Euskera

Bizkaiko golkoa (Kantauri itsasoa) Euskadi

El primer libro escrito en euskera (vasco o vascuence) se imprimió en 1545, firmado por Bernat Dechepare (1480-1545).
Es una colección de poemas de tema erótico, autobiográfico y religioso "Lingue Vascorum Primitiae" 
En su poema "Kontrapas" dice lo siguiente: "

"Berce gendec vstà çuten/ Ecin scriba çayteyen/ Oray dute phorogatu/ Enganatu cirela.
Heuskara Ialgi adi mundura"

("Otras gentes creían/ Que no se te podía escribir/ Ahora se ha demostrado/ Que estaban engañados"
"Euskera, sal al mundo...!"

Pinturas halladas en una cueva de Errenteria (Gipuzkoa) c. 14.000 años

Se desconoce cuál es exactamente el origen del euskera. Podría quizá
proceder de los montes del Caúcaso. Estrabón, en el s. I a. C., es decir
cuando todavía se hablaba íbero en la península ibérica, afirmaba que
los íberos y los aquitanos  eran similares físicamente y que hablaban
lenguas parecidas.
 Aquitanos: "Pueblo que vivía en lo que hoy es Aquitania (Francia), en la
región comprendida entre los Pirineos, el océano Atlántico y el Garona"
El aquitano histórico sería descendiente del proto-euskera (siglo V a. C)  

El euskera (vasco o vascuence) es una lengua aislada, ergativa y aglutinante. 

Es oficial junto al castellano en Euskadi y Navarra, mientras que en Francia no tiene estatus oficial.

Lingüísticamente, es una de las pocas lenguas no indoeuropeas de Europa y la única viva de Europa occidental.

Aunque se desconoce el origen del euskera, se han propuesto múltiples hipótesis al respecto.

Euskararen aztarna geografikoak

Algunos rastros epigráficos del euskera.
Puntos azules: toponimia actual.
Puntos rojos: rastros epigráficos (estelas funerarias...)
Mancha azul: extensión de los rastros 

La parte más genuina y diferenciada de su léxico y su estructura gramatical, así como su posible conexión con otras lenguas de la Europa prehistórica, han suscitado el interés de lingüistas de todo el mundo.

Del total de hablantes, el 93% (700.300) vive en España y el 6,8% (51.200) en Francia.

Fonológicamente: el íbero y el euskera tienen una cierta semejanza y paralelos de alternancia morfológica llamativos.

Sin embargo, cualquier comparación válida debe hacerse con el proto-euskera  reconstruido o con el aquitano (auskala) una lengua muerta en la actualidad al igual que el íbero.

Se mantiene que, aunque el íbero no sería proto-euskera, ambos sí serían parte de la misma familia lingüística.

Teorías Principales sobre el Parentesco del Euskera

Teoría del Vasco-iberismo:

Adverso y reverso de la moneda íbera con la inscripción
"Baskunes" 

Wilhelm von Humboldt (1767-1835) padre de la lingüística
moderna, afirmaba que la lengua íbera era de hecho la
antecesora del euskera, tesis que defendería también el
escritor Miguel de Unamuno (1864-1936):
Teoría del Vasco-iberismo

Teoría de las Lenguas Caucásicas: 

El euskera sería el único superviviente de una familia de lenguas de Europa que fue barrida con la llegada de los invasores indoeuropeos a partir del siglo XIII a. C.

Las semejanzas encontradas entre el euskera y el georgiano vendrían a apuntalar esta teoría. 

De hecho, se produjo un hermanamiento entre Bilbao y Tiflis, capital de Georgia. 

Palabras como: "zara" (eres), "gu" (nosotros), o "eder" (hermoso) son exactas.

También se ha emparentado el euskera con diversos idiomas hablados en Siberia (chukchi).

Teoría del Sustrato Vascónico

Grupos etnolingüísticos de la región del Cáucaso

Theo Vennemann, catedrático de Lingüística Teórica de la "Universidad Ludwig-Maximilian" de Munich, propone esta teoría, según la cual muchas lenguas de Europa occidental contienen restos de una antigua familia lingüística, de la cual el euskera sería la única superviviente.

 

A diferencia de las que considera lenguas neolíticas atlántico-semíticas, la antigua familia lingüística sería anterior a la migración neolítica, y sería la única que ha sobrevivido en Europa. 

La revista "Scientific American" publicó en 2002 un reportaje realizado por Vennemann, en el que expresaba que el proto-euskera sería la primera lengua de los primeros pobladores europeos. 

Existen también estudios que relacionan la lengua bereber (lengua del pueblo nómada del norte de África) y el paleosardo (lengua hablada en Cerdeña antes de la llegada de los romanos) con el euskera, aunque otros estudios no mantienen dicha teoría.

Hipótesis del Tubalismo: 

Manuel de Larramendi (1690-1766) y Pablo Pedro Astarloa (1752-1806), destacados lingüistas, apoyan dicha postura.

Históricamente, una de las primeras hipótesis míticas del origen del euskera es la del tubalismo, relacionada con la teoría de Wilhelm von Humboldt (1690-1766) y la del vasco-cantabrismo de Larramendi. 

Los historiadores no comparten esta antigua Hipótesis del tubalismo. 

La teoría entronca con la creencia de que todas las lenguas proceden de Babel y su famosa torre. 

Según la narración de la Biblia:

"La Torre de Babel fue construida por los habitantes del valle de Senaar, en Babilonia (Génesis, XI, I-9), quienes pretendían hacerla llegar hasta el cielo; Dios castigó su orgullo haciendo que hablasen diversas lenguas, y al no poder entenderse, hubieron de dispersarse y abandonar la obra" 

El euskera sería, según dicha teoría, la lengua original anterior a la confusión de las lenguas.

Algunos apologistas del euskera en el siglo XVIII y principios del siglo XIX llegaron a decir que una lengua tan perfecta sólo podría haber sido inspirada por una mente divina. 

Se menciona, asimismo, el siguiente hecho: 

"El río Araxes baña el monte Aralar, donde se encuentra la mayor concentración de dólmenes del Pirineo -hay censados más de 400- y en el monte Ararat fue donde Noé posó su arca mítica. 

