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| Anita Ekberg en "La Dolce Vita" (1960) de Federico Fellini "Escándalo" -según la prensa italiana- "espanto por esta obra depravada, licenciosa, desenfadada, blasfema." Federico Fellini recibió insultos, incluso le retaron a duelo: con su espléndida obra "La Dolce Vita" se había zambullido en el mundo esplendoroso de las estrellas de Roma, de los intelectuales y los artistas, y ofrecía -según decían- "decadencia y superficialidad en lugar de valores y contenidos." "El placer" -según su dictamen- "ha vencido a la razón, el silencio a las explicaciones, el vicio a la pureza." Según los críticos: "En estos mundos galantes y oníricos alejados de las obligaciones cotidianas, la mujer parecía querer encontrar su propia esencia, una auténtica celebración de la feminidad, de descubrirse por fin como un ser humano libre y buscar su propia esencia y su verdad." |
Director: Federico Fellini (1920-1993) Italia
"La Dolce Vita" (1960)
Reparto: Marcello Mastroianni, Anita Ekberg, Anouk Aimée.
Premios de la Academia de 1961: Oscar al Mejor Vestuario.
Festival de Cine de Cannes: Palma de Oro a la Mejor Dirección.
Con "La Dolce Vita" se inició la colaboración de dos genios, Fellini y Mastroianni, quien apareció en seis películas del director como su alter ego.
Ambiente de final de los tiempos al amanecer: la decadencia y despreocupación de la alta sociedad provoca una comparación con los últimos días de la Roma clásica.
Fellini formula una crítica acerada a los medios de comunicación y los paparazzzi, crítica que aún podría seguir válida.
Fellini dijo que "La Dolce Vita" era la película de alguien que se estaba ahogando, un grito de auxilio desde el mundo de la superficialidad.
"De esta representación sensacional de ciertos aspectos de la vida de Roma contemporánea, revelados a partir de las ruidosas vivencias de un hombre de la prensa irresponsable, surge un juicio gráfico brillante a todo un muestrario social en plena decadencia triste y, por último, una crítica mordaz a la tragedia de la gente excesivamente civilizada."
The New York Times
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| Gabriele Ferzetti y Monica Vitti en "L´Avventura" de Michelangelo Antonioni |
"L´Avventura" (1960)
Reparto: Gabriele Ferzetti, Monica Vitti, Léa Massari.
Antonioni dijo que las películas no podían entenderse simplemente escudriñando su contenido, sino que más bien había que extraer preguntas de ellas.
Los paisajes en las obras de Antonioni son siempre escenarios anímicos.
"L´Avventura" trata sobre la grieta social que se habría entre la vieja y la nueva época, entre los romanos mundanos y los sicilianos sedentarios.
Es, quizá, la mejor película de Antonioni. Ningún otro largometraje ha mirado su presente a la cara de forma tan inteligente, tan distanciada y, aún así, tan emocional.
"Monica Vitti está realmente fascinante, soberbia en sus cambios de registro, en la expresión de los sentimientos interiores que le imponen las circunstancias."
Le Monde
"Su fotografía es exquisita: nítida e inmensamente pintoresca. Gran parte de ella se rodó en exteriores, en las ciudades y el campo de Sicilia, y posee una gran dosis de belleza y entusiasmo y en la simple composición del movimiento frente a las formas arquitectónicas."
The New York Times
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| Anthony Perkins in Alfred Hitchcok´s "Psycho" (1960) |
Director: Alfred Hitchcock (1889-1980) EE.UU.
"Psycho" ("Psicosis") 1960
Reparto: Anthony Perkins, Janeth Leigh, Vera Miles.
"Psicosis" es, sin lugar a dudas, la película más osada de Hitchcock.
La trama sólo sirve para despistar al espectador con todos los medios de la sugestión visual.
La subversiva fuerza de las imágenes casi hacen de "Psicosis" una película experimental.
La famosa escena de la ducha en la siniestra casa de los horrores sigue conmocionando al espectador.
Es una escena impresionante: durante 45 segundos pueden verse 70 planos distintos.
Los brutales cortes entre las imágenes, sumados a la estridente música, hacen que el espectador prácticamente sienta en carne propia las brutales cuchilladas que sufre la víctima.
Sin embargo, aunque "Psicosis" parezca brutal y terrorífica, en realidad es el manifiesto artístico de un maestro genial en el punto culminante de su carrera.
