancia Adaptativa

Resonancia adaptativa: "Capacidad que presenta un sistema (mente humana, RNA) de completar la información degradada del medio, de la manera más coherente posible"

Se expone finalmente una de las ventajas de estos modelos y que les capacita extraordinariamente en la simulación de la cognición humana:

la actuación por resonancia adaptativa que permite que la red, mediante direccionamiento por contenidos, responda de forma análoga al ser humano en situaciones de incertidumbre o de información parcial.

Cine: años 70

 

"Apocalypse Now" (1979) de Francis Ford Coppola

"Lo irracional determina en todas partes el panorama:
la guerra y sus militares generalmente parecen figuras de una fantasía alucinógena.
Todo tiene un no sé qué de enfermizo.
Es algo que Coppola ha sabido trasladar a la pantalla con los medios técnicos más modernos"

                                                                                                                                                                                                       Der Tagesspiegel (1979)

Björn Andresen en "Muerte en Venecia" (1970)

"Muerte en Venecia" es la obra consumada de un cásico de la gran pantalla"

Le Monde

Director: Luchino Visconti (1906-1976) Italia

"Morte a Venezia" (1970) ("Muerte en Venecia")

Reparto: Dirk Bogarde, Silvana Mangano, Björn Andresen

Venecia a principios del siglo XX.

Como encarnación de la belleza ideal, el pálido adolescente Tadzio (Biörn Andresen) se convierte en una obsesión para el maduro esteta Gustav von Aschenbach (Dirk Bogarde), quien en su papel de compositor consiguió realizar el mejor trabajo de su carrera.

Inspirada en la novela de Thomas Mann (1875-1955) y con una música compuesta por temas de  Gustav Mahler (1860-1911) constituye una de las películas más prestigiosas de Visconti.

Visconti traslada las exquisitas descripciones de la novela de Thomas Mann a lo visual, con escenas bellísimas y de una manera magistral.

Director: Stanley Kubrick (1928-1999) Gran Bretaña

"A Clockwork Orange" (1971) ("La naranja mecánica")

Reparto: Malcolm McDowell, Patrick Magee, Michael Bates

"La naranja mecánica" es un discurso completo sobre la relación entre el poder, la estética y los medios. No ofrece respuestas, simplemente plantea problemas y preguntas. 

Intenta sorprender al espectador, su reacción ante las imágenes:

concretamente, que perciba la fascinación ante esta película virtuosista e inolvidable.

"Probablemente pocas veces se ha visto -y esto debe reconocerse abiertamente con todo el distanciamiento- una película de una brillantez técnica tan soberbia"

                                                                                      Der Tagesspiegel

"En mi opinión, Kubrick ha realizado una película que explota sólo el misterio y la variedad de la conducta humana. Como se niega a utilizar las emociones de un modo convencional, exigiendo en su lugar que asumamos un control constante e intelectual de las cosas, resulta una experiencia cinematográfica de lo más inusual y desorientadora"

The New York Times

"Una sátira cinematográfica de una perfección casi inimaginable y de una maldad realmente satánica"

Spiegel

Malcolm McDowell en "La naranja mecánica" (1971)

Director: John Boorman (1933) EE.UU.

"Deliverance" (1972) ("Defensa-Deliverance")

Reparto: John Voigt, Burt Reynolds, Ned Beatty

Cuatro hombres de negocios deciden realizar una excursión un fin de semana, encontrándose que el lugar elegido va ase próximamente sumergido con motivo de la construcción de una presa. 

Cuando surjan los problemas, cada uno revelará su verdadera personalidad y forma de ser.

Uno de los films más reputados de Boorman, extremadamente violento, con un buen ritmo.

Según los críticos, la película es fulminante en su superficie, compleja y de difícil comprensión en su contenido. Un guion que no admite interpretaciones sencillas.

"Inquietante y al mismo tiempo fascinante retrato de unos hombres que, lejos de su entorno habitual, deberán abrirse camino en un ambiente en el que las reglas de la civilización no tienen validez ninguna"

Motion Picture Guide

"Es la mejor película que he hecho; es como si te levantaran de la silla y te estrellaran contra las rocas. Lo sientes todo y sales de la sala de cine arrastrándote"

Burt Reynolds en: Motion Picture Guide

John Voigt en "Deliverance" (1972)

Director: Bob Fosse (1927-1987) EE.UU.