Y precisamente allí es donde se halla el denominado igualmente río Araxes". 

"Campo de Urnas". Cronología: 1250 a. C.-750 a. C.

El linguïsta Jesús Rodríguez de Ramos ha propuesto un
origen común del euskera y del íbero a través de la posible
llegada conjunta al territorio peninsular mediante la cultura
centroeuropea de los "Campos de Urnas" (ss.XII-XI a. C.),
extenso horizonte arqueológico que se difundió durante el
fin de la Edad de Bronce y el principio de la Edad de Hierro
por gran parte de Europa, llegando a abarcar desde el río
Danubio y el Báltico hasta el mar del Norte y el nordeste
 de la península ibérica

 Existe un interesante estudio de Eduardo Orduña (2005) en el que se compara los números en íbero, protoeuskera y euskera actual.

La relación de numerales es la siguiente:

 

Joan Pérez de Lazárraga (1548-1605)

Manuscrito donde aparece por primera
vez el término "Euskal Herria" (País Vasco):


"beti çagie laudatu

çegaiti doún eusquel erria

oynbat nabtajaz dotadu"


"çegayti eusquel errian dira

ederr guztioc dotadu"


"ceñetan ditut eçautu

eusquel erriau oy nola eben

errege batec pobladu"
.

("siempre serás alabado

porque has dotado a Euskal Herria

de tantas ventajas")


("porque se ha dotado a Euskal Herria

de todas esas bellezas")


("en las cuales he conocido

como esta Euskal Herria

la ha poblado un rey")

      Íbero              Protoeuskera        Euskera actual        

1    ban                  bada                     bat

2    bi                     biga                      bi

3    irur                   hirur                     hiru

 

4    laur                  laur                       lau

 

5    borste              bortz                     bost

 

6    sei                    sei                        sei

 

7    sisbi                 bortzaz-bi             zaspi 

8    sorse               zur-hor-tz-i            zortzi 

9       --                   baderatzi              bederatzi

 

10  habar´               hamar                  hamar 

20  orkei                  hogei                   hogei  

               

Posible evolución del euskera en los últimos 2000 años 

En los primeros años del s.XX, se fue extendiendo el
convencimiento de que el euskera sólo podría tener futuro
como lengua de comunicación y expresión, en tanto que
se lograra superar la situación de fragmentación con la
creación de un registro escrito único reconocido por todo
 el ámbito del euskera. De esta manera, el proceso para la
unificación literaria sería iniciado en 1918 con la fundación
de Euskaltzaindia (Real Academia de la Lengua Vasca).
El debate sobre la unificación culminó en 1968.
El resultado sería el euskera batua (euskera unificado) que
es el soporte del euskera escrito. Sin embargo, el batua no
sustituye a los antiguos dialectos, al euskera auténtico: la
lengua que ha sobrevivido en Euskadi hasta la actualidad.

Textos más Antiguos escritos en Euskera:

Siglo I: 

Estela funeraria hallada en Lerga (Navarra)

Siglo II: Primeras palabras en euskera aparecidas en Aquitania (Francia)

Siglo XI:

"Glosas Emilianensis" escritas en latín y romance, halladas en el Monasterio de Yuso (San Millán de la Cogolla, La Rioja)  

Los escribanos solían utilizar el romance para escribir, aunque la lengua de uso diario fuera el euskera.

Placa conmemorativa de 1974 existente
 en el Monasterio de Yuso
(San Millan de la Cogolla, La Rioja) 

Pieter Brueghel de Oude (1525-1569) "De Toren van Babel" (1563)

La Torre de Babel simbolizaría las más de 7.000 lenguas existentes en el mundo, y el inicio de la comunicación como fenómeno humano
persistente en la actualidad. La torre helicoidal dibuja un camino entre el concepto de lo real y lo irreal, lo utópico y lo posible, encerrándose en
metáforas laberínticas de lo imposible. Simbolizaría la paradoja del deseo de comunicación y la imposibilidad de una auténtica comunicación. 

Rodin

 

Auguste Rodin (1840-1917) "Les Bourgeois de Calais" (1895)

Este bello conjunto arquitectónico representa a los seis burgueses que en 1347, al inicio de la Guerra de los Cien Años (1337-1453, se ofrecieron
a dar sus vidas para salvar a los desesperados habitantes de la sitiada ciudad de Calais. Es una de las más famosas esculturas de Rodin.

Auguste Rodin acabó para siempre con las estatuas de visión frontal, con la escultura de visión única.

Su talento residía en el tacto de sus manos: ante todo era un genio modelando sus obras. 

Sus figuras en yeso, en arcilla o terracota eran luego transformadas en moldes para ser fundidas en bronce o esculpidas en mármol.

Rodin "Le Baiser" (1886/89)

Comprender lo que simboliza la escultura, implica conocer el contexto en el que se sitúa la obra:
la dama era Francesca, la esposa de Gianciotto Malatesta, señor de Rímini, y él se llamaba Paolo.
Gianciotto los sorprendió en medio de su pasión prohibida y les apuñaló hasta causarles la muerte.
Francesca y Paolo vivieron a finales del siglo XIII. En la centuria siguiente engrosaron la nómina de
personajes que Dante Alighieri (1265-1321) dispuso en su obra "La Divina Comedia" (1304/1321).
El hecho que les llevó a la desgracia se haría inmensamente famoso cinco siglos después, ya que:
nunca una obra de arte había captado de modo tan sublime este íntimo acto humano. 

Las esculturas de Rodin supusieron nuevos bríos en un arte que, a diferencia de la pintura, poco había evolucionado en los siglos anteriores, sumido en el frío academicismo.

El extraordinario éxito de Auguste Rodin se tradujo en una elevadísima demanda de sus esculturas. 

Por otra parte, sus obras podían tener más de una cara, como su vida, en la que se encadenaron el éxito más extraordinario y la frustración más profunda.

Acostumbrado a décadas de fabuloso estrellato, vivió sus últimos días en la penuria.