"Tras sus películas de suspense e historias románticas, ¿podía Hitchcock proponer algo que chocara al público medio norteamericano, que todavía recordaba con un escalofrío películas extranjeras como "Las Diabólicas"? La respuesta es un entusiasmado sí.
En esta cinta mezcló la realidad con la fantasía en unas fascinantes proporciones y la remató con varias sorpresas ágiles, espeluznantes y desconcertantes."
San Francisco Chronicle
"Mientras que olvidamos otras películas en cuanto salimos del cine, "Psicosis" es inmortal, porque conecta directamente con nuestros temores: el temor de cometer un crimen impulsivamente, el temor a la policía, el temor de ser víctima de un maníaco y, por supuesto, el temor de decepcionar a nuestra madre."
Chicago Sun-Times
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| Audrey Hepburn in Blake Edwards "Breakfast at Tiffany´s" (1961) |
Director: Blake Edwards (1922-2010) EE.UU.
"Breakfast at Tiffany´s" ("Desayuno con Diamantes") 1961
Reparto: Audrey Hepburn, George Peppard, Patricia Neal.
Premios de la Academia de 1961: Oscar a la Mejor Banda Sonora y a la Mejor Canción.
La jungla urbana de la Quinta Avenida neoyorquina está a oscuras, pero al final de la calle ya puede verse el sol. Es como si el tiempo quisiera detenerse por un instante, como si el mundo dejara de girar por un momento antes de que comience el día.
La película resulta emblemática de la década en la que apareció, unos años de transición llenos de contradicciones:
por una parte, homenaje al sofisticado estilo de vida de la nueva jet-set; por otra, señales de la decadencia de un mundo que pronto sería rechazado por una nueva forma de entender la existencia.
Este film se anticipa a los estudios sobre la búsqueda urbana del sentido de la vida y la búsqueda de la felicidad, del vacío existencial, del andar a ciegas, de la huida y la vida a la deriva.
Apuesta por momentos:
instantes cinematográficos intensos en el sentido más genuino de la palabra, cerrados en sí mismos y que van más allá de la narración.
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| Peter O´Toole in David Lean´s "Lawrence of Arabia" (1962) |
"Lawrence of Arabia" (1962)
Reparto Peter O´Toole, Alec Guinness, Anthony Queen.
Premios de la Academia de 1962: Oscar a la Mejor película, al Mejor Director, a la Mejor Fotografía, al Mejor Montaje, a la Mejor Banda Sonora, a los Mejores Decorados y al Mejor Sonido.
"Lawrence de Arabia" no es una película sobre la guerra, la política y la historia colonial británica; se trata más bien del viaje de una persona para descubrirse a sí misma, plasmado con imágenes poderosas, la epopeya de un ser al borde de la locura, al que solamente le atraen los desafíos imposibles:
_Lawrence cruza desiertos que nadie había cruzado antes y planea ataques por sorpresa a guardias turcos en apariencia invencibles;
_forja alianzas frágiles entre tribus árabes enemistadas; y
_acaba por tomar Damasco con su ejército árabe.
Sin embargo, las expediciones mortificantes no van acompañadas de una purificación del alma, sino de la pérdida de la inocencia:
alentado al principio por el ideal de ayudar a los árabes a conseguir la independencia, Lawrence acaba dándose cuenta de que sus patrones, los ingleses, nunca lo permitirán.
El desierto tiene vida. Una travesía por el desierto como viaje de introspección:
el comandante Lawrence es un personaje indescifrable. ¿Visionario político o soñador ingenuo?
"Pero, como ya se ha comentado antes, el desierto sirve también para reflejar el estado anímico del protagonista: si al principio de la película aún seduce romántico en tonos vivos amarillos, naranjas y rojos, con la creciente desilusión palidece en un blanco grisáceo calizo y acaba en un gris amarillento sucio."
Neue Zürcher Zeitung
"David Lean y el cámara Freddie Young han conseguido sacar a la luz el tormento cruel y solitario del desierto con una artística utilización del color y un montaje magnífico en prácticamente todos los fotogramas."