"Cabaret" (1972)

Reparto: Liza Minnelli, Michael York, Joel Grey)

8 Oscar:

_al Mejor Director (Bob Fosse)

_a la Mejor Actriz (Liza Minnelli)

_al Mejor Actor Secundario (Joel Grey)

_a la Mejor Fotografía (Geoffrey Unsworth)

_a la Mejor Banda Sonora (Ralph Burns)

_al Mejor Montaje (David Bretherton)

_a los Mejore Decorados (Rolf Zehetbauer, Hans Jürgen Kiebach y Herbert Strabel)

_al Mejor Sonido (Robert Knudson)

Adaptado del musical homónimo, uno de los films más célebres de la historia del cine de los años 70, incluso fuera del género musical.

Agota a fuerza de reiteraciones su única idea -según los críticos- (los números de cabaret como comentario/compendio sardónico de las distintas incidencias de la trama) y cuenta una historia sin interés alguno, pero los números musicales poseen una fuerza y un ingenio tales que justifican el mito.

Liza Minnelli en "Cabaret" (1972) 

Perspectiva de un fascismo en expansión, que pretende descartar la modernidad urbana y utiliza para su ideología los valores rurales conservadores.

"Cabaret" son los bailes, las canciones de éxito. Es una historia turbulenta inspirada en las novelas de Christopher Isherwood. Es el mito de Berlín de los años treinta.. es ante todo Bob Fosse, que interpreta de maravilla el mundo del cabaret, su poesía patética, inestable, falsa y dolorosamente auténtica"

Le Monde

"Es uno de los mejores musicales después de "Cantando bajo la lluvia", "Les girls" y "The Pajama Game". Es la gran época de Hollywood reviviendo en esta obra maestra relizada por Bob fosse".

Lettres Françaises

"Cabaret" no resulta una película anacrónica para la sensibilidad actual.

La explicación está, por un lado, en la extraordinaria popularidad que han adquirido sus canciones y , por otro, en Liza Minnelli, que entonces tenía veinticinco años, y cuya identificación con el film no se ha repetido con ninguna otra actriz respecto de su película.

Director: Francis Ford Coppola (1939) EE.UU.

"The Godfather" ("El Padrino") 1972

Reparto: Marlon Brando, Al Pacino, Diane Keaton

3 Oscar:

-a la Mejor Película (Albert S. Ruddy)

_al Mejor Actor (Marlon Brando)

_al Mejor Guion Adaptado (Mario Puzo y Francis Ford Coppola)

Coppola pretendió plasmar la historia de una América moderna, a través de una familia mafiosa de origen italiano. 

Basándose en la novela de Mario Puzo (1920-1999), quien apareced en los títulos de crédito como guionista, la película continuamente fundir rasgos del cine norteamericano clásico con características propias del cine europeo de la época, obteniendo resultados -dicen- un tanto forzados; con todo, alcanzó un enorme éxito crítico y comercial.

Además de la inteligente escenificación del poder y sus manifestaciones por parte de Vito Corleone y su sucesor, el espectador suele recordar la brutales escenas violentas.

Sin embargo, estas drásticas secuencias son breves, en comparación con las escenas familiares.

Michael Corleone, un hombre moderno al principio de la película, no logra liberarse de los vínculos familiares.

Aunque le gusta considerarse una persona independiente, en realidad se ha convertido en una víctima de la tradición familiar, una marioneta atrapada por el destino.

este simbolismo queda plasmado en la portada de la novela y el cartel de la película.

Marlon Brando en "El Padrino" (1972)

"Como ninguna otra película de Hollywood de los últimos años, la historia de la familia mafiosa neoyorquina de los Corleone refleja el desgarramiento, la coacciones y los miedos de la sociedad norteamericana, en la que las antiguas normas morales del bien y del mal se tambalean cada vez más bajo el efecto de Vietnam y de una profunda crisis de la evidencia nacional"

Kölner Stadt-Anzeiger

"Y todo el rato creemos que estamos viendo una historia de crímenes de la mafia, pero realmente estamos viendo uno de los grandes melodramas de una familia americana"

                                                                                                                                 The Austin Chronicle 

"Escena a escena (la larga escena de la boda, el sangriento descubrimiento de John Marley en su cama, Pacino alisándose nervioso el cabello antes de la masacre e un restaurante, el colapso del padrino en el jardín), Coppola ha realizado hábilmente una obra maestra indiscutible y perdurable"

                                                                                                                             San Francisco Chronicle

 

"El pastiche épico de criminales de la década de 1940 y principios de la de 1950, perfecto en cuanto a reparto y escenografía, está bien nutrido de idilios familiares pintorescos y de efectos brutales"

Der Spiegel

"El discreto encanto de la burguesía" (1972)

Director: Luis Buñuel (1900-1983) Francia

"Le charme discret de la bourgeoisie"

("El discreto encanto de la burguesía") 1972

Reparto: Fernando Rey, Paul Frankeur, Delphine Seyrig

Oscar a la Mejor Película Extranjera

Un grupo de burgueses intenta iniciar el rito social de celebrar una cena de matrimonios, pero cada vez que lo intentan ocurre algo que lo impide.