Rodin "La Porte de l´ Enfer" (1880/1917) 

En 1880 Rodin recibió su primer encargo público: una puerta de bronce para el
futuro Musée des Arts Décoratifs, cuya decoración debía versar sobre pasajes
de la obra de Dante Alighieri (1265-1321), "La Divina Comedia" (1304/1321):
de hecho una obra muy popular entre la intelectualidad francesa del siglo XIX.
Rodin consagraría gran parte de su vida a aquella obra y la exhibiría en 1900.
Una obra de auténtica complejidad interpretativa: el artista había eliminado de
ella las figuras que pudieran identificarse fácilmente y había insertado escenas
de otras artes, como de la obra del gran poeta Charles Baudelaire (1759-1821)
"Les Fleurs du mal" (poemas desde 1821): dicha puerta ya no era una obra para
  plasmar historias y leyendas, era la humanidad experimentando un horror puro. 

Rodin "Le Penseur" (1880/92)

Fue modelado entre 1880 y 1882 para presidir "La Puerta del Infierno" y
en 1888 Rodin lo exhibió por primera vez bajo el nombre de "Le Poète".
¿Dante, meditando por encima de su obra "El Infierno", representado en
en sus puertas o sería el propio Rodin meditando sobre sus creaciones?
La audacia en esta pieza fue dotar de corporeidad (por la tensión de los
   músculos) un acto que sin embargo resulta invisible: el hecho de pensar.  

Rodin "L´Âge d´Airain"  (1875/76)
Première statue en bronze à patine brune

Rodin encaró la prueba de fuego que debía afrontar
 todo artista dispuesto a triunfar en Francia: exponer
en el Salón de Paris. Éste representaba una de las
 grandes citas de la vida social parisina y seguía unas
estrictas convenciones: las obras expuestas estaban
seleccionadas con rigor por la Academia, y por tanto
deberían ajustarse a ciertos patrones. Rodin sufrió el
rechazo, el escándalo, pero las reacciones adversas
se vuelven así paradójicamente en su mayor aliado:
sacándolo del anonimato y potenciando la demanda,
el reconocimiento del valor de sus bellas esculturas

Rodin "L´Ombre" (1880)

En 1881 la Dirección de Bellas Artes encargó a Rodin
unas efigies de gran tamaño de Adán y Eva que debían
  alzarse a ambos lados de la obra "La Porte de l´Enfer".
La figura de Adán se convirtió en 1889 en tres figuras: 
"Las Sombras". La desolación que muestran hacen una
referencia a la inscripción que, según la obra de Dante,
se encontraba esculpida sobre "La Puerta del Infierno"
y que por precaución advertiría a los que entraran con,
literalmente, las siguientes palabras terroríficas:
"Lasciate ogni esperanza, voi ch´entrate"
("Abandonad toda esperanza los que entréis")

Auguste Rodin dejó partes de sus obras sin esculpir y las encomendó a la imaginación del espectador, ensayó poses alejadas del clasicismo, y llevó a cotas insospechadas su realismo. Sus excentricidades, si en realidad lo eran para la época, en vez de marginarle dispararon la demanda de sus bellas esculturas.

Y así fue como se convirtió en el último escultor de la historia en alcanzar una fama estratosférica:

_Francia le nombró Primer Oficial de la Legión de Honor;

_en Oxford recibió el doctorado honoris causa;.

_el rey británico Edward VII (1841-1910) le visitó en su domicilio;

_la Exposición Universal de París de 1900 le dedicó un pabellón exclusivo, y toda gran ciudad del planeta reclamaba una obra de Rodin para sus museos o sus calles.

Inmortalizó a bailarines como Vaslav Nijinsky (1889-1950) e Isadora Duncan (1877-1927) (la cual no posó quieta para Rodin, sino que bailó para él en un bosque), e incluso fue llamado desde el Vaticano para efectuar un busto de Benedicto XV (1854-1922). 

Según algunos críticos de arte, Rodin debió mucho a los escándalos, que lejos de hundirle, como ocurrió con otros artistas de finales del siglo XIX, le encumbraron a la fama, ya que algunos escultores supieron ver talento donde otros veían trampas o excentricidades.

La obra "L´Âge d´Airain" (o "La Edad del Bronce") presentada en el Salón de Paris en 1877, era una alusión a la derrota francesa frente a Prusia en la guerra de 1870. 

La obra causó sensación entre el público, acostumbrados a las esculturas de frías poses clásicas. 

El hombre que Rodin creó parecía tener vida y, por eso mismo algunos círculos artísticos le acusaron de haber modelado directamente sobre un cuerpo humano, actividad que se considerada deshonrosa, pero que, no obstante, de hecho era practicada en secreto por los talleres de la época.

El escultor se defendió presentando una fotografía del hombre que había servido de modelo. 

Restaurada ya su reputación, el Estado francés compró la polémica y bellísima obra.

El gran acierto de Auguste Rodin consistió, pues, en renovar la escultura el grado justo para que fuera aceptable.

Sus humanos seguirían siendo admirablemente bellos y anatómicamente perfectos.

Rodin "Ugolin et ses enfants" (1882)

Ugolino della Gherardesca fue un influyente pisano del siglo XIII que pertenecía a la minoritaria facción
 güelfa (propapal), en una ciudad eminentemente gibelina (proimperial). En una conspiración urdida por
Ruggieri degli Ubaldini, arzobispo de Pisa en 1278, Ugolino fue acusado de traición y condenado junto 
sus hijos y nietos, a morir de hambre en una torre, conocida como "La Torre del Hambre". Dante incluyó
a Ugolino entre los moradores de su infierno, pues allí había ido a parar -según la leyenda que circuló en
 Pisa- por canibalismo. Dante lo expuso de manera velada: "Dos días después de que sus hijos hubieran
fallecido por inanición, el hambre de Ugolino se demostró más poderosa que el dolor".

 "Ugolino y sus hijos" fue concebido por Rodin como la efigie asimétrica a "El Beso": la primera debía aparecer
en la parte izquierda de "La Puerta del Infierno"; la segunda, en la derecha, aunque el escultor finalmente la
 descartó por tratarse de un tema demasiado positivo para el infierno. Ambas esculturas se expusieron al
 mismo tiempo en Bruselas (1887), pero "Ugolino" pasó casi desapercibida ante el increíble éxito de "El Beso".
 Pese a todo, "Ugolino" fue siempre una de las obras favoritas de Rodin. En 1904 se agrandó la escultura y se
 alza hoy una reproducción en bronce sobre un islote en un estanque de los jardines del Museo Rodin, quizá
   como una alusión a que las llaves de la prisión fueron arrojadas al río para que Ugolino jamás saliera de allí.  