Variety
El hecho de que, sin embargo, la puesta en escena no se base en valores visuales por sí mismos y de que, a pesar de las imponentes imágenes de paisajes y escenas dinámicas de pantallas, siempre permanezca en un primer plano el drama de un personaje fascinante, interpretado por un elenco de primera clase, convierte a "Lawrence de Arabia" en uno de los mejores filmes monumentales de todos los tiempos.
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| Gregory Peck in Robert Mulligan´s "To Kill a Mockingbird" (1962) |
"To kill a Mockingbird"
("Matar un Ruiseñor") 1962
Reparto: Gregory Peck, Mary Badham, Philip Alford.
Premios de la Academia de 1962: Oscar al Mejor Actor, al Mejor Guion Adaptado y a los Mejores Decorados.
Si se considera la historia de EE.UU., sus mitos, miedos y esperanzas, y se escucha atentamente el gran relato de la convivencia de generaciones y razas en un país de contradicciones peligrosas y optimismo ilimitado, entonces no se pasará por alto "Matar un Ruiseñor", grabado en la memoria colectiva.
Es la época de la Gran Depresión.
Los estados del sur se ven especialmente afectados por la crisis:
la vida cotidiana de las pequeñas ciudades se ve amenazada por la miseria, el racismo y la ignorancia.
Impotencia infantil ante el mal en el mundo de los adultos.
La película es extraordinaria desde cualquier punto de vista.
Hasta su muerte, el gran actor Gregory Peck calificó el film como su película preferida.
En el año 2003, el American Film Institute eligió a Atticus Finch (Gregory Peck) como el mayor héroe de la pantalla de todos los tiempos. Por delante de Indiana Jones, James Bond y... Lawrence de Arabia.
"Matar un Ruiseñor" es, ante todo, la recreación de un mundo infantil, un mundo bastante horrible y macabro, donde el principal foco de interés del lugar es un loco con fama de peligroso, donde los perros se vuelven rabiosos cada cierto tiempo y los dramas adultos latentes sólo roban protagonismo de vez en cuando de una manera violenta y aterradora, a la vez que impredecible."
Sight and Sound
"Si consigues aprender una sola cosa, Scout, te llevarás mucho mejor con todos tus semejantes. Nunca llegarás a comprender a una persona hasta que no veas las cosas desde su punto de vista. Hasta que no logres meterte en su piel y sentirte cómodamente."
Cita de la película: Atticus (Gregory Peck)
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| Stanley Kubrick´s "Dr. Strangelove" (1963) |
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| Guy Hamilton´s "Goldfinger" (1964) "His heart is cold, he loves only gold." La mirada del mal: James Bond (Sean Connery) ha caído en la trampa. Una ventana al patio. Incluso mientras vigila a Goldfinger, Bond tiene tiempo para flirtear un poco. Jill Masterson, recubierta de una mortal capa de oro y convertida en icono del capitalismo. El nacimiento de la elegancia. Vestido de etiqueta, Bond no se pierde ni una fiesta. Estereotipos nacionales: Goldfinger y su sirviente asiático, el mudo Oddjop. Dominio técnico al servicio de Su Majestad: Bond siempre tiene preparada la herramienta más apropiada. |
Director: Stanley Kubrick (1928-1999) Gran Bretaña
"Dr. Strangelove" ("Teléfono Rojo. ¿Volamos hacia Moscú?") 1963
Reparto: Peter Sellers, George C. Scott, Sterling Hayden.
La trama propiamente dicha comienza en la base aérea de Burpleson, cuyo comandante, el general Jack D. Ripper (Sterling Hayden) envía un escuadrón de bombarderos hacia la Unión Soviética en un ataque de paranoia.
Tras dar la orden, hace sellar herméticamente las instalaciones e imposibilita la comunicación con los pilotos mediante un código especial.
"La comedia negra de Stanley Kubrick: la extraordinaria historia de un general americano psicótico que lanza un ataque nuclear masivo sobre Moscú."
Film Review
"Tras la triste realidad se presenta siempre el humor macabro como telón de fondo. Todos estamos demasiado familiarizados con el vocabulario utilizado por ambos bandos durante la Guerra Fría. Por su parte, los personajes se representan conscientemente como clichés que vemos a diario en las fotografías de los periódicos."
Filmblätter
"El humor del Dr. Strangelove nace de un principio cómico básico: las personas que intentan ser graciosas nunca lo son tanto como las que intentan ser serias sin conseguirlo."