Como siempre, el humor de Buñuel es aquí negro y agresivo.

Seguramente, su obra más surrealista de la última etapa.

Para el que sería su penúltimo film, Buñuel volvió a desatar a la bestia del surrealismo, si bien cabe destacar que la estética tan polémica que caracterizó su primer trabajo "Un perro andaluz" (1929), en el que colaboró con su compatriota y amigo Salvador Dalí (1904-1989), quedaba ya lejos. El mundo real y el onírico se mezclan para crear una nueva realidad: 

el surrealismo cinematográfico.

"Las repeticiones que fija la vida, pues ¿Quién come y duerme y ama sólo una vez?. La repetición y el esfuerzo vano por alcanzar una meta son temas básicos en muchas películas de Buñuel, porque son estructuras básicas de sueños. En "El discreto encanto de la burguesía" se han convertido en tema por sí mismas"

Der Tagesspiegel

"La grandeza presuntuosa del título de la película caracteriza a la propia burguesía, el trazo visual del film y el método analítico de Buñuel. Ningún director demuestra semejante distanciamiento, semejante pasividad e indiferencia aparentes frente a sus personajes, ninguno les deja en libertad tan incondicional para que se dejen persuadir por un ambiente, una atmósfera, y sean en cada escena algo nuevo, diferente"

Die Zeit

"El regalo envenenado que Buñuel ofrece a los espectadores en esta película explosiva es de una agudeza y una sequedad únicas. Es un lobo vestido de cordero -dicen los críticos-.

Sentimos la adrenalina que produce el placer ante la desgracia ajena, pero sabemos que ya no podremos renunciar a esa malvada pero exquisita sensación"

SR

"Una mujer bajo la influencia" (1974)

Director: John Cassavetes (1929-1989) EE.UU.

"A Woman Under the Influence" ("Una mujer bajo la influencia") 1974

Reparto: Peter Falk, Gena Rowlands, Fred Draper

Según los críticos:

"Típica película de Cassavetes, con el acostumbrado y previsible despliegue histriónico de su señora esposa, Gena Rowlands, aquí en su no menos acostumbrado y previsible papel de casada con problemas psicológicos.

Hará las delicias de los fans de su autor, eso por descontado"

"Dime que quieres que sea. Cómo quieres que sea. Puedo serlo. Puedo ser cualquier cosa. Pero dímelo, Nicky"

Cita de la película: Mabel (Gena Rowlands)

"Mabel no está loca. es diferente. No está loca, ¡Así que no digas que está loca!"

Cita de la película: Nick (Peter Falk)

"Aunque" -añaden los críticos-:

 "en realidad Nick no está más cuerdo que Mabel.

Su empeño en afirmarse como hombre conduce directamente al desastre.

A Cassavetes no le interesan los juicios de valor. 

Más bien se centra en la continua exhortación de Nick: "Sé tu misma"

Sin embargo, esta exhortación puede resultar también amenazante.

Ésta sería -dicen- la esquizofrenia de la vida matrimonial"

En palabras del cineasta:

"No creo que la destrucción de Mabel se deba a un problema social. 

Las razones hay que buscarlas en las relaciones interpersonales entre los individuos.

Todo aquel que ama a alguien, puede volverse loco"

Jack Nicholson y Faye Dunaway en "Chinatown" (1974)

Director: Roman Polanski (1933) EE.UU.

"Chinatown" (1974)

Reparto: Jack Nicholson, Faye Dunaway, John Huston

Oscar al Mejor Guion (Robert Towne)

Una película polémica, donde se efectuó una meticulosa e inteligente reconstrucción de las constantes estéticas y argumentales del cine negro norteamericano, por parte de un cineasta paradójicamente extranjero.

Un detective privado se ve envuelto en un turbio caso de corrupción e incesto, centro del cual es una misteriosa vampiresa (fabulosa Faye Dunaway).