Edward Steichen (1879-1973) "Auguste Rodin" (1895/96)

"La figura de Rodin no tiene comparación posible, su grandeza asciende ante nosotros como una torre que se levanta en muestra
 proximidad y, no obstante, su afabilidad, cuando se produce, es como un pájaro blanco que traza círculos resplandecientes en torno a
 nosotros, hasta llegar a posarse confiado en nuestros hombros. Rodin es todo, absolutamente todo. Rodin representa el Todo"

Rainer Maria Rilke (1879-1926) "Carta a Clara Rilke" (20.09.1905)

Roma

Francesco Netti (1832-1894) "Gladiatorial Combat during a Dinner at Pompei" (1880)

El siglo de oro de la Roma Imperial fue el siglo II. Tras él, terminaban las conquistas y empezaba el costoso mantenimiento de un gigantesco imperio a la defensiva.
La falta de ingresos, el caos político, la burocracia, convergerían en el siglo V con el abrumador ataque de los bárbaros. El imperio estaba sentenciado.
La caída de Roma era predecible. Era complicado controlar dominios tan extensos y un gasto tan excesivo.
Con el fin de las conquistas, Roma perdió unos ingresos vitales para el estado. El mantenimiento era costoso y los ingresos reducidos.
A finales del siglo II, no lograban paliar una incipiente inflación económica de efectos incontrolables.
Ni la devaluación ni el aumento de contribuyentes pusieron coto al problema.
El período, conocido como anarquía militar, constituyó un revulsivo para la deslegitimación de las mismas y el caos político.
La inestabilidad interna obligó a retirar las tropas de las fronteras, quedando éstas parcialmente desguarnecidas.
A mediados del siglo III, hubo un aumento de invasiones bárbaras al hacerse patente la grave crisis romana.
A partir de entonces, se sucedieron las invasiones, los ataques fronterizos y las tentativas secesionistas.
La anarquía borraba las señas de identidad del gobierno romano. 

SIGLO II

La gestión de un imperio de grandes extensiones generará pronto problemas internos. La defensa de las fronteras se sumarán a éstos. 

En 117, muerte de Trajano (53-117). 

Los enfrentamientos entre el imperio romano y pueblos germánicos vecinos pasarán a convertirse pronto en habituales.

Ulpiano Checa (1860-1916) "La Entrada de los Hunos en Roma" (1887)

Los hunos, procedentes del norte de China, derrotan a varias tribus germánicas (alanos, ostrogodos, visigodos)
las cuales se ven obligadas a desplazarse hacia Occidente.
En su marcha, empujan a su vez a otros pueblos que piden ser admitidos.
Los hunos, llamados hiung-nu en las fuentes chinas, y funni en Plinio el Viejo (823-79),
eran gentes de raza mongoloide y lengua uraloaltaica, es decir:
las lenguas de la región comprendida entre los montes Urales y los Altái (en Siberia).
Eran guerreros fuertes, temibles e imbatibles:
se lanzaban contra los enemigos emitiendo terroríficos chillidos y proyectando nubes de flechas contra ellos.
Atila (395-453) fue el último y más poderoso caudillo de los hunos

Los problemas no habían hecho más que comenzar:

_fin del modelo urbano, abandono de las ciudades y declive de la capital;

_con el cese de la conquistas se desplomó la captación de esclavos;

_la muralla de Roma revelaba el grado de inseguridad existente;

_hacia el absolutismo: un claro intento de reconstrucción y pacificación;  

_burocracia corrupta: la maquinaria burocrática crecía hasta dimensiones inusitadas.

 

SIGLO III

Empieza el declive: un ejército politizado y el principio de la crisis económica protagonizan la vida pública. Sobreviene el período de anarquía militar, en que se suceden los golpes de estado y se resienten las instituciones. 

En 286, Diocleciano (244-311) instaura la tetrarquía: el gobierno compartido del imperio. 

SIGLO IV

En 313, Constantino (272-337) promulga el Edicto de Milán, que permite el culto cristiano. 

Siguen los enfrentamientos con las tribus bárbaras que intentan traspasar el limes o línea fronteriza: 

sistema defensivo que comprendía fuertes, murallas y empalizadas, dotados de guarniciones permanentes y fuerzas móviles con que Roma defendía sus fronteras. 

La presión era tal que se consentía en federar a algunos de estos pueblos, dejando que se establecieran en territorio romano. A finales de siglo, debido a las bajas del Ejército, se facilitaba su incorporación a filas.

En 378, Batalla de Adrianópolis. Muere en ella el emperador Valente (328-378). 

Los visigodos establecen una autonomía en suelo romano.

 

Visigodos: "Godos del oeste o godos brillantes". Origen: desembocadura del Vístula. 

Cristianizados por Ufilas (310-381), mantuvieron frecuentes contactos con los romanos, a los que suministraban mercenarios. 

Eran dirigidos por familias aristocráticas, y mantuvieron siempre una notable cohesión. 

Se asentaron en la península ibérica.

 

Ostrogodos: "Godos del este o buenos godos". Origen: entre el Dniéster y el Dniéper. 

El grupo más numeroso. Instauraron una fuerte monarquía y dispusieron de una importante caballería por influencia alana. Vencidos por los hunos, muchos les fueron fieles hasta la desaparición del reino de Atila, constituyendo el suyo propio en Italia. 

Alanos: Origen: estepas entre el Don y el Volga. Grandes jinetes rubios de lengua irania. Se aliaron con los godos contra Roma. Tras cruzar los Pirineos junto a los vándalos, se asentaron en la Lusitania y la Cartaginense hasta ser vencidos por los visigodos en 418. Esta derrota provocó su dispersión en bandas y su desaparición como pueblo.