Chicago Sun-Times
Director: Guy Hamilton (1922-2016) Gran Bretaña
"Goldfinger" ("James Bond contra Goldfinger" (1964)
Reparto: Sean Connery, Honor Blackman, Gert Fröbe.
Premios de la Academia de 1964: Oscar a los Mejores Efectos Sonoros.
La canción que Shirley Bassey interpreta nos advierte de que un tal Goldfinger tiene un corazón de piedra y de que sólo ama el oro. Sobre el fondo, de intenso color negro, vemos la consecuencia de esta pasión: un cuerpo de mujer totalmente cubierto de oro, en cuya superficie se vislumbran centelleantes retazos de imágenes.
"Se da por supuesto -lo cual sucede, justo en el lado contrario, en las películas de Godard- que todos conocemos los clichés y nos podemos divertir con ellos."
Sight and Sound
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| Julie Christie and Omar Sharif in David Lean´s "Doctor Zhivago" (1965) |
"Doctor Zhivago" (1965)
Reparto: Geraldine Chaplin, Julie Christie, Tom Courtenay, Omar Sharif.
Premios de la Academia de 1965: Oscar al Mejor Guion Adaptado, a la Mejor Fotografía, a la Mejor Banda Sonora, a los Mejores Decorados, y al Mejor Vestuario.
La historia de Boris Pasternak en la que está basada la película, sobre un inconformista que intenta reafirmarse en el trasfondo de un nuevo gran orden, parece hecha a medida del estilo de "espectáculo íntimo" de Lean -así lo definió él mismo en una ocasión-, que una vez más permite esperar un retrato de caracteres preciso ante un fondo histórico lo más espectacular posible.
Al contrario que su personaje de "Lawrence de Arabia", en esta ocasión el protagonista no hace nada heroico. Mientras el mundo cae en ruinas a su alrededor, Yuri Zhivago (Omar Sharif) lo interpreta como un soñador ingenuo que, falto de voluntad y reacio a tomar decisiones, se ve arrastrado por unos acontecimientos sobre los que nunca puede decidir.
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| "Pierrot le Fou" (1965) de Jean-Luc Godard "Durante dos o tres años, tuve la impresión de que todo estaba hecho, de que no quedaba nada por hacer que no se hubiera hecho ya. Resumiendo, era pesimista. Después de Pierrot dejé de tener esa impresión de todo. Sí, queda todo por filmar, queda hablar de todo. Todo está por hacer" Jean-Luc Godard en: Cahiers du cinéma |
"Las despedidas de Yuri y Lara pertenecen al arsenal clásico del cine romántico. Donde muchos habrían patinado hacia lo cursi, Lean sostuvo, con voluntad de estilo y una puesta en escena refinada, una autonomía artística que respetó la grandeza literaria de la novela."
Rheinischer Merkur/Christ und Welt
Director: Jean-Luc Godard (1930-2022) Francia
"Pierrot le Fou" ("Pierrot el Loco") 1965
Reparto: Jean-Paul Belmondo, Anna Karina, Graziella Galvani.
"Pierrot el Loco" es como un intento fascinante de acercarse a la realidad en toda su complejidad.
Godard muestra las influencias de las que se alimenta su película, ya sean de naturaleza privada, económica, cultural o incluso política. Y, con ello, se presenta como cronista de su tiempo, mucho más que otros cineastas de la nouvelle vague.
La película es ante todo un bello film, seductor y romántico, con dos héroes que saben agotar por completo su enorme potencial interpretativo: Jean-Paul Belmondo y Anna Karina.
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| "Andrei Rublev" (1966) de Andrei Tarkovsky |
"Andrei Rublev" (1966)
Reparto: Anatoli Solonitsyn, Ivan Lapikov, Nikolai Grinko.
Aparentemente, el film trata de la vida de un pintor de iconos ruso de principios del siglo XV.
Sin embargo, los ocho episodios de esta obra en blanco y negro de tres horas de duración reflejan en realidad la esencia del arte y ofrecen un panorama de la historia de la nación rusa bajo el yugo de los tártaros.
Con ampulosidad épica, pero libre de todo énfasis nacionalista, el director despliega la imagen de un universo en el que es imposible trazar los límites entre el bien y el mal.
A pesar del horror del mundo, Rublev, el monje pintor, está convencido de la bondad inherente al ser humano.