Excelente Huston en su colaboración especial de anciano vicioso y "cameo" para el propio Polanski, destrozando la nariz de Nicholson con una navaja.

"Chinatown" es para muchos críticos una de la mejores películas que se han hecho, y no sólo en la década de los 70.

Su realización es una de esas ocasiones fortuitas tan frecuentes en la historia de Hollywood en las que, de la dinámica rutinaria de la fábrica de sueños, surgen obras maestras: 

la coincidencia de talentos y profesionales extraordinarios en el momento justo.

"Debido a que "Chinatown" utiliza el pasado sólo para poder mostrar que nuestro presente surgió de sus contradicciones, el film es justo la antítesis de una película nostálgica"

Frankfurter Allgemeine Zeitung

"Tiburón" (1975)

Director: Steven Spielberg (1947) EE.UU.

"Jaws" ("Tiburón") 1975

Reparto: Roy Schneider, Robert Shaw, Richard Dreyfuss

Oscar:

_al Mejor Montaje (Verna Fields)

_a la Mejor Banda Sonora (John Williams)

_al Mejor Sonido (Robert L. Hoyt, Roger Herman Jr., Earl Mabery y John R. Carter)

Según los expertos:

"Uno de los éxitos comerciales más descollantes y significativos de su época, que convirtió al entonces joven Steven Spielberg e todo un director-estrella.

Ciertamente hábil, este film, en su relativa modestia, es preferible a buena parte de los siguientes empeños de su autor pero, a la hora visionarlo, pesan sobremanera los resabios televisivos del aprendizaje profesional del director y un trazado de personajes propio del más prototípico y repelente "best seller" de temporada (la base del guion, no lo olvidemos)"

"Si "Tiburón" fue algo así como un "passe-partout" para encuadrar los miedos de la década de 1970,desde los miedos puritanos al sexo hasta la guerra de Vietnam, sus héroes fueron modelos de la masculinidad estadounidense herida, que se reúnen en una situación que lo confirma"

Georg Sesslen: "Steven Spielberg und seine Filme"

"Las primeras secuencias no tienen muchos ejemplos equiparables en el cine actual. Al igual que la escena de la ducha en "Psicosis", permanecerán en la mente de toda una generación"

Les Keyser: "Hollywood in the Seventies"

Jack Nicholson en "Alguien voló sobre el nido del cuco" (1975)

Director: Milos Forman (1932) EE.UU.

"One flew Over the Cuckoo´s Nest" ("Alguien voló sobre el nido del cuco") 1975

Reparto: Jack Nicholson, Louise Fletcher, William Redfield

5 Oscar:

_a la mejor película (Saul Zaentz y Michael Douglas)

_al Mejor Director (Milos Forman)

_al Mejor Actor (Jack Nicholson)

_a la Mejor Actriz (Louise Fletcher)

_al Mejor Guion Adaptado (Lawrence Hauben y Bo Goldman)

"Un excombatiente de Corea" dicen los críticos- "se finge trastornado psíquicamente para librarse de la condena, siendo recluido en un manicomio done, al poco tiempo, organiza una rebelión.

Adaptación cinematográfica de la obra homónima de Ken Kesey (1935-2001), una narración "contracultural", de la cual Milos Forman obtuvo una película falsa y tra,mposa"

"Milos Forman retoma la tradición de exigir la libertad individual: siguiendo una ética que libera a las personas, en lugar de sujetarles a un sistema mediante exigencias. El modelo contrario y oculto de la película es un mundo en el que un tipo estrafalario no ha ingresado en la clínica psiquiátrica, un mundo en el que a nadie se le imponen roles ni reglas de juego, y en el que no se considera peligroso a quien no se puede contar ni entre los locos ni entre los normales"

Neue Zürcher Zeitung

"El nido del cuco" que describe Forman es nuestro nido; es el mundo en el que vivimos, pobres locos, sometidos a la severa autoridad burocrática de unos, a las presiones económicas de otros; aquí la promesa de bienestar, allí estelas de libertad, pero siempre obligados a tragarse las píldoras amargas de miss Ratched"

                                                                                                                                                    Le Monde

Robert de Niro en "Taxi Driver" (1975)

Director: Martin Scorsese (1942) EE.UU.

"Taxi Driver" (1975)

Reparto: Robert de Niro, Cybill Shepherd, Jodie Foster

Festival de Cannes:

_Palma de Oro a la Mejor Película (Martin Scorsese)

"Un individuo aquejado de insomnio decide emplearse como taxista nocturno, para así compensar esas horas y además ganar algún dinero.