Heinrich Leutemann (1824-1905)
"Plünderung Roms durch die Vandalen" (1860/80)

Una visión idealizada del saqueo de Roma por los vándalos.
Vándalos: Origen: cuenca del Oder. Se dividían en asdingios
(Danubio) y silingos (Silesia). Disponían de una potente
caballería por influencia sármata y alana. Tras pasar por la
Galia e Hispania, constituirían un reino en el norte de África.
Éste sería conquistado por Bizancio, que deportó a los
supervivientes a Asia, donde desaparecieron como pueblo.
Aún queda vigente la reputación tradicional de los vándalos.

Al llegar el siglo IV, el imperio está en crisis y los pueblos vecinos pugnan por traspasar sus fronteras.

El imperio arrastra infinitud de problemas internos desde el cese de las conquistas. 

La inflación económica, la regresión del modelo urbano y el peso de una burocracia corrupta se agravan.

 

Los ataques bárbaros se multiplican de forma exponencial. Para paliar su empuje se incrementan las concesiones del estatuto de federado: 

pacto de alianza entre Roma y un pueblo extranjero por el que Roma le concedía tierras dentro de los límites del imperio a cambio de ayuda militar. 

En 395, muerte de Teodosio I el Grande (347-395). El Imperio romano queda dividido entre sus hijos: 

Arcadio (373/78-408) Imperio romano de Oriente, y Honorio (384-423) Imperio romano de Occidente.

 

SIGLO V: 

Roma no pudo contener la invasión germana de principios del siglo V. La resistencia por los pasos pirenaicos, por ejemplo, estuvo en las manos de milicias privadas de los nobles hispanos.

En 410, saqueo de Roma por los visigodos, que raptan a Gala Placidia (388/93-450), hermana del emperador Honorio. En 415, Roma federa a los visigodos en Hispania a cambio de que combatan a suevos, vándalos y alanos.

 

Suevos: "Los de la misma raza". Origen: valle del Elba. Son poco conocidos. Tendían a formar confederaciones. Llegaron a Hispania en 406 y se asentaron en Galicia, donde mantendrían un reino que duró hasta 585. 

En ese año, fue conquistado por el visigodo Leovigildo (reinado: 570-586).

 

Head of a Barbarian (Athens)

Las incursiones bárbaras se suceden en Galia, Britania, Hispania y el norte de África. 

Al margen de las federaciones, y ante la manifiesta debilidad imperial, algunos pueblos se atreverán a constituir reinos independientes en territorio romano.

 

En 442 el imperio de Occidente reconoce la independencia de los vándalos en el norte de áfrica, efectiva ya en la práctica desde años atrás. 

En 451, los hunos de Atila cruzan el Rhin e invaden las Galias. 

Poco después saquean el norte de Italia.

 

En 475, Roma acepta la independencia del reino visigodo.

Hérulos: Origen: mar de Azov.

Considerados los más bárbaros, se trasladaron hacia Occidente en bandas desorganizadas, las cuales se aliaron indistintamente con unos y con otros, estableciéndose en Italia. Desaparecieron como pueblo durante el siglo VI. En 476, el hérulo Odoacro (433-493) comandante de las legiones de Italia, depone al último emperador de Occidente Rómulo Augústulo (461/63-476) con el consentimiento de Constantinopla. 

En el 476, se sitúa convencionalmente el fin del Imperio romano de Occidente. 

En relación al término bárbaro: 

los griegos llamaban bárbaro a todo extranjero que no hablaba su lengua y no conocía su civilización, aunque formara parte de una cultura altamente desarrollada (como la egipcia o la persa), si bien es posible que considerasen que sus instituciones eran superiores a las de los demás pueblos.

Por lo tanto, bárbaro no debería tener en este contexto necesariamente un claro sentido peyorativo.

En el caso de los romanos, asimismo, el vocablo serviría para calificar a todo aquel que ignoraba el concepto de civilización, entendido en su sentido más amplio.

Roma: una huella perdurable

Fundación de la ciudad de Roma: 21 de abril de 753 a. C. 

En 476, cayó el Imperio romano, pero no la influencia de su civilización. Muchos de los reinos que ocuparon su lugar en la Edad Media adoptaron rasgos de su modo de vida que siguen vigentes en la actualidad.

 

La impronta civilizadora de Roma en el presente:

Concepción de Estado

Desde Carlomagno (742/47- 814) a Napoleón Bonaparte (1769-1821) y desde las repúblicas contemporáneas (comenzando por EE UU y Francia) al régimen fascista de Benito Mussolini (1883-1945), Roma ha inspirado a estados y estadistas. La República antigua y el imperio que la sucedió han sido paradigmas políticos-militares imitados una y otra vez. 

Derecho

El derecho romano ha ejercido gran influencia en materia jurídica, por la excelencia técnica de su codificación y por su regulación de la dinámica social. 

Desde las leyes bárbaras hasta sofisticados códigos se han basado en este legado. 

Lengua

Idiomas como el italiano, el español, el francés, el portugués, y el rumano (los romances), son la fusión del latín con lenguas vernáculas. Aún se emplea el latín, por ejemplo, en nomenclatura científica. 

También ha sido lengua oficial de la Iglesia occidental desde la Antigüedad e idioma litúrgico hasta el Concilio Vaticano II, clausurado en 1965. 

Religión

El cristianismo gozó de una rápida difusión gracias al imperio. No es casual que Roma sea sede de la Iglesia. 

Su jerarquía llama sumo pontífice al papa aludiendo al título de los césares pontifex maximus, y denomina diócesis a sus demarcaciones. 

El atuendo religioso, edificios como las basílicas y el ceremonial litúrgico guardan relación con la vieja Roma. 

Territorialidad

El perfil territorial de España sigue básicamente el de Hispania; el de Francia, aquel de la Galia; puede verse en Portugal la provincia de Lusitania; o en Rumanía, la Dacia. 

Muchos estados actuales de Europa, Asia y África guardan semejanza con la diócesis en que Diocleciano (244-311) organizó el mapamundi romano o con provincias del viejo imperio. 

Noción del Tiempo

Medimos el paso del tiempo de acuerdo con el calendario juliano: 

es el promocionado por Julio César (100 a. C.-44 a. C.) en 45 a. C., que introdujo un año bisiesto cada cuatro para mejorar la coincidencia de este orden artificial y el ciclo de las estaciones. 