Así, también ve el arte como algo que ofrece consuelo y fuerza para el cambio.
Pero su imagen altamente idealizada se desmorona cuando, en el ataque de los tártaros, rusos luchan contra rusos hasta masacrarse; él mismo tiene que matar en defensa propia.
Sacudidas sus convicciones más básicas, deja de creer en el sentido del arte, abandona los pinceles y, en adelante, guarda silencio.
"Es una película de una poesía brutal, de delirio al estilo de Dostoievski, con una precisión calculada de forma conmovedora y a ratos desconcertante."
Die Welt
"Bonnie and Clyde" (1967)
Reparto: Warren Beaty, Faye Dunaway, Michael J. Pollard, Estelle Person.
Premios de la Academia de 1967: Oscar a la Mejor Actriz Secundaria y a la Mejor Fotografía.
La representación sin tapujos de la violencia y el sexo que se hacía en "Bonnie and Clyde" demostró que incluso los grandes estudios podían dejar definitivamente a un lado el "production code", un código que durante décadas había velado por la "inocuidad moral" de las producciones hollywoodienses.
El drástico lenguaje visual del film encendió, no obstante, los ánimos de muchos, incluidos ciertos críticos de renombre.
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| Fay Dunaway in Arthur Penn´s "Bonnie and Clyde" (1967) |
Lester D. Friedman
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| Mike Nichols "The Graduate" (1967) "Señora Robinson, está intentando seducirme, ¿verdad?" "En la escena más célebre de su carrera, la actriz Anne Bancroft, en la piel de la señora Robinson, únicamente muestra una pierna: una pierna estirada provocativamente en primer plano, mientras que, al fondo y muy pequeña, aparece la figura de un tímido joven." Stuttgarter Zeitung |
Director: Mike Nichols (1931-2014) EE.UU.
"The Graduate" ("El Graduado") 1967
Reparto. Anne Bancroft, Dustin Hoffman, Katharine Ross.
Premios de la Academia de 1967: Oscar al Mejor Director.
Al ritmo de las canciones del álbum "Sounds of Silence" de Simon & Garfunkel, presenciamos una especie de pasaje cinematográfico que nos permite asistir al proceso de maduración de Benjamin como si nos percatáramos gradualmente de nuestros propios sentimientos y anhelos.
No es casualidad que se recurra una y otra vez a las imágenes acuáticas:
acuarios, piscinas e incluso una perspectiva subjetiva que parece haberse filmado a través de gafas de bucear.
Muchos de estos enfoques subrayan la metamorfosis, la necesidad de encontrar un camino nuevo. Sin embargo, el film es sobre todo una colección de imágenes impresionantemente precisas de la superficie amable y abigarrada de un entorno decadente.
Director: Stanley Kubrick (1928-1999) Gran Bretaña
"2001 a Space Odyssey" ("2001, una Odisea en el Espacio) (1968)
Reparto: Keir Dullea, Gary Lockwood, William Silvester.
Premios de la Academia de 1968: Oscar a los Mejores Efectos Especiales.
Kubrick describe en tres episodios la creación de nuevas formas de existencia de la existencia misma:
_la evolución del mono al hombre;
_el salto de la inteligencia artificial al ser capaz de sentir; y
_el paso de la tercera dimensión a otras.
La última parte del film es una de las grandes maravillas de la historia del cine: un paso enigmático y visualmente imponente a otra dimensión, en la que el tiempo y el espacio no significan nada.
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| Stanley Kubrick´s "2001, a Space Odyssey" (1968) |
Los célebres efectos especiales a través del corredor de luz que aumentan aún más su efecto psicodélico, coronan la obra maestra de Kubrick.
Nunca, ni antes ni después, una película ha conseguido transmitir una idea semejante del Universo, del infinito.
"Intenté crear una experiencia visual que evitara el encasillamiento en las palabras y penetrara directamente en el subconsciente con un contenido emocional y filosófico."
Stanley Kubrick
Director: Sergio Leone (1929-1989) Italia
"C´era una volta il West" ("Hasta que llegó su hora") 1968
Reparto: Claudia Cardinale, Henry Fonda, Charles Bronson.
Refiriéndose al film, Sergio Leone dijo que había querido barrer todas las mentiras que existían sobre la historia de la colonización de EE.UU.