Uno de los títulos más célebres del cine norteamericano moderno, tan visualmente anonadador como confuso., pretencioso y discutible conceptualmente"

-dicen los críticos-

"El personaje de prostituta doceañera de Jodie Foster dio mucho que hablar, y la extraordinaria banda sonora de Bernard Herrmann contribuyó en mucho a la configuración del clima tan particular que emana del film" 

"Taxi Driver" de Martin Scorsese es un film patrio de un sin patria, un western que transcurre en los cañones de las calles de Nueva York, con un cowboy del asfalto que, en lugar de caballo, cabalga en un taxi amarillo"

Der Spiegel

"Una película sumamente curiosa, inquietante, arriesgada y fascinante; sincrética, irisada, un reptil al acecho, cambiando de color como un camaleón, elevada a lo mítico y amalgama sintética de las más contradictorias influencias, tendencias y pretensiones metafísicas: rara, nerviosa, histérica"

Frankfurter Rundschau

 

"La guerra de las galaxias" (1977)

Director. George Lucas (1944) EE.UU.

"Star Wars" ("La guerra de las galaxias") 1977

Reparto: Mark Hamill, Harrison Foerd, Carrie Fisher

7 Oscar:

_a la Mejor Banda Sonora (John Williams)

_al Mejor Montaje (Paul Hirsch, Marcia Lucas y Richard Chew)

_a la Mejor Dirección Artística y a los Mejores Decorados (John Barry, Norman Reynolds, Leslie Dilley y Roger Christian)

_al Mejor Vestuario (John Mollo)

_al Mejor Sonido (Don MacDougall, Ray West, Bib Minkler y Derk Ball)

_a los Mejores Efectos Especiales (John Stears, John Dykstra, Richard Edlund, Grant McCune y Robert Blalack)

_Premio Especial a los Efectos Sonoros (Ben Burtt)

"Uno de los mayores éxitos comerciales de todos los tiempos 

-según los críticos- (un fenómeno sociológico también, en consecuencia) y todo un clásico a considerar por los estudiosos del cine de Ciencia-Ficción, he aquí la materialización sueño dorado de los amantes del "space ópera": los delirios visuales y temáticos de su género predilecto servidos por el presupuesto pertinente. Astutamente inspirado en fuentes culturales tan reputadas como "El señor de los anillos" o la leyenda del rey Arturo y los caballeros de la Mesa Redonda, y con memorables intervenciones de Alec Guinness y Peter Cushing"

"Una combinación de pasado y futuro, de western y odisea del espacio, de mito y mundo de los sueños: es posible que "La guerra de las galaxias" sea la pieza de escapismo más perdurable que jamás se haya filmado"

Sacramento Bee

"Es una historia de guerra tremendamente entretenida, tiene personajes memorables y convence visualmente. ¿Qué más se le puede pedir a una película?"

San Francisco Chronicle

Woody Allen y Diane Keaton en "Annie Hall" (1977)

Director: Woody Allen/ EE.UU.

"Annie Hall" (1977)

Reparto: Woody Allen, Diane Keaton, Tony Roberts

3 Oscar:

_a la Mejor Película (Charles H. Joffe)

_al Mejor Director (Woody Allen)

_a la Mejor Actriz (Diane Keaton)

_al Mejor Guion Original (Woody Allen y Marshall Brickman)

La primera comedia seria de Woody Allen. 

Es la historia de un solitario que un día conoce a la que será su compañera durante un tiempo.

Las relaciones entre la pareja, así como la dificultad de subsistir sin un analista en la ciudad, son los temas centrales de "Annie Hall" 

Película de inflexión en la obra del autor, supone un clásico del cine de los años 70.

" Personal como la historia que nos explica, lo que separa esta película de los trabajos anteriores de Allen y de su última comedia es su credibilidad general. A los personajes centrales y a todos los que se cruzan en su camino se les puede reconocer como tipos contemporáneos. La mayoría de nosotros incluso hemos compartido muchas de sus fantasías"

Time Magazine

Director: Michael Cimino (1943)

"The Deer Hunter" ("El cazador") 1978

Reparto: Robert de Niro, Christopher Walken, Meryl Streep

5 Oscar:

Robert de Niro y Meryl Streep en "El cazador" (1978)

_a la Mejor Película (Barry Spikings, Michael Deely, Michael Cimino y John Peverall)

_al Mejor Director (Michael Cimino)

_al Mejor Actor Secundario (Christopher Walken)

_al Mejor Montaje (Peter Zinner)

_al Mejor Sonido (C. Darin Knight, Richard Portman, Aaron Rochin y William McCaughey)

"Tres jóvenes, para afirmar su virilidad" -dicen los críticos- "se alistan en el ejército para combatir en Vietnam.