Este calendario se fundamentaba en el de Sosígenes de Alejandría (siglo I a. C.) y fue reformado por el papa Gregorio XIII (1502-1585). 

Instituciones

Los parlamentos, con sus senados, evocan al Capitolio. Los gabinetes ministeriales remiten a los consejos imperiales. Los funcionarios municipales mantienen títulos como el de edil o el de concejal. 

En la carrera diplomática se preservan cargos como el de cónsul. Y todavía llamamos magistraturas a las dignidades públicas.   

Lourens Alma Tadema (1836-1912) "Un Romano amante del Arte" (1868)

En el Arte, la influencia de Roma, difusora de la Grecia clásica, es constante. En el Renacimiento:
la perspectiva pictórica, la arquitectura y la escultura se basaron en fuentes grecorromanas.
Movimientos como el Neoclasicismo, que acompañó a la Revolución Francesa y a la emancipación de las
 repúblicas americanas, buscaron en Grecia y Roma la perfección y la belleza de sus edificios:
 un estilo que expresara la grandeza del gobierno del pueblo por el pueblo.

...del Amor...

Johann Heinrich Füssli (1741-1825) "Der Nachtmahr" (1790)

"...zwischen Traum und Wahnsinn...zwischen Alptraum und Wirklichkeit..."

("...entre el ensueño y la locura...entre la pesadilla y la realidad...")

...de tu corazón dificultad para respirar en el sueño

y ensueño angustioso opresivo perturbador tenaz o

la preocupación continua que en el ánimo causa la

resolución de ese grave asunto o peligro inminente

-...perturbación...-

...perturbación o desorden de la razón o de la fantasía

deslumbrada por fulgores de infinidad de estrellas y

originada por una alucinación y una pasión violenta

manifestada por esa extraña agitación física y mental

-...paranoia...-

...paranoia que es falta de la conciencia y la evaluación

de la realidad de la irrealidad y presencia de ilusiones

de alucinaciones o de aquellas ideas fantásticas que se

refieren a acaecimientos de aquel tiempo anterior a la

-...demencia...-

...demencia o abolición completa o parcial de lo real

y sentimiento de enajenación mental que se presenta

súbitamente con sobre-excitación general prendiendo

el fuego de infinitos reflejos de espejismos delirantes

-...delirio...-

...delirio acompañado de los fantasmas de la mente

y alucinaciones visuales de objetos en movimiento

o el resurgir de imágenes de monstruos inexistentes

que sí existen y te arrastran a la enajenación y a la

 

-...locura...-

...entre el ensueño y la locura...entre la pesadilla y la realidad...

 

Cine: años 20

Friedrich Wilhelm Murnau (1888-1931) "Nosferatu. Eine Symphonie des Grauens" (1922)

Del mundo de las tinieblas, de sombras lúgubres, en blanco y negro, surge una de las películas de terror más inquietantes de la historia del cine.
 "Nosferatu" es ante todo una película sobre lo siniestro: el mundo burgués se desmorona y nos conduce hacia el caos y lo desconocido.
"Nosferatu" es la negación de la luz como principio del mal.
La intensidad del efecto se debe, entre otras cosas, al cambio de ritmo de "Nosferatu".
La capacidad de moverse muy rápida o muy lentamente, como si fuera una araña astuta, aparentemente inmóvil que:
 al detectar al insecto, se abalanza rápidamente sobre su presa.
Metáfora ingeniosa de la araña y su tela: la telaraña simboliza, tanto la amenaza real como la potencial.
El ritmo acelerado es el más claro indicio de siniestrabilidad: el vampiro parece moverse fuera del tiempo.  

Al hablar sobre el nacimiento del cine suele aducirse la anécdota siguiente:

con la primera proyección pública realizada en París por Auguste Lumière (1862-1954) y Louis Lumière (1864-1948) "L´arrivée d´un train à La Ciotat" el 28 de diciembre de 1895, cundió el pánico entre los asistentes cuando de repente en la pantalla apareció una locomotora que se precipitaba sobre ellos.

Sin embargo, los hermanos Lumière no fueron los únicos padres de la cinematografía.

Cuatro años antes del famoso evento, el americano Thomas Alva Edison (1847-1931) patentó dos inventos pioneros de su ingeniero William K. L. Dickson (1860-1935): 

una cámara tomavistas y el cinetoscopio.

Asimismo, el francés Louis le Prince (1842-1890), el inglés Wiliam Friese-Greene (1855-1921) y el alemán Max Skladanowsky (1863-1939) pueden considerarse como legítimos inventores de las imágenes en movimiento.

El cine había conquistado la recién nacida luz eléctrica y emprendía una marcha vertiginosa.

Pronto se presentó en los grandes locales de Nueva York y de otras capitales.

Tras muchos avatares, el cine siguió avanzando en los diversos países, hasta que un día de 1907 apareció por primera vez el nombre de "Holly-wood" ("bosque sagrado"), entonces un barrio de Los Ángeles. Pronto sería la gran fábrica de sueños del cine norteamericano.

Años 20: Cine Mudo

Director: David W. Griffith (1875-1948) EE.UU.

"The Birth of a Nation" ("El nacimiento de una nación") 1915

Reparto: Lillian Gish, Elmer Cliffton, Mae Marsh

Elsie Stoneman teme por su hermano Phil, que había ayudado a la familia Cameron a huir de la milicia del gobernador negro Silas. 

Un acontecimiento histórico: el 9 de abril de 1865, el general de los Estados del Sur Robert E.Lee se entrega al general Ulysses S. Grant, capitán general de las tropas del Norte, y más tarde presidente de EE.UU.

Los paseos a caballo del Ku-Klux-Klan anticipan los ataques de la caballería de las películas de John Ford. 

No sospechan que su final está cerca: los Estados del Sur, que practican la esclavitud, afrontan la guerra con orgullo.

Elsie cumple con su obligación: dona sus bonitos vestidos con el fin de recaudar fondos para la guerra de los Estados del Norte. 

Una caída fatal: convencida de que un negro quiere violarla, Flora Cameron se precipita desde una roca y muere en brazos de su hermano mayor.

Obra capital de la historia del cine; no sólo por la cantidad de figuras-hito que colaboraron en el proyecto, sino por las bases de la sintaxis cinematográfica. 