El publico estadounidense debió de gritar horrorizado cuando vio por primera vez el rostro del asesino Frank: hasta entonces, Henry Fonda siempre había interpretado en los westerns el papel del bueno; ahora encarnaba el papel del malo insondable.
En las películas de Leone, hasta las escenas más brutales parecen una obra de arte.
El film se comparó con una ópera, porque Ennio Morricone compuso un tema musical para cada uno de los protagonistas.
"Hasta que llegó su hora" se parece más a una ópera que a un western. Puede que éste sea el motivo por el que la película nunca tuvo el éxito que merecía en Estados Unidos. Revitaliza mitos arcaicos, el amor y la muerte, la violencia y la traición. Lo hace en forma de western, pero va mucho más allá."
Die Zeit
"No tiene sentido explicar qué ocurre en "Hasta que llegó su hora". Es, digámoslo así, una película llena de sucesos, pero toda esta descomunal historia realmente se reduce a dos acciones: protagonizar y disparar."
Newsweek
Sin embargo -según los críticos- seguramente todavía ningún otro film ha dejado más atónitos a los espectadores que éste.
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| Henry Fonda en "Hasta que llegó su hora" (1968) de Sergio Leone |
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| Dennis Hopper´s "Easy Rider" (1969) |
Director: Dennis Hopper (1936-2010) EE.UU.
"Easy Rider" ("Easy Rider. En busca de mi destino") 1969
Reparto: Peter Fonda, Dennis Hopper, Jack Nicholson.
"Easy Rider" es una de las películas de culto de los años sesenta, como un estado de ánimo vital que fascina al celuloide.
Un road movie sobre la juventud, las drogas, el huir y evadirse, con una banda sonora que se convirtió en un enorme éxito.
"Easy Rider es una película muy seductora. En sí es magistral: las imágenes son fantásticas, los diálogos encajan como nunca antes en un film "joven", la dramaturgia es tan sencilla como convincente."
Die Welt
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| John Schlesinger´s "Midnight Cowboy" (1969) |
"Midnight Cowboy" ("Cowboy de Medianoche") 1969
Reparto: Dustin Hoffman, Jon Voight, Sylvia Miles.
Premios de la Academia de 1969: Oscar a la Mejor Película, al Mejor Director, y al Mejor Guion Adaptado.
La concesión del Oscar a la mejor película simbolizó una apuesta por una innovadora y emocionante forma de hacer cine, que influiría en el nuevo Hollywood y el cine independiente.
El hecho de que, en su momento, "Cowboy de Medianoche" recibiera la clasificación X, reservada al cine pornográfico, debido a algunas escenas que fueron consideradas de gran crudeza, difícilmente puede entenderse en la actualidad.
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| Sam Peckinpah´s "The Wild Bunch" (1969) |
Su ingenua sexualidad, que se expresa en la fantasía algo pueril del vaquero, se erige como el enigma más ambiguo de la película.
El ingenuo Joe descubre la auténtica vida en la gran ciudad, y sus ilusiones empiezan a desvanecerse.
Es un mundo implacable,
en donde sólo importa el dinero.
"Cowboy de Medianoche" pone de manifiesto el atrevimiento experimental con el que Schlesinger consigue transmitirnos la sensación de estar realmente en la gran ciudad.
El británico retrata con minuciosidad casi documental la ciudad de Nueva York de 1969 con imágenes de pesadilla, aunque sin pasar por alto las grandes esperanzas y sueños de la época.
Director: Sam Peckinpah (1925-1984)
"The Wild Bunch" ("Grupo Salvaje") 1969
Reparto: William Holden, Robert Ryan, Ernest Borgnine.
En su western no hay héroes venerables, ni tampoco reflexiones morales sobre la ley. Peckinpah desbarata con rigurosidad el viejo cliché del western de que ese tipo de conflictos se arreglan limpiamente, en un duelo heroico hombre contra hombre.
"Grupo Salvaje" no se puede desligar de su contexto histórico.
Por primera vez, unas imágenes sin censurar de los escenarios de la guerra divulgadas en los medios de comunicación de masas, hacían consciente a la opinión pública de hasta qué punto se veían afectadas las víctimas civiles.
"Violenta, reflexiva y autoritaria, esta película aísla a Peckinpah del resto de directores de westerns de su generación."
Sight and Sound
"Un paseo por el lado salvaje de la existencia."
HK