Uno de ellos, cazador, piensa que la tarea que emprende es una cacería más, sólo que ahora sus víctimas serán hombres. Todos acabarán frustrados, asqueados y doloridos de la guerra.

Film violento por los cuatro costados, bien realizado y montado, aunque discutible en más de un aspecto"

"Igual de cómodo en el lirismo que en el realismo, virtuoso de la imagen impactante, pero también con sentido de la parábola, perfectamente maestro de su técnica, Michael Cimino es un cineasta completo"

Le Monde

"No puede haber disputas sobre la interpretación. De Niro, John Savage en el papel de compañero de Clairton que va ala guerra y Meryl Streep como mujer que queda atrás: todos son primeros actores extraordinariamente en forma"

Time Magazine

 

"El tambor de hojalata" (1979)

"Mad Max" (1979)

Director: Volker Schlöndorff (1939) RFA

"Die Blechtrommel" (El tambor de hojalata") 1979

Reparto: David Bennent, Angela Winkler, Mario Adorf

Oscar a la Mejor Película Extranjera

Festival de Cannes: Palma de Oro (Volker Schlöndorff)

Anna, una campesina, queda embarazada de Koljaiczek. 

Pasan los años y nace Oscar, polaco, enamorado en secreto de su madre. 

Al cumplir los tres años, decide dejar de crecer físicamente y vive con el sonido molesto de su tambor.

Basado en la obra homónima de Günther Gras (1927-2015), autor asimismo de otras novelas llevadas a la pantalla. 

Uno de los mayores éxitos del cine alemán moderno.

"Schlöndorff ha buscado conscientemente una forma narrativa sencilla. Se eliminaron fragmentos enteros, y aún así, me da la impresión de que ha conseguido arrojar una luz diferente a toda la historia"

Günther Gras en: Sequenz

"Una pintura al fresco muy alemana, la historia del mundo vista y vivida desde abajo: enormes imágenes espectaculares ligadas por el diminuto Oskar"

Volker Schlöndorff en "Die Blechtrommel-Tagebuch einer Verfilmung"

Director: George Miller (1945) Australia

"Mad Max" ("Mad Max/ Salvajes de autopista") 1979)

Reparto: Mel Gibson, Joanne Samuel, Hugh Keays-Byrne

"Violencia y sadismo en un futuro vagamente próximo, y el comienzo de uno de los mitos cinematográficos más populares de los años 80: "Mad Max", personaje que convertiría además a su intérprete, Mel Gibson, en ídolo internacional. Bien mirado" -añaden los críticos- "la película no pasa de constituir una fascistoide transformación de varias constantes de los "hard core" norteamericanos para público "gay" sadomasoquista, en una especie de "western futurista"

"Mad Max es un "western". Tiene el mismo argumento, pero en vez de montar a caballo, montan motos y coches. La gente dice que el "western" está muerto, pero no lo está, se ha convertido en cine de acción con coches"

George Miller en: "Cinema Papers"

Marlon Brando en "Apocalypse Now" (1979)

Director: Francis Ford Coppola (1939) EE.UU.
"Apocalypse Now" (1979) 
Reparto: Marlon Brando, Robert Duvall, Martin Sheen
2 Oskar:
 _a la Mejor Fotografía (Vittorio Storano)
_al Mejor Sonido (Walter Murch, Mark Berger, Richard Beggs y Nathan Boxer)

"Una de las películas más emblemáticas de los años 70", según los críticos, cuyo impacto, en todos los órdenes
cuyo impacto, en todos los órdenes, estableció un antes y un después en el género bélico, además de definir
 todo un paradigma visual respecto a la guerra del Vietnam.
 Filmada en Filipinas a lo largo de los años, la película consigue trascender su excesiva heterogeneidad
conceptual y no poca ambigüedad ideológica, estableciendo con precisión una brillante autonomía artística.
 Basada en la novela de Joseph Conrad (1857-1924) "Heart of Darkness" (1899) la película, sin duda,
justifica el mito que representa en la historia del cine"