Curiosamente, es una película histórica que centra y justifica la guerra de secesión desde el lado sudista.

Pese a su marcado racismo y al apólogo sobre el Ku Klux Klan,, fue una de las películas más importantes para el soviético Eisenstein.

Es un film admirable también por su virtud de ofrecernos la visión de una sociedad desde sus aspectos ideológicos más oscuros y contradictorios; de hecho, la película provocó una gran controversia.

La primer epopeya cinematográfica auténtica.

"El nacimiento de una nación" obligó a los guardianes de la cultura a reconocer los méritos del cine. 

Una obra maestra llena de luces y sombras, acaso como un reflejo de la nación norteamericana de principios del siglo XX.

"Nosferatu. Una Sinfonía del Horror" (1922)
Director: Friedrich Wilhelm Murnau (1888-1931) Deutschland
Reparto: Max Schreck, Gustav von Wangenheim, Greta Schröder

La película de terror por antonomasia: Nosferatu guarda poco parecido con las películas de vampiros posteriores:
Murnau lo concibió como un desagradable arácnido.
El principio de una pasión fatal: el conde Orlok decubre la foto de Ellen, la esposa de Hutter.
La pesadilla: con su figura a la vez grotesca e imponente, Nosferatu se antoja como una fantasía del miedo.
El final del vampiro: el primer rayo de sol hace que el monstruo se convierta en polvo.
En esta obra maestra no aparecen ni el ajo ni las cruces, requisitos indispensables de las películas de vampiros posteriores.
Arquitectura a medida: los omnipresentes arcos ojivales góticos remiten al carácter del más allá de Nosferatu y
 al mismo tiempo establecen una relación visual entre el castillo de los Cárpatos y la ciudad portuaria de Wisborg, al norte de Alemania.
Una debilidad enigmática: entre Ellen y el vampiro parece fluir un misterioso poder de atracción que no sospechan ni la familia de Ellen ni el médico.
Los abismos del idilio pequeñoburgués: desde el principio, Ellen constituye una nota melancólica y tétrica en la aparentemente apacible Wisborg.
El ingenuo Hutter no se percata de ello. Malos augurios: cuando huye del castillo de Orlok, Hutter presiente el peligro que corre Ellen.
Ciencia desamparada: el profesor Bulwer investiga el lado oscuro de la naturaleza, pero no puede impedir la irrupción del maligno en la ciudad.

  

"Nosferatu. Una Sinfonía del Horror"

Inspirado en el "Drácula" de Bram Stoker -pese a que no figure en los títulos de crédito- el film es de

 una extraordinaria belleza y lirismo, con rodajes exteriores, decisión inusual para su tiempo. 

Contraste técnicamente genial entre realidad e irrealidad, a través del sentido plástico. 

Singular riqueza de matices, hasta el punto de representar aún hoy la obra maestra del género

 vampírico, incapaz de superar. Warner Herzog abordó un "remake" con Klaus Kinski.

Director: Cecil B. DeMille (1881-1959) EE.UU. 

"The Ten Commandments" ("Los diez mandamientos")1923

Reparto: Theodore Roberts, Charles de Rochefort, Estelle Taylor

Moisés recibe los diez mandamientos de la ley de Dios : Moisés como primer padre bíblico de los israelitas perseguidos y exiliados.

Antes de atravesar el mar Rojo: la parte bíblica se rodó en un novedoso sistema de dos colores. 

La bacanal que se desencadena en el capítulo del becerro de oro no está exenta de desenfado ni de insinuaciones sexuales. 

El carro de lucha de Ramsés II: por poco tuvo que suspenderse el rodaje debido al gasto que supuso adquirir los sementales de pura raza. DeMille había superado con creces el presupuesto asignado.

El gigantesco decorado montado en las dunas de Guadalupe y las costosas instalaciones de los figurantes hicieron de esta película una de las más caras de la historia. 

DeMille rodó una película que constaba de prólogo bíblico monumental y de una parte dramática ambientada en la actualidad.

Curiosamente, DeMille fue clasificado como "director épico" por una parte de la crítica, y repudiado por otro sector que lo tachaba de vulgar e imitador de Griffith. 

La verdad es que en la presente película están todas las constantes por las que, años más tarde, John Ford (1894-1973) acusaría a DeMille de haber hecho del cine un púlpito.

Dos historias componen el metraje total del film: la huida de Egipto del pueblo hebreo, capitaneado por Moisés, y un argumento que discurre en la América de los años 20.

  

"Es la mejor película que se ha rodado. El espectáculo teatral de mayores proporciones de la historia. El mayor sermón jamás pronunciado sobre las tablas, que constituyen la base de todas las leyes"

                                       Photoplay Magazine

Charles Chaplin "The Golden Rush" (1925)

El vagabundo rodeado de hielo y nieve: "La quimera del oro" de Chaplin
 es una de las grandes obras maestras del cine.
El hambre no se ha reflejado nunca más encarecidamente ni más
grotescamente en la pantalla que en la escena en la que Charlot y su 
compañero se sirven un zapato para comer.
En sus delirios de hambre, Big Jim toma al enjuto vagabundo por un
delicioso pollo. Charlot debe reafirmase constantemente ante hombres 
de superioridad física.
Por regla general, el estilo de la cámara de Chaplin se tilda de poco original.
Sin embargo, ¿Quién ha sido capaz de plasmar mejor la soledad que el
genial cómico y su leal cámara Totherot en esta escena?
En ninguna otra de sus películas consiguió Chaplin un equilibrio tan perfecto
entre lo conmovedor, lo cómico y lo dramático como en "La quimera del oro".
Con el éxito mundial de esta película, Chaplin vivió el apogeo de su carrera.
Después, sus problemas con los círculos más conservadores irían creciendo.

Director: Charles Chaplin (1889-1977) EE.UU. 

"The Gold Rush" ("La quimera del oro") 1925

Reparto: Charles Chaplin, Marc Swain, Georgia Halle

Rodada en costosos exteriores naturales, Chaplin llegó a filmar secuencias en un número bastante importante, que luego desechó porque rompían la armonía interna del film.

Charlot llega a Alaska, donde espera hacerse rico buscando oro.

La privaciones y situaciones-límite se suceden hasta que llega a conseguir sus propósitos.

La mayoría de los chistes virtuales de esta película forman una antología de los momentos y situaciones más divertidas de la filmografía de su autor.

Con un movimiento de hombros y un gesto de su mano izquierda, Chaplin decía mucho más de lo que cualquier intérprete podía expresar con los ojos

o la boca.

Un clásico del cine mudo y del Sétimo Arte.

Director: Serguéi M. Eisenstein (1898-1948) U.R.R.S.

"El acorazado Potemkin" (1925)

Reparto: Alexander Antonov, Vladimir Barsky

La tripulación revolucionaria del acorazado celebra el éxito de la sublevación contra los oficiales. 

Las dinámicas composiciones visuales de Eisenstein y el montaje arrebatador hicieron que el estreno de la película fuera un acontecimiento político de primer orden. 

Eisenstein escogió a los actores  basándose en el principio de las tipologías: en vez de actores virtuosos, buscó tipos paradigmáticos, es decir, oficiales, obreros, y representantes de la burguesía.

Eisenstein desarrolla el drama del motín en la cubierta de proa como un montaje espacial calculado con rigurosa geometría. 

Los rostros expresivos trasladan las emociones al espectador: la mirada llena de odio de un oficial...

y el dolor de una ciudadana de Odesa condensan los sucesos en iconos visuales.

Los marineros todavía se doblegan ante el régimen arbitrario de los oficiales. 

Un hito en la historia del cine: el montaje de Eisenstein de la matanza perpetrada por los cosacos en las escaleras del puerto de Odesa.

Una de las películas más importantes de la cinematografía mundial.

Pensada en un principio como resumen de los hechos de 1905, la acción acabó concentrándose en el tema de un acorazado, cuyo espíritu fue decisivo para la revolución de 1917, y la represión en el puerto de Odessa.

Obra magistral compuesta de 1.209 planos, algo poco habitual para su tiempo.

La ejecución en el barco y las escalinatas figuran en todas las antologías de la historia cinematográfica.

Buster Keaton en "El maquinista de la General" (1926)

El hombre que nunca ríe: Buster Keaton consiguió grandes
 efectos con una mímica mínima.
Johnnie y su estimada locomotora: como en tantas otros films
de este genial cómico, la acción gira en torno a una máquina.
Persecución dramática: Keaton no escatimaba recursos para
 para poner en escena las secuencias de acción.
Los esfuerzos de Keaton por transmitir autenticidad no se
manifiestan sólo en el estilo de su cámara, sino que los
figurantes eran soldados reales.
El cómico realizando acrobacias:
Keaton interpretaba en persona incluso las escenas más
peligrosas. El niño que el hombre lleva dentro:
la seriedad con la que Johnnie desempeña su oficio es
 comparable a la de un niño inmerso en un juego.
Vistas estas escenas tan grotescas, no es de extrañar que los
surrealistas se sintieran fascinados por las películas de Keaton.
El voluntario impedido: la indolente pose de Jonnie no impide
que sea rechazado en la oficina de inspección.
Al igual que ocurre con Chaplin y H. Lloyd, la comicidad de
Keaton  también depende en gran medida de su
extraordinario dominio corporal. 

Director: Buster Keaton (1895-1966) y Clyde Bruckman (1894-1966) EE.UU. 

"The General" ("El maquinista de la General")1926/27

Reparto: Buster Keaton, Marion Mack

Considerada como una de las comedias más originales de Buster Keaton, este film presenta los "gags" más depurados y famosos de la filmografía de Keaton.

Basado en un hecho real acontecido en la Guerra civil norteamericana, cuenta las peripecias de un maquinista de un tren confederado, al que una pandilla de sodados de la Unión le han robado la novia y el tren.

Una obra maestra.

Director: Fritz Lang (1890-1976) Deutschland

"Metropolis" (1926)

Reparto: Alfred Abel, Gustav Fröklich, Brigitte Helm

Perspectivas de vértigo: la ciudad-montaña de Metrópolis era una imagen alegórica y futurista de la modernidad.

Un soñador en las profundidades: Freder está conmocionado

La manipulación de las masas: la falsa 

María, un sex-symbol artificial, hace perder la cabeza a los jóvenes de la ciudad superior.

Lucha de poderes: Frederse- Rotwang.

Adelantos técnicos: el inventor Rotwang hace un robot clonando a la buena María.

El robot de Lang se convirtió en un icono de la modernidad y en figura publicitaria. 

Rotwang parece una mezcla de Fausto y del doctor Frankenstein.

El amor de Freder y María se erige entre los bandos como símbolo de reconciliación. 

De este modo, las metáforas, las alegorías y las comparaciones sustituyen al análisis social.

El simbolismo seudo-religioso es una de las características principales de un film que se sirve de todas las ideologías.

Aforismo de la película:

"El mediador entre el cerebro y las ideologías ha de ser el corazón"

Basándose en la novela homónima de su mujer, Lang construyó una de las mayores superproducciones del cine mudo alemán.

Metrópolis, ciudad en donde viven infra-hombres como esclavos, tiene un elenco de 750 papeles secundarios y más de 3.000 extras.

Fritz Lang consiguió con "Metrópolis" su mayor logro en el cine mudo.

Indispensable para estudiosos y cinéfilos.

Supone una obra maestra de una elocuencia inagotable. 

 

 

Cine Sonoro

Alan Crosland (1894-1936) EE.UU. 

"The Jazz Singer" ("El cantor de jazz") 1927

Por regla general, el comienzo de la era del cine sonoro se data el 6 de octubre de 1927.

La primera película hablada de la historia del cine y un clásico del cine musical, con temas tan inolvidables como "Mammy" o "Toot toot tootsie"

El film sería objeto de algún que otro "remake" que no lograría empalidecer el éxito anterior.

Contuvo una de las primeras apariciones en el cine de la legendaria Myrna Lay, entrevistada como chica del coro.

 

Desde la fecha en la que se estrenó "The Jazzz Singer", debido al inmenso éxito de este film musical, se desató un estallido de películas sonoras, lo que indujo a Hollywood a introducir la nueva técnica con una rapidez asombrosa